ხელოვნება მოიცავს ადამიანის არსებობის ყველა ასპექტს, ითვისებს მას სხვადასხვა ხერხებით, საშუალებებით, მეთოდებით სხვადასხვა ფორმით. უკვე XVIII ს. ფრანგმა ენციკლოპედისტებმა ხელოვნების მრავალფეროვნების წყარო აღმოაჩინეს მუსიკოსების, პოეტებისა და მხატვრების მიერ გამოყენებული მხატვრული საშუალებების განსხვავებაში. ხელოვნების თითოეული სახეობა იყენებს რეალობის, ფენომენების, მოვლენების, იდეების, გამოსახულებების, გრძნობებისა და განწყობის გადმოცემის სპეციფიკურ საშუალებებს.

არქიტექტურა, ფერწერა და ქანდაკება- ეს სივრცითი ხელოვნების სახეები, რომლებსაც აქვთ სამყაროს ასახვის სპეციალური საშუალებები.

1. არქიტექტურა- ეს ხელოვნებაა სივრცისა და მოცულობების ფორმირება სილამაზის კანონების მიხედვითშენობებისა და ნაგებობების მშენებლობაში, რომლებიც შექმნილია ადამიანის საჭიროებების დასაკმაყოფილებლად ცხოვრების სხვადასხვა სფეროში. არქიტექტურაში ნამუშევარი მხატვრობას მხოლოდ მაშინ იძენს, როცა არქიტექტურული რიტორიკული ფიგურების დახმარებით მეტაფორები - შეკვეთის სისტემა (დორული, იონიური, კორინთული ორდენები), გეომეტრიული სტრუქტურები , ორნამენტები, ფრესკები, რელიეფები, ქანდაკებები - შენობა იძენს" სტილისტური მარკირება ».

არქიტექტურული გამოსახულების სპეციფიკას სხვადასხვა მხატვრული საშუალებებით, კომპოზიციითა და ანსამბლით განსაზღვრავს. არქიტექტურული სამუშაოებისთვის მნიშვნელოვანია ბუნებრივ ან ურბანულ ლანდშაფტში მორგება. განსაზღვრულია არქიტექტურის ფორმები ბუნებრივად(დამოკიდებულია გეოგრაფიული, კლიმატური პირობების, ლანდშაფტის, მზის სინათლის ინტენსივობის, სეისმური უსაფრთხოების მიხედვით), სოციალურად(საზოგადოების კულტურული მოთხოვნების დონე) და ეკონომიურად(ტექნოლოგიის განვითარების დონე და მახასიათებლები).

არქიტექტურა არსებობს დეკორატიულ ხელოვნებასთან, მონუმენტურ მხატვრობასთან (ფრესკა) და ქანდაკებასთან სინთეზში. კონსტრუქციის მასშტაბები სემიოტიკურად მნიშვნელოვანია და დიდწილად განსაზღვრავს მხატვრული გამოსახულების ბუნებას, მის მონუმენტურობასა თუ ინტიმურობას. არქიტექტურის გამომსახველობის მნიშვნელოვანი საშუალება - რიტმი, მოცულობების თანაფარდობა, ხაზები.

არქიტექტურული ფორმების კონფიგურაციები ატარებენ განსაკუთრებულ სემანტიკურ დატვირთვას: კუბი - სტაბილურობის, ბალანსის იდეის განსახიერება; პარალელეპიპედი - ცისკენ სწრაფვის გამოსახულება; U- ფორმის კომპოზიციები (თაღები) - სივრცეების გაერთიანების, გარკვეული სივრციდან შესვლისა და გასვლის სურათი ( კარიბჭე); ცილინდრი, როტონდა - ყველა კუთხიდან დაკავშირებული ფორმა - მარადისობის, მიმოქცევის, ღვთაებრივის სიმბოლო; სეგმენტი - სივრცის გაყოფის გამოსახულება; ნახევარსფერო - ცის გამოსახულება, რომელიც ხშირად გამოიყენება ტაძრებში, როგორც უმაღლესი მფარველობის სიმბოლო, პანთეონებში, პლანეტარიუმებში.

2. ვიზუალური ხელოვნება. სახვითი ხელოვნების საშუალებებია ნახატი, ფერი, სინათლე, ტექსტურა, ქიაროსკურო, ხაზი, პერსპექტივა, სხვადასხვა კუთხის გამოყენების შესაძლებლობა, მოცულობა, პროპორციები.

ფერწერა- გამოსახულება რეალური სამყაროს სურათების სიბრტყეზე, გარდაქმნილი მხატვრის შემოქმედებითი წარმოსახვით. ეს არის სამგანზომილებიანი სივრცის ორგანზომილებიანად გადაცემის ხელოვნება სპეციალური გზით გადახურული საღებავების, შტრიხების, ხაზების, სინათლისა და ჩრდილის თანაფარდობით.

ფერი- ფერწერის გამომსახველობის მთავარი საშუალება. საღებავების დახმარებით იქმნება სურათის შიდა განათების ეფექტი, ფერების ჩრდილები და ჩრდილები. მესამე განზომილების - სურათის სიღრმის გადმოსაცემად, მხატვრები იყენებენ პირდაპირ პერსპექტივას, ასახავს დიდ და ნათელ ახლომდებარე ობიექტებს და პატარა - უფრო შორს. IN სქემაიგი გადმოცემულია ხაზებითა და შტრიხებით. გამოყენებულია ძველი რუსული მხატვრობა საპირისპირო პერსპექტივა - მეთოდი, რომლის დროსაც დამკვირვებლიდან დაშორებისას ვიზუალური სხივები განსხვავდება. XIX საუკუნეში გაღრმავდა ფერწერისა და გრაფიკის დელიმიტაციის პროცესი. იმპრესიონისტებმა ფერი წინა პლანზე გამოიტანეს, ხაზი უკანა პლანზე გადაიტანეს (ვან გოგი, რენუარი, კლოდ მონე).

მეოცე საუკუნეში ფოტოგრაფიის, კინოს, ტელევიზიის, მრავალფეროვანი ცხოვრებისეული გამოცდილების გავლენით ფერწერის ბუნება იცვლება ინტელექტუალიზაციისა და ფსიქოლოგიზაციის მიმართულებით. აქცენტი ობიექტური სამყაროს გადმოცემის მოთხოვნიდან მხატვრის ხედვაზე გადადის.

გამოყენებითი ხელოვნება– საყოფაცხოვრებო ნივთების, ფუფუნების საგნების, სამკაულების წარმოება სხვადასხვა მასალისგან (ხის, ქსოვილის, ლითონის, ტყავის და ა.შ.). დეკორატიული ხელოვნება- ფრესკები თაბაშირზე, ქვაზე და სხვ., რელიეფები, ბარელიეფები, მაღალი რელიეფები.

3 . ქანდაკება- ეს არის სივრცითი სახვითი ხელოვნება, სამყაროს დაუფლება პლასტმასის გამოსახულებებში, აღბეჭდილი მასალებში, რომლებსაც შეუძლიათ ფენომენების ცხოვრებისეული გამოსახულების გადმოცემა. ქანდაკების გამომხატველი საშუალებებია პლასტიკური მოცულობა, სილუეტი, პროპორციები. ქანდაკების ექსპრესიული შესაძლებლობები შესაძლებელს ხდის სამყაროს, ადამიანის ხასიათისა და შინაგანი სამყაროს ნებისმიერი სურათის გადმოცემას, მისი ორიგინალურობისა და უნიკალურობის გამოხატვას.

სკულპტურული გამოსახულებები მოჩუქურთმებულია მარმარილოს, გრანიტისგან, ხისგან მოჩუქურთმებული, თიხისგან ჩამოსხმული, ბრინჯაოსა და სხვადასხვა შენადნობებისგან ჩამოსხმული. ქანდაკებას შეუძლია მოძრაობების პლასტიურობის გადმოცემა. ამის ყველაზე ნათელი მაგალითია მიქელანჯელოს "პიეტა" და "მომაკვდავი მონა", ფალკონეს პეტრე I-ის ძეგლი.

დროებითი ხელოვნებამოიცავს ლიტერატურა, მუსიკა, ცეკვა.

1. ლიტერატურაარის ხელოვნება, რომელიც ესთეტიურად ეუფლება სამყაროს მხატვრულ სიტყვაში. ლიტერატურის მთავარი საშუალებაა სიტყვა, მეტყველების ხელოვნება, ტექსტი, რომელიც ჩვენს გონებაში ხელოვნების ნიმუშად იქცევა, როცა სიტყვები ქმნის გამოსახულებას, ემოციურად მდიდარ სურათს. ლიტერატურა არის აზროვნებით ანიმაციური სიტყვა. სიტყვა არის მთავარი სამშენებლო მასალა ლიტერატურული გამოსახულება. გამოსახულება არის ენის საფუძველი, რომელიც შთანთქავს ხალხის მთელ ისტორიულ გამოცდილებას და ხდება აზროვნების ფორმა.

სიტყვას შეუძლია ბევრის გადმოცემა. ჰეგელმა მას უწოდა ყველაზე პლასტიკური მასალა, რომელიც უშუალოდ ეკუთვნის სული . სიტყვის მოქნილობისა და უსაზღვრო გამომსახველობითი შესაძლებლობების წყალობით ლიტერატურას შეუძლია ნებისმიერი ხელოვნების მხატვრული შინაარსის ელემენტები აითვისოს. ლიტერატურის ენაზე შეიძლება ითარგმნოს სხვა ხელოვნების სურათები: ცეკვა ლ. ლიტერატურა მეტაფორულია.

2. მუსიკა- ეს არის რეალობის, ემოციური გამოცდილების ასახვა, შეღებილი აზროვნების გრძნობით სპეციალური სახის ბგერების საშუალებით, რომლებიც დაფუძნებულია ადამიანის მეტყველების განზოგადებულ ინტონაციებზე. ლეო ტოლსტოიმ მუსიკას მართებულად უწოდა "გრძნობების სხარტი".

მუსიკის გამოხატვის ყველაზე მნიშვნელოვანი საშუალება ბგერებია. მუსიკოსი ბაძავს ბგერებს, ხმებს, ინტონაციებს, ხმების მოდულაციას. თუმცა, მუსიკა ქმნის განსაკუთრებული სახის ბგერებს, რომლებიც ბუნებაში არ არსებობს. მუსიკის საფუძველია რიტმი და ჰარმონია, რომელიც ერთად იძლევა მელოდიას. მუსიკა ბუნებით დინამიურია. ეს არ არის მხოლოდ ბგერები, არამედ ამ ბგერების მოძრაობები, მათი ნაკადი, რომელიც მიედინება დროში და გამოხატავს ადამიანური გამოცდილების მთელ გამას.

მუსიკალური ენის უმნიშვნელოვანესი ელემენტები და გამომსახველობითი საშუალებები მელოდიური-ინტონაციური სტრუქტურაა. კომპოზიცია, ჰარმონია, ორკესტრირება, რიტმი, ტემბრი, დინამიკა. ზოგჯერ იმიტაცია ემატება რეალურ მუსიკალურ ინტონაციურ საშუალებებს - საყვირის ხმას, ორთქლის ლოკომოტივის სასტვენს, ქვემეხის გასროლას, ჩლიქების ან ბორბლების ხმას. მუსიკა ქმნის ემოციურ სურათებს, ხატავს წარსულის, აწმყოსა და მომავლის ემოციურ სურათებს.

3 . ცეკვა- ეს არის მელოდიური და რიტმული მოძრაობა, რომელიც ავლენს ადამიანების პერსონაჟებს, განწყობებს, გრძნობებს, აზრებს. ეს არის მოძრაობაში ხმის მატერიალიზაციის ხელოვნება. ცეკვა ქმნის ქორეოგრაფიულ გამოსახულებას მუსიკალური და რიტმული ექსპრესიული მოძრაობებიდან, რომელსაც ზოგჯერ ავსებს პანტომიმები, სპეციალური კოსტიუმები და ნივთები (ხელსახოცები, იარაღი, ჭურჭელი). ცეკვა ბაძავს ადამიანის ჟესტებს, მოძრაობის ბუნებას, სიარული. ცეკვის ხელოვნება საუკუნეების განმავლობაში აუმჯობესებდა და განაზოგადებდა ამ ექსპრესიულ მოძრაობებს. შედეგად გაჩნდა ქორეოგრაფიული მოძრაობების სისტემა, ადამიანის სხეულის პლასტიურობის მხატვრულად გამოხატული ენა.

ცეკვა ყოველთვის ეროვნულია. ის გამოხატავს ხალხის სულს. ეროვნული ცეკვები საუკუნეების განმავლობაში ვითარდებოდა თითოეული საკუთარი ხალხისთვის. კლასიკური ცეკვა - ბალეტი - განვითარდა რენესანსის გარშემო. 1661 წელს საფრანგეთში დაარსდა ცეკვის სამეფო აკადემია, რომელმაც შეიმუშავა კლასიკური ქორეოგრაფიის სისტემა.

ლიტერატურა(პოეზია, სიმღერა) მუსიკა, ცეკვაფორმირების საფუძველი გახდა სინთეზური ხელოვნება – თეატრალური(კომედია, ტრაგედია, დრამა, ბალეტი, ოპერა, ოპერეტა) ხელოვნება და კინემატოგრაფია.

1. თეატრიარის ხელოვნების ფორმა, რომელიც მხატვრულად ეუფლება სამყაროს დრამატული მოქმედებით, რომელსაც ახორციელებენ მსახიობები მაყურებლის წინაშე. სტანისლავსკიმ განსაზღვრა თეატრის ბუნება, როგორც მოქმედება. თეატრი მოქმედებაში გამოხატული და სიტყვით რეალიზებული ენერგიაა. თეატრი დიალოგურია. ეს გავლენას ახდენს მაყურებელზე ორი ფორმით: 1) ყოფნის ეფექტიდა 2) კათარზისი. ეს აძლიერებს სულიერ გავლენას. თეატრი არის ინდივიდის ხელოვნება და კოლექტიური შემოქმედების განსაკუთრებული სახე, რომელიც აერთიანებს დრამატურგის, რეჟისორის, მხატვრის, კომპოზიტორის და მსახიობების ძალისხმევას.

ყველაზე მნიშვნელოვანი ვიზუალური საშუალება თამაში ცხოვრება სცენაზე. მსახიობობა მოითხოვს განსაკუთრებულ ნიჭს - დაკვირვებას, ყურადღებას, ცხოვრებისეული მასალის შერჩევისა და განზოგადების უნარს, ასევე ფანტაზიას, მეხსიერებას, ტემპერამენტს, გამოხატვის საშუალებებს (დიქცია, ინტონაციის მრავალფეროვნება, სახის გამომეტყველება, პლასტიურობა, ჟესტები).

თეატრის სიტყვიერი საფუძველია დრამა - ჟანრი, რომელშიც აგებულია თეატრალური მექანიზმები. როგორც სინთეზური ხელოვნების ფორმა, თეატრი მოიცავს მუსიკას, ცეკვას, გამოყენებით ხელოვნებას (რეკვიზიტები, ჭურჭელი, კოსტიუმები), ასევე ფერწერა, ქანდაკება, არქიტექტურა (დეკორაციები).

2. კინომე-20 საუკუნის ხელოვნებაა. კინოს განვითარებას განაპირობებს მეცნიერების, ტექნიკისა და ტრადიციული ხელოვნების მიღწევები: რომანი, მხატვრობა, თეატრი. კინო გადმოსცემს ეპოქის დინამიკას. დროის თვალსაზრისით მას ძალუძს მოვლენების სწრაფი ცვლილება მათ შინაგან ლოგიკაში გადმოსცეს.

კინოს სინთეზური ხელოვნება მოიცავს, როგორც განუყოფელ ორგანულ ელემენტებს, ლიტერატურას (სცენარს, ლექსებს), ფერწერას (სცენა, კოსტიუმები, ანიმაცია), თეატრს (მსახიობობა, შენიღბვის ხელოვნება), ცეკვას და მუსიკას. ვიზუალური მოქმედება კინოში ჭარბობს ვერბალურ მოქმედებას. სცენარისტი თავისუფალია სცენის შეზღუდვებისგან. ნებისმიერი ფენომენი, დროითი და სივრცითი მასშტაბები ხელმისაწვდომია კინემატოგრაფიისთვის. კინოს შეუძლია გადმოსცეს მოვლენათა სემანტიკური კავშირი, ცხოვრების რიტმის მოძრაობა, გმირების შინაგანი სამყარო, მეხსიერება, აზრები (ფ. ფელინი), ქვეცნობიერის ცხოვრება (ი. ბერგმანი), ყოფნის საიდუმლოებები ( ა.ტარკოვსკი).

მდიდარი და მრავალფეროვანია კინოს გამომხატველი საშუალებები: მონტაჟი (ს. ეიზენშტეინი), მაყურებელსა და სპექტაკლს შორის მანძილის მობილურობა. დ.გრიფიტმა გახსნა ახლო კადრი, არის ასევე საშუალო და გენერალური. როლს თამაშობს კამერის მიერ ჩაწერილ მოვლენებთან ხედვის კუთხის შეცვლა. კინო ვითარდება ტექნოლოგიების განვითარებისა და ახალი მხატვრული საშუალებების გავლენით: ხმის კინო - ფერადი - სტერეო კინო - ჰოლოგრაფია - 3D გამოსახულება.

ისე, ხელოვნება, როგორც ყოფიერების გამოხატვის საშუალება, აცნობიერებს მის სხვადასხვა სფეროს, ამისათვის იყენებს ვიზუალური საშუალებების ფართო სპექტრს. ხელოვნება თავისი ბუნებით ადამიანთან თანხმოვანია მისი გამოსახულებების უნიკალურობითა და უნიკალურობით. ნამდვილი ხელოვნება სილამაზის კონცენტრაციაა. იგი შექმნილია ინდივიდის შინაგანი სამყაროს სულიერებაზე, საზოგადოების ჰუმანიზაციაზე, სამეცნიერო და ტექნოლოგიური პროგრესის ჰუმანიზაციისთვის, მახინჯებისა და ბოროტების მიმართ საიმედო იმუნიტეტის შესაქმნელად.

თქვენი კარგი სამუშაოს გაგზავნა ცოდნის ბაზაში მარტივია. გამოიყენეთ ქვემოთ მოცემული ფორმა

სტუდენტები, კურსდამთავრებულები, ახალგაზრდა მეცნიერები, რომლებიც იყენებენ ცოდნის ბაზას სწავლასა და მუშაობაში, ძალიან მადლობლები იქნებიან თქვენი.

ყირიმის ავტონომიური რესპუბლიკის განათლების სამინისტრო

ყირიმის სახელმწიფო საინჟინრო-პედაგოგიური უნივერსიტეტი

ფაკულტეტი ფსიქოლოგიური და პედაგოგიური

დაწყებითი განათლების მეთოდოლოგიის კათედრა

ტესტი

დისციპლინის მიხედვით

ქორეოგრაფიული, სასცენო და ეკრანული ხელოვნება სწავლების მეთოდებით

თეატრალური ხელოვნების ექსპრესიულობის საშუალებები

სტუდენტები Mikulskite S.I.

სიმფეროპოლი

2007 - 2008 სასწავლო წელი წელიწადი.

2. თეატრალური ხელოვნების გამომსახველობის ძირითადი საშუალებები

გაფორმება

თეატრალური კოსტუმი

ხმაურის დიზაინი

სინათლე სცენაზე

სცენის ეფექტები

ლიტერატურა

1. დეკორატიული ხელოვნების ცნება, როგორც თეატრალური ხელოვნების გამოხატვის საშუალება

დეკორატიულობა თეატრალური ხელოვნების გამოხატვის ერთ-ერთი ყველაზე მნიშვნელოვანი საშუალებაა, ეს არის სპექტაკლის ვიზუალური გამოსახულების შექმნის ხელოვნება დეკორაციისა და კოსტიუმების, განათებისა და დადგმის ტექნიკის საშუალებით. გავლენის ყველა ეს ვიზუალური საშუალება არის თეატრალური წარმოდგენის ორგანული კომპონენტები, ხელს უწყობს მისი შინაარსის გამჟღავნებას, აძლევს მას გარკვეულ ემოციურ ჟღერადობას. დეკორატიული ხელოვნების განვითარება მჭიდრო კავშირშია თეატრისა და დრამატურგიის განვითარებასთან.

დეკორატიული ხელოვნების ელემენტები (კოსტუმები, ნიღბები, დეკორატიული ფარდები) წარმოდგენილი იყო უძველეს ხალხურ რიტუალებსა და თამაშებში. ძველ ბერძნულ თეატრში უკვე V ს. ძვ.წ ე., სცენის შენობის გარდა, რომელიც ემსახურებოდა მსახიობთა თამაშის არქიტექტურულ ფონს, იყო სამგანზომილებიანი დეკორაციები, შემდეგ კი თვალწარმტაცი დეკორაციები შემოვიდა. თეატრმა მიიღო ბერძნული დეკორატიული ხელოვნების პრინციპები ანტიკური რომისადაც პირველად ფარდა იხსნება.

შუა საუკუნეებში ეკლესიის შიგნით თავდაპირველად დეკორატიული ფონის როლს ასრულებდა, სადაც ლიტურგიკული დრამა სრულდებოდა. უკვე აქ გამოიყენება შუა საუკუნეების თეატრისთვის დამახასიათებელი ერთდროული დეკორაციის ძირითადი პრინციპი, როდესაც მოქმედების ყველა სცენა ერთდროულად არის ნაჩვენები. ეს პრინციპი კიდევ უფრო განვითარებულია შუა საუკუნეების თეატრის მთავარ ჟანრში - მისტერიულ პიესებში. ყველა სახის იდუმალ სცენებში უდიდესი ყურადღება ექცეოდა „სამოთხის“ პეიზაჟს, რომელიც გამოსახულია სიმწვანეთ, ყვავილებით და ხილით მორთული არბორის, დრაკონის გაღებული პირის სახით „ჯოჯოხეთის“ სახით. მოცულობით დეკორაციებთან ერთად გამოიყენებოდა თვალწარმტაცი პეიზაჟებიც (ვარსკვლავური ცის გამოსახულება). დიზაინში ჩართული იყვნენ დახელოვნებული ხელოსნები - მხატვრები, ჩუქურთმები, ოქროპირები; ჯერ თეატრი. მემანქანეები საათების მწარმოებლები იყვნენ. ანტიკური მინიატურები, გრავიურები და ნახატები იძლევა წარმოდგენას საიდუმლოებების დადგმის სხვადასხვა ტიპებსა და ტექნიკაზე. ინგლისში ყველაზე გავრცელებული იყო სპექტაკლები პედჟენტებზე, რომლებიც წარმოადგენდა მოძრავ ორსართულიან ჯიხურს, რომელიც ეტლზე იყო დამონტაჟებული. ზედა სართულზე გათამაშდა სპექტაკლი, ქვედა კი მსახიობების გასახდელს ემსახურებოდა. სასცენო პლატფორმის ასეთი წრიული ან რგოლისებრი ტიპის მოწყობა საშუალებას აძლევდა უძველესი ეპოქიდან შემონახული ამფითეატრების გამოყენებას საიდუმლოებების დასადგმელად. საიდუმლოების დეკორაციის მესამე ტიპი იყო ეგრეთ წოდებული პავილიონების სისტემა (მე-16 საუკუნის მისტიკური სპექტაკლები ლუცერნში, შვეიცარია და დონაუშინგენში, გერმანია) - მოედანზე მიმოფანტული ღია სახლები, რომლებშიც ვითარდებოდა საიდუმლო ეპიზოდების მოქმედება. მე-16 საუკუნის სასკოლო თეატრში. პირველად არის მოქმედების ადგილების განლაგება არა ერთი ხაზის გასწვრივ, არამედ სცენის სამი მხარის პარალელურად.

აზიის თეატრალური სპექტაკლების საკულტო საფუძვლმა განსაზღვრა სცენის პირობითი დიზაინის მრავალი საუკუნის დომინირება, როდესაც ცალკეული სიმბოლური დეტალები განსაზღვრავდა მოქმედების ადგილებს. დეკორაციის ნაკლებობას ანაზღაურებდა ზოგიერთ შემთხვევაში დეკორატიული ფონის არსებობა, კოსტიუმების სიმდიდრე და მრავალფეროვნება, მაკიაჟის ნიღბები, რომელთა ფერი ჰქონდა. სიმბოლური მნიშვნელობა. ნიღბების ფეოდალურ-არისტოკრატიულ მუსიკალურ თეატრში, რომელიც ჩამოყალიბდა იაპონიაში XIV საუკუნეში, შეიქმნა კანონიკური ტიპის დეკორაცია: უკანა კედელისცენები, აბსტრაქტულ ოქროსფერ ფონზე გამოსახული იყო ფიჭვი - დღეგრძელობის სიმბოლო; გადახურული ხიდის ბალუსტრადის წინ, რომელიც მდებარეობს ადგილის უკანა მხარეს მარცხნივ და განკუთვნილი იყო მსახიობებისა და მუსიკოსების სცენაზე გასასვლელად, განთავსებული იყო სამი პატარა ფიჭვის გამოსახულება.

15-ზე - მათხოვრობით. მე-16 საუკუნეები იტალიაში ჩნდება ახალი ტიპის თეატრის შენობა და სცენა. თეატრალური სპექტაკლების დიზაინში მონაწილეობა მიიღეს უმსხვილესმა მხატვრებმა და არქიტექტორებმა - ლეონარდო და ვინჩი, რაფაელი, ა. მანტენია, ფ. ბრუნელესკი და სხვები, რომში - ბ. პერუცი. დეკორაცია, რომელიც ასახავს სიღრმეში მიმავალი ქუჩის ხედს, დახატული იყო ჩარჩოებზე გადაჭიმულ ტილოზე და შედგებოდა ფონისგან და სამი გვერდითი გეგმისგან სცენის თითოეულ მხარეს; დეკორაციის ზოგიერთი ნაწილი ხისგან იყო დამზადებული (სახლის სახურავები, აივნები, ბალუსტრადები და სხვ.). აუცილებელი პერსპექტიული შეკუმშვა მიღწეული იქნა ტაბლეტის ციცაბო აწევის დახმარებით. რენესანსის სცენაზე ერთდროული დეკორაციის ნაცვლად, ერთი საერთო და უცვლელი სცენა იქნა რეპროდუცირებული გარკვეული ჟანრის სპექტაკლებისთვის. უდიდესმა იტალიელმა თეატრალურმა არქიტექტორმა და დეკორატორმა S. Serlio-მ შეიმუშავა 3 ტიპის დეკორაცია: ტაძრები, სასახლეები, თაღები - ტრაგედიებისთვის; ქალაქის მოედანი კერძო სახლებით, მაღაზიებით, სასტუმროებით - კომედიებისთვის; ტყის ლანდშაფტი - პასტორალებისთვის.

რენესანსის მხატვრები განიხილავდნენ სცენას და აუდიტორიას მთლიანობაში. ეს გამოიხატა 1584 წელს ა.პალადიოს დიზაინით აშენებული ოლიმპიკოს თეატრის შექმნით ვიჩენცაში; ამ t-re V. Scamozzi-მ ააშენა შესანიშნავი მუდმივი დეკორაცია, რომელიც ასახავს "იდეალურ ქალაქს" და განკუთვნილია ტრაგედიების დასადგმელად.

იტალიური რენესანსის კრიზისის დროს თეატრის არისტოკრატიზაციამ განაპირობა თეატრალურ სპექტაკლებში გარეგანი წარმოჩენის გაბატონება. ს.სერლიოს რელიეფური დეკორაცია შეიცვალა ბაროკოს სტილის თვალწარმტაცი დეკორაციით. სასამართლო ოპერისა და ბალეტის წარმოდგენის მომხიბვლელი ხასიათი XVI-XVII საუკუნეების ბოლოს. გამოიწვია თეატრალური მექანიზმების ფართო გამოყენება. მხატვარ ბუონტალენტის მხატვარ ბუონტალენტის მიკუთვნებულ ტელარის, სამკუთხა მბრუნავი პრიზმების, მოხატული ტილოებით დაფარული პრიზმების გამოგონებამ შესაძლებელი გახადა დეკორაციის შეცვლა საზოგადოების წინაშე. ასეთი მოძრავი პერსპექტიული პეიზაჟების მოწყობის აღწერა შეგიძლიათ იხილოთ გერმანელი არქიტექტორის ი. ფურტენბახის ნაშრომებში, რომელიც მუშაობდა იტალიაში და აშენდა იტალიური თეატრის ტექნიკას გერმანიაში, ასევე ტრაქტატში „ხელოვნების შესახებ“. სამშენებლო ეტაპები და მანქანები“ (1638) არქიტექტორ ნ.საბატინის მიერ. პერსპექტიული ფერწერის ტექნიკის გაუმჯობესებამ საშუალება მისცა დეკორატორებს შეექმნათ სიღრმის შთაბეჭდილება ტაბლეტის ციცაბო აწევის გარეშე. მსახიობებს შეეძლოთ სცენური სივრცის სრულად გამოყენება. Დასაწყისში. მე-17 საუკუნე გაჩნდა გ.ალეოტის მიერ გამოგონილი კულუარული დეკორაციები. დაინერგა ფრენების ტექნიკური მოწყობილობები, ლუქის სისტემა, ასევე გვერდითი პორტალური ფარები და პორტალური თაღი. ამ ყველაფერმა გამოიწვია ბოქსის სცენის შექმნა.

კულუარული დეკორაციის იტალიური სისტემა მთელ ევროპაში გავრცელდა. ყველა რ. მე-17 საუკუნე ვენის სასამართლო თეატრში ბაროკოს კულუარული დეკორაციები შემოიღო იტალიელმა თეატრის არქიტექტორმა ლ.ბურნაჩინიმ, საფრანგეთში კი ცნობილმა იტალიელმა თეატრის არქიტექტორმა, დეკორატორმა და მანქანათმცოდნე გ.ტორელიმ გენიალურად გამოიყენა პერსპექტიული კულუარული სცენის მიღწევები ოპერის სასამართლო სპექტაკლებში. და ბალეტის ტიპი. ესპანური თეატრი, რომელიც ჯერ კიდევ XVI საუკუნეში იყო შემონახული. პრიმიტიული სამართლიანი სცენა, ითვისებს იტალიურ სისტემას იტალიური თხელის მეშვეობით. კ.ლოტი, რომელიც მუშაობდა ესპანეთის სასამართლო თეატრში (1631 წ.). ურბანული სახალხო თეატრებილონდონი გადაარჩინა დიდი დროშექსპირის ეპოქის პირობითი სასცენო პლატფორმა, დაყოფილია ზედა, ქვედა და უკანა ეტაპებად, აუდიტორიაში გამოსული პროსცენიუმით და მწირი მორთულობით. ინგლისური თეატრის სცენამ შესაძლებელი გახადა მოქმედების ადგილების სწრაფად შეცვლა მათი თანმიმდევრობით. ინგლისში იტალიური ტიპის პერსპექტიული გაფორმება პირველ კვარტალში შევიდა. მე-17 საუკუნე თეატრის არქიტექტორი ი. ჯონსი სასამართლო სპექტაკლების წარმოებაში. რუსეთში, კულუარული პერსპექტიული დეკორაციები გამოიყენეს 1672 წელს ცარ ალექსეი მიხაილოვიჩის კარზე წარმოდგენებში.

კლასიციზმის ეპოქაში დრამატულმა კანონმა, რომელიც მოითხოვდა ადგილისა და დროის ერთიანობას, დაამტკიცა მუდმივი და შეუქცევადი პეიზაჟი, მოკლებული კონკრეტული ისტორიული მახასიათებლისგან (ტახტის ოთახი ან სასახლის ვესტიბიული ტრაგედიისთვის, ქალაქის მოედანი ან ოთახი. კომედიისთვის). დეკორატიული და სასცენო ეფექტების მთელი მრავალფეროვნება კონცენტრირებული იყო მე-17 საუკუნეში. ოპერისა და ბალეტის ჟანრში და დრამატული სპექტაკლები გამოირჩეოდა დიზაინის სიმკაცრით და სიძუნწით. საფრანგეთისა და ინგლისის თეატრებში, არისტოკრატი მაყურებლების არსებობა სცენაზე, რომელიც მდებარეობს პროსცენის გვერდებზე, ზღუდავდა სპექტაკლების დეკორაციის შესაძლებლობებს. საოპერო ხელოვნების შემდგომმა განვითარებამ განაპირობა ოპერის თეატრის რეფორმა. სიმეტრიის უარყოფა, კუთხური პერსპექტივის დანერგვა დაეხმარა ფერწერის საშუალებით სცენის დიდი სიღრმის ილუზიის შექმნას. დეკორაციის დინამიზმი და ემოციური ექსპრესიულობა მიღწეული იქნა კიაროსკუროს თამაშით, რიტმული მრავალფეროვნებით არქიტექტურული მოტივების განვითარებაში (შტუკოს ორნამენტებით მორთული ბაროკოს დარბაზების გაუთავებელი ენფილადები, სვეტების განმეორებითი რიგები, კიბეები, თაღები, ქანდაკებები). რომლის დახმარებით შეიქმნა არქიტექტურული ნაგებობების გრანდიოზულობის შთაბეჭდილება.

იდეოლოგიური ბრძოლის გამწვავებამ განმანათლებლობაში გამოხატა სხვადასხვა სტილის ბრძოლაში და დეკორატიულ ხელოვნებაში. ბაროკოს სანახაობრივი ბრწყინვალების გაძლიერებასთან და ფეოდალურ-არისტოკრატული მიმართულებისთვის დამახასიათებელი როკოკოს სტილში შესრულებული დეკორაციების გამოჩენასთან ერთად, ამ პერიოდის დეკორატიულ ხელოვნებაში მიმდინარეობდა ბრძოლა თეატრის რეფორმისთვის, განთავისუფლებისთვის. სასამართლო ხელოვნების აბსტრაქტული ბრწყინვალებიდან, ადგილის უფრო ზუსტი ეროვნული და ისტორიული დახასიათებისთვის.მოქმედებები. ამ ბრძოლაში საგანმანათლებლო თეატრი მიუბრუნდა ანტიკური ხანის გმირულ სურათებს, რომლებმაც გამოხატეს კლასიკური სტილის დეკორაციის შექმნა. ეს მიმართულება განსაკუთრებით განვითარდა საფრანგეთში დეკორატორთა J. Servandoni, G. Dumont, P.A. ბრუნეტი, რომელმაც სცენაზე ძველი არქიტექტურის შენობები გაამრავლა. 1759 წელს ვოლტერმა მიაღწია მაყურებლის განდევნას სცენიდან, რითაც გაათავისუფლა დამატებითი სივრცე დეკორაციისთვის. იტალიაში ბაროკოსგან კლასიციზმზე გადასვლამ გამოხატულება ჰპოვა გ.პირანესის შემოქმედებაში.

თეატრის ინტენსიური განვითარება რუსეთში მე-18 საუკუნეში. განაპირობა რუსული დეკორატიული ხელოვნების აყვავება, რომელმაც გამოიყენა თანამედროვე თეატრალური მხატვრობის ყველა მიღწევა. 40-იან წლებში. მე -18 საუკუნე სპექტაკლების დიზაინში მონაწილეობდნენ მსხვილი უცხოელი მხატვრები - კ.ბიბიენა, პ. და ფ.გრადიპზი და სხვები, რომელთა შორის გამორჩეული ადგილი უკავია ბიბიენას ნიჭიერ მიმდევარს ჯ.ვალერიანს. მე-2 სართულზე. მე -18 საუკუნე წინა პლანზე გამოვიდნენ ნიჭიერი რუსი დეკორატორები, რომელთა უმეტესობა ყმები იყვნენ: ი.ვიშნიაკოვი, ძმები ვოლსკი, ი.ფირსოვი, ს.კალინინი, გ.მუხინი, კ.ფუნტუსოვი და სხვები, რომლებიც მუშაობდნენ სასამართლო და ყმების თეატრებში. 1792 წლიდან რუსეთში მოღვაწეობდა გამოჩენილი თეატრის დიზაინერი და არქიტექტორი პ.გონზაგო. მის შემოქმედებაში, იდეოლოგიურად დაკავშირებული განმანათლებლობის კლასიციზმთან, არქიტექტურული ფორმების სიმკაცრე და ჰარმონია, რომელიც ქმნიდა სიდიადისა და მონუმენტურობის შთაბეჭდილებას, შერწყმული იყო რეალობის სრულ ილუზიასთან.

მე-18 საუკუნის ბოლოს ევროპულ თეატრში, ბურჟუაზიული დრამის განვითარებასთან დაკავშირებით, ჩნდება პავილიონის დეკორაციები (დახურული ოთახი სამი კედლით და ჭერით). ფეოდალური იდეოლოგიის კრიზისი XVII-XVIII სს. ჰპოვა თავისი ასახვა აზიის ქვეყნების დეკორატიულ ხელოვნებაში, რამაც გამოიწვია მთელი რიგი სიახლეები. იაპონია მე-18 საუკუნეში კაბუკის თეატრებისთვის შენობდნენ შენობებს, რომელთა სცენას მაყურებლისკენ ძლიერად გამოსული პროსცენიუმი და ჰორიზონტალურად მოძრავი ფარდა ჰქონდა. სცენის მარჯვენა და მარცხენა მხრიდან აუდიტორიის უკანა კედელამდე იყო ხარაჩოები („ჰანამიჩი“, სიტყვასიტყვით ყვავილების გზა), რომლებზედაც იშლებოდა სპექტაკლი (შემდეგ, მარჯვენა ხარაჩო გაუქმდა; ჩვენს დროში. კაბუკის თეატრებში მხოლოდ მარცხენა ხარაჩოა შემორჩენილი). კაბუკის თეატრებში გამოიყენებოდა სამგანზომილებიანი დეკორაციები (ბაღები, სახლების ფასადები და სხვ.), კონკრეტულად ახასიათებდა სცენას; 1758 წელს პირველად გამოიყენეს მბრუნავი საფეხური, რომლის მოხვევები კეთდებოდა ხელით. შუა საუკუნეების ტრადიციები შემორჩენილია ჩინეთის, ინდოეთის, ინდონეზიისა და სხვა ქვეყნების ბევრ თეატრში, რომლებშიც დეკორაციები თითქმის არ არის და დეკორაცია შემოიფარგლება კოსტიუმებით, ნიღბებითა და მაკიაჟით.

საფრანგეთის ბურჟუაზიული რევოლუცია მე -18 საუკუნის ბოლოს. დიდი გავლენა იქონია თეატრის ხელოვნებაზე. დრამატურგიის თემის გაფართოებამ დეკორატიულ ხელოვნებაში არაერთი ცვლილება გამოიწვია. პარიზის „ბულვარის თეატრების“ სცენებზე მელოდრამებისა და პანტომიმის დამზადებისას განსაკუთრებული ყურადღება ექცეოდა დიზაინს; თეატრის ინჟინრების მაღალმა ოსტატობამ შესაძლებელი გახადა სხვადასხვა ეფექტის დემონსტრირება (გემების ჩაძირვა, ვულკანური ამოფრქვევები, ჭექა-ქუხილის სცენები და ა.შ.). იმ წლების დეკორატიულ ხელოვნებაში ფართოდ გამოიყენებოდა ე.წ. 1 მეოთხედში მე-19 საუკუნე თვალწარმტაცი პანორამები, დიორამები ან ნეორამები, სცენის განათების ინოვაციებთან ერთად, ფართოდ გავრცელდა (გაზი თეატრებში 1920-იან წლებში შევიდა). თეატრალური დიზაინის რეფორმის ვრცელი პროგრამა წამოაყენა ფრანგულმა რომანტიზმმა, რომელმაც დაისახა სცენების ისტორიულად კონკრეტული დახასიათება. რომანტიკული დრამატურგები უშუალოდ მონაწილეობდნენ თავიანთი პიესების წარმოებაში, აწვდიდნენ მათ ვრცელი შენიშვნებითა და საკუთარი ჩანახატებით. სპექტაკლები იქმნებოდა რთული პეიზაჟებითა და ბრწყინვალე კოსტიუმებით, რომლებიც ცდილობდნენ მრავალმოქმედებიანი ოპერებისა და დრამების სპექტაკლებში ისტორიულ სიუჟეტებზე გააერთიანონ ადგილისა და დროის ფერის სიზუსტე სანახაობრივი სილამაზით. დადგმის ტექნიკის გართულებამ განაპირობა ფარდის ხშირი გამოყენება წარმოდგენის აქტებს შორის. 1849 წელს ელექტრული განათების ეფექტები პირველად გამოიყენეს პარიზის ოპერის სცენაზე მაიერბერის „წინასწარმეტყველის“ დადგმაში.

რუსეთში 30-70-იან წლებში. მე-19 საუკუნე რომანტიკული მიმართულების მთავარი დეკორატორი იყო ა. როლერი, თეატრალური მანქანების გამოჩენილი ოსტატი. მის მიერ შემუშავებული დადგმული ეფექტების მაღალი ტექნიკა შემდგომში შეიმუშავეს დეკორატორებმა, როგორიცაა კ.ფ. ვალტსი, ა.ფ. გელცერი და სხვები დეკორატიულ ხელოვნებაში ახალი ტენდენციები II ნახევარში. მე-19 საუკუნე დადასტურდა რეალისტური კლასიკური რუსული დრამატურგიისა და სამსახიობო ხელოვნების გავლენით. აკადემიურ რუტინასთან ბრძოლა დეკორატორებმა მ.ა. შიშკოვი და მ.ი. ბოჩაროვი. 1867 წელს პიესაში "ივანე საშინელის სიკვდილი" ა.კ. ტოლსტოის (ალექსანდრის თეატრი), შიშკოვმა პირველად მოახერხა სცენაზე აჩვენა პეტრინამდელი რუსეთის ცხოვრება ისტორიული კონკრეტულობითა და სიზუსტით. შიშკოვის გარკვეულწილად მშრალი არქეოლოგიისგან განსხვავებით, ბოჩაროვმა შემოიტანა რუსული ბუნების ნამდვილი, ემოციური განცდა თავის ლანდშაფტურ პეიზაჟებში, ელოდა სცენაზე ნამდვილი მხატვრების მოსვლას თავისი ნამუშევრებით. მაგრამ სახელმწიფო თეატრების დეკორატორების პროგრესულ ძიებას აფერხებდა მორთულობა, სასცენო სპექტაკლის იდეალიზება, მხატვართა ვიწრო სპეციალიზაცია, დაყოფილი „პეიზაჟად“, „არქიტექტურულ“, „კოსტიუმად“ და ა.შ.; თანამედროვე თემაზე დრამატულ სპექტაკლებში, როგორც წესი, გამოიყენებოდა ასაწყობი ან „მორიგე“ ტიპიური დეკორაციები („ღარიბი“ ან „მდიდარი“ ოთახი, „ტყე“, „სოფლის ხედი“ და სხვ.). მე-2 სართულზე. მე-19 საუკუნე შეიქმნა დიდი დეკორატიული სახელოსნოები ევროპის სხვადასხვა თეატრების მოსამსახურებლად (ფილასტრისა და კ. კამბონის, ა. რუბოს და ფ. ჩაპერონის სახელოსნოები საფრანგეთში, ლუტკე-მეიერი გერმანიაში და სხვ.). ამ პერიოდში ფართოდ გავრცელდა მოცულობითი, საზეიმო, ეკლექტიკური სტილის დეკორაციები, რომლებშიც ხელოვნება და შემოქმედებითი ფანტაზია ხელნაკეთი ნივთებითაა ჩანაცვლებული. 70-80-იან წლებში დეკორატიული ხელოვნების განვითარების შესახებ. მნიშვნელოვანი გავლენა იქონია მაინინგენის თეატრის საქმიანობამ, რომლის გასტროლებმა ევროპაში აჩვენა რეჟისორის სპექტაკლების გადაწყვეტილების მთლიანობა, მაღალი წარმოების კულტურა, დეკორაციების, კოსტიუმებისა და აქსესუარების ისტორიული სიზუსტე. მაინინგენელებმა თითოეული სპექტაკლის დიზაინს ინდივიდუალურ სახეს აძლევდნენ, ცდილობდნენ დაერღვიათ პავილიონისა და ლანდშაფტის სტანდარტები, იტალიური თაღოვანი სისტემის ტრადიციები. ისინი ფართოდ იყენებდნენ ტაბლეტის რელიეფის მრავალფეროვნებას, ავსებდნენ სასცენო სივრცეს სხვადასხვა არქიტექტურული ფორმებით, უხვად იყენებდნენ პრაქტიკულ ნივთებს სხვადასხვა პლატფორმების, კიბეების, სამგანზომილებიანი სვეტების, კლდეებისა და ბორცვების სახით. მაინინგენის პროდუქციის ფერწერულ მხარეს (რომლის დიზაინი

უმეტესად ჰერცოგ ჯორჯ II-ს ეკუთვნოდა) აშკარად დაზარალდა გერმანული მხატვრობის ისტორიული სკოლის - პ.კორნელიუსის, ვ.კაულბახის, კ.პილოტის გავლენა. თუმცა, ისტორიული სიზუსტე და დამაჯერებლობა, აქსესუარების "ავთენტურობა" ზოგჯერ თვითკმარი მნიშვნელობას იძენდა მაინინგენის ხალხის სპექტაკლებში.

ე.ზოლა 70-იანი წლების ბოლოს გამოდის. აბსტრაქტული კლასიცისტური, იდეალიზებული რომანტიული და სანახაობრივი მომხიბვლელი პეიზაჟების კრიტიკით. სცენაზე გამოსახულება მოითხოვა თანამედროვე ცხოვრება, „სოციალური გარემოს ზუსტი რეპროდუქცია“ დეკორაციის დახმარებით, რომელიც მან რომანში აღწერილობებს შეადარა. სიმბოლისტური თეატრი, რომელიც წარმოიშვა საფრანგეთში 90-იან წლებში, თეატრალური რუტინისა და ნატურალიზმის წინააღმდეგ პროტესტის ლოზუნგებით, აწარმოებდა ბრძოლას რეალისტური ხელოვნების წინააღმდეგ. პ.ფორეს სამხატვრო თეატრისა და ლუნიე-პოს თეატრის „შემოქმედების“ ირგვლივ გაერთიანდნენ მოდერნისტული ბანაკის მხატვრები მ.დენისი, პ.სერუსიე, ა.ტულუზ-ლოტრეკი, ე.ვიარი, ე.მუნკი და სხვები; მათ შექმნეს გამარტივებული, სტილიზებული სცენები, იმპრესიონისტული ბუნდოვანება, ხაზგასმული პრიმიტივიზმი და სიმბოლიზმი, რამაც თეატრები აარიდა ცხოვრების რეალისტურ ასახვას.

რუსული კულტურის მძლავრი აღმავლობა მე-19 საუკუნის ბოლო მეოთხედში იპყრობს. თეატრი და დეკორატიული ხელოვნება. რუსეთში 80-90-იან წლებში. თეატრში მუშაობენ ყველაზე დიდი დაზგური მხატვრები - ვ.დ. პოლენოვი, ვ.მ. ვასნეცოვი და ა.მ. ვასნეცოვი, ი.ი. ლევიტანი, კ.ა. კოროვინი, ვ.ა. სეროვი, მ.ა. ვრუბელი. 1885 წლიდან მუშაობს მოსკოვის კერძო რუსულ ოპერაში S.I. მამონტოვმა, მათ დეკორაციაში შემოიტანეს თანამედროვე რეალისტური მხატვრობის კომპოზიციური ტექნიკა, დაადასტურეს სპექტაკლის ჰოლისტიკური ინტერპრეტაციის პრინციპი. ჩაიკოვსკის, რიმსკი-კორსაკოვის, მუსორგსკის ოპერების სპექტაკლებში ამ მხატვრებმა გადმოსცეს რუსული ისტორიის ორიგინალობა, რუსული ლანდშაფტის სულიერი ლირიკა, ზღაპრული სურათების ხიბლი და პოეზია.

სცენური დიზაინის პრინციპების დაქვემდებარება რეალისტური სასცენო მიმართულების მოთხოვნებთან პირველად მიღწეული იქნა XIX-XX საუკუნეების ბოლოს. მოსკოვის სამხატვრო თეატრის პრაქტიკაში. იმპერიული თეატრებისთვის გავრცელებული ტრადიციული სცენების, პავილიონებისა და „ასაწყობი“ დეკორაციების ნაცვლად, მოსკოვის სამხატვრო თეატრის თითოეულ სპექტაკლს განსაკუთრებული დიზაინი ჰქონდა, რომელიც შეესაბამებოდა რეჟისორის განზრახვას. დაგეგმვის შესაძლებლობების გაფართოება (სართულის სიბრტყის დამუშავება, საცხოვრებელი ფართის უჩვეულო კუთხეების ჩვენება), "ცხოვრებული" გარემოს შთაბეჭდილების შექმნის სურვილი, მოქმედების ფსიქოლოგიური ატმოსფერო ახასიათებს მოსკოვის სამხატვრო თეატრის დეკორატიულ ხელოვნებას.

სამხატვრო თეატრის დეკორატორი ვ.ა. სიმოვი იყო, კ.ს. სტანისლავსკი, „ახალი ტიპის სასცენო მხატვრების დამაარსებელი“, გამოირჩეოდა ცხოვრებისეული ჭეშმარიტების განცდით და განუყოფლად აკავშირებდა მათ შემოქმედებას რეჟისურასთან. მოსკოვის სამხატვრო თეატრის მიერ განხორციელებულმა დეკორატიული ხელოვნების რეალისტურმა რეფორმამ უდიდესი გავლენა მოახდინა მსოფლიო თეატრალურ ხელოვნებაზე. სცენის ტექნიკურ ხელახალი აღჭურვაში და დეკორატიული ხელოვნების შესაძლებლობების გამდიდრებაში მნიშვნელოვანი როლი ითამაშა მბრუნავი სცენის გამოყენებამ, რომელიც ევროპულ თეატრში პირველად გამოიყენა კ.ლაუტენშლაგერმა მოცარტის ოპერის დონ ჯოვანის (1896) დადგმისას. , Residenz Theatre, მიუნხენი).

1900-იან წლებში "ხელოვნების სამყაროს" ჯგუფის მხატვრები - ა.ნ. ბენოისი, ლ. ბაკსტი, მ.ვ. დობუჟინსკი, ნ.კ. როერიხი, ე.ე. ლანსერე, ი.ია. ბილიბინი და სხვები. ამ მხატვრებისთვის დამახასიათებელი რეტროსპექტივიზმმა და სტილიზაციამ შეზღუდა მათი შემოქმედება, მაგრამ მათმა მაღალმა კულტურამ და ოსტატობამ, სპექტაკლის საერთო მხატვრული კონცეფციის მთლიანობისკენ სწრაფვამ დადებითი როლი ითამაშა არა მხოლოდ საოპერო და ბალეტის დეკორატიული ხელოვნების რეფორმაში. რუსეთში, არამედ მის ფარგლებს გარეთაც. რუსული ოპერისა და ბალეტის გასტროლებმა, რომელიც დაიწყო პარიზში 1908 წელს და განმეორდა რამდენიმე წლის განმავლობაში, აჩვენა დეკორაციის ფერწერული კულტურის მაღალი დონე, მხატვრების უნარი, გადმოსცენ სხვადასხვა ხელოვნების სტილი და ხასიათი. ეპოქები. ბენოისის, დობუჟინსკის, ბ.მ. კუსტოდიევის, როერიხის საქმიანობა ასევე დაკავშირებულია მოსკოვის სამხატვრო თეატრთან, სადაც ამ მხატვრებისთვის დამახასიათებელი ესთეტიზმი დიდწილად ემორჩილებოდა კ.ს.-ს რეალისტური მიმართულების მოთხოვნებს. სტანისლავსკი და ვ.ი. ნემიროვიჩ-დანჩენკო. ყველაზე დიდი რუსი დეკორატორები კ.ა. კოროვინი და ა.ია. გოლოვინი, რომელიც თავიდანვე მუშაობდა. მე -20 საუკუნე იმპერიულ თეატრებში ფუნდამენტური ცვლილებები შეიტანა სახელმწიფო სცენის დეკორატიულ ხელოვნებაში. კოროვინის წერის ფართო თავისუფალმა მანერამ, მის სასცენო გამოსახულებებში თანდაყოლილი ცოცხალი ბუნების განცდა, ფერადი სქემის მთლიანობა, რომელიც აერთიანებს პერსონაჟების დეკორაციებსა და კოსტიუმებს, ყველაზე ნათლად იმოქმედა რუსული ოპერებისა და ბალეტების დიზაინზე - "სადკო", ". ოქროს მამალი“; ც.პუგნის და სხვათა „პატარა კეციანი ცხენი“ გოლოვინის თეატრალურ მხატვრობას განასხვავებს საზეიმო დეკორატიულობა, ფორმების მკაფიო დახაზვა, ფერთა შეხამების სითამამე, საერთო ჰარმონია, ამოხსნის მთლიანობა. მხატვრის რიგ ნამუშევრებში მოდერნიზმის გავლენის მიუხედავად, მისი შემოქმედება ეფუძნება დიდ რეალისტურ უნარს, რომელიც დაფუძნებულია ცხოვრების ღრმა შესწავლაზე. კოროვინისგან განსხვავებით, გოლოვინი თავის ჩანახატებში და დეკორაციებში ყოველთვის ხაზს უსვამდა სცენის დიზაინის თეატრალურ ხასიათს, მის ცალკეულ კომპონენტებს; მან გამოიყენა ორნამენტებით გაფორმებული პორტალის ჩარჩოები, სხვადასხვა აპლიკაციური და მოხატული ფარდები, პროსცენიუმი და ა.შ. 1908-17 წლებში გოლოვინმა შექმნა დეკორაციები არაერთი სპექტაკლისთვის, პოსტი. ვ.ე. მეიერჰოლდი (მათ შორის მოლიერის "დონ ჟუანი", "მასკარადი"),

ბურჟუაზიულ ხელოვნებაში ანტირეალისტური ტენდენციების გაძლიერება XIX საუკუნის ბოლოსა და დასაწყისში. 20 საუკუნის მანძილზე სოციალური იდეების გამჟღავნებაზე უარის თქმამ უარყოფითი გავლენა მოახდინა დასავლეთში რეალისტური დეკორატიული ხელოვნების განვითარებაზე. დეკადენტური მიმდინარეობების წარმომადგენლებმა „კონვენციურობა“ ხელოვნების ძირითად პრინციპად გამოაცხადეს. ა. აპია (შვეიცარია) და გ. კრეიგი (ინგლისი) თანმიმდევრულ ბრძოლას აწარმოებდნენ რეალიზმის წინააღმდეგ. წამოაყენეს იდეა "ფილოსოფიური თეატრის" შექმნის შესახებ, მათ ასახეს იდეების "უხილავი" სამყარო აბსტრაქტული მარადიული პეიზაჟების დახმარებით (კუბურები, ეკრანები, პლატფორმები, კიბეები და ა.შ.), შუქის შეცვლით მათ მიაღწიეს მონუმენტური სივრცითი ფორმების თამაში. კრეგის, როგორც რეჟისორისა და მხატვრის პრაქტიკა შემოიფარგლებოდა რამდენიმე სპექტაკლით, მაგრამ მისმა თეორიებმა შემდგომში გავლენა მოახდინა მრავალი თეატრის დიზაინერისა და რეჟისორის მუშაობაზე სხვადასხვა ქვეყანაში. სიმბოლისტური თეატრის პრინციპები აისახა პოლონელი დრამატურგის, მხატვრის და თეატრის მხატვარის. ვისპიანსკი, რომელიც ცდილობდა მონუმენტური პირობითი წარმოდგენის შექმნას; თუმცა, ხალხური ხელოვნების ეროვნული ფორმების დანერგვამ დეკორაციისა და სივრცითი სცენის პროექტებში გაათავისუფლა ვისპიანსკის ნამუშევარი ცივი აბსტრაქციისგან, გახადა ის უფრო რეალური. მხატვართან ერთად მიუნხენის სამხატვრო თეატრის ორგანიზატორი გ.ფუქსი. ფ.ერლერმა წამოაყენა „რელიეფური სცენის“ (ანუ თითქმის სიღრმის გარეშე სცენის) პროექტი, სადაც მსახიობების ფიგურები რელიეფის სახით განლაგებულია თვითმფრინავზე. რეჟისორმა მ. რაინჰარდტმა (გერმანია) გამოიყენა დიზაინის სხვადასხვა ტექნიკა მის მიერ რეჟისორ თეატრებში: საგულდაგულოდ დაპროექტებული, თითქმის ილუზიონისტური ფერწერული და სამგანზომილებიანი პეიზაჟებიდან, რომლებიც დაკავშირებულია მბრუნავი სცენის წრის გამოყენებასთან, განზოგადებულ პირობით უძრავ ინსტალაციამდე, გამარტივებული სტილიზებულიდან. დეკორაცია "ტანსაცმელში" გრანდიოზულ მასობრივ სანახაობებამდე ცირკის არენაზე, სადაც სულ უფრო მეტი აქცენტი კეთდებოდა წმინდა გარე სცენის ეფექტურობაზე. რაინჰარდტთან მუშაობდნენ მხატვრები ე.შტერნი, ე.ორლიკი, ე.მუნკი, ე.შუტე, ო.მესელი, მოქანდაკე მ.კრუზი და სხვები.

10-იანი წლების ბოლოს და 20-იანი წლების ბოლოს. მე -20 საუკუნე ექსპრესიონიზმი, რომელიც თავდაპირველად განვითარდა გერმანიაში, მაგრამ ასევე ფართოდ დაიპყრო სხვა ქვეყნების ხელოვნება, დომინანტურ მნიშვნელობას იძენს. ექსპრესიონისტურმა ტენდენციებმა განაპირობა დეკორატიულ ხელოვნებაში წინააღმდეგობების გაღრმავება, სქემატიზაცია, რეალიზმისგან გადახვევა. სიბრტყეების „ცვლილებით“ და „ბგერები“, არაობიექტური თუ ფრაგმენტული პეიზაჟები, სინათლისა და ჩრდილის მკვეთრი კონტრასტები, არტისტები ცდილობდნენ შეექმნათ სცენაზე სუბიექტური ხედვების სამყარო. ამავდროულად, ზოგიერთ ექსპრესიონისტულ სპექტაკლს ჰქონდა გამოხატული ანტიიმპერიალისტური ორიენტაცია და მათში არსებული დეკორაციები მწვავე სოციალური გროტესკის მახასიათებლებს იძენდა. ამ პერიოდის დეკორატიულ ხელოვნებას ახასიათებს მხატვრების გატაცება ტექნიკური ექსპერიმენტებით, სცენის ყუთის განადგურების, სცენის გამოვლენის სურვილი და დადგმის ტექნიკის ტექნიკა. ფორმალისტურმა მიმდინარეობებმა - კონსტრუქტივიზმი, კუბიზმი, ფუტურიზმი - დეკორატიულ ხელოვნებას თვითკმარი ტექნიკიზმის გზაზე მიჰყავდა. ამ ტენდენციების შემსრულებლები, რომლებიც სცენაზე ამრავლებდნენ „სუფთა“ გეომეტრიულ ფორმებს, სიბრტყეებსა და მოცულობებს, მექანიზმების ნაწილების აბსტრაქტულ კომბინაციებს, ცდილობდნენ გადმოეცათ თანამედროვე ინდუსტრიული ქალაქის „დინამიზმი“, „ტემპი და რიტმი“, ცდილობდნენ შეექმნათ რეალური მანქანების მუშაობის ილუზიის დადგმა (გ. სევერინი, ფ. დეპერო, ე. პრამპოლინი - იტალია, ფ. ლეჟერი - საფრანგეთი და სხვ.).

დასავლეთ ევროპისა და ამერიკის დეკორატიულ ხელოვნებაში სერ. მე -20 საუკუნე კონკრეტული არ არის მხატვრული მიმართულებებიდა სკოლები: მხატვრები ცდილობენ შეიმუშაონ ფართო მანერა, რომელიც საშუალებას მისცემს მათ მიმართონ სხვადასხვა სტილსა და ტექნიკას. თუმცა, ხშირ შემთხვევაში, მხატვრები, რომლებიც ქმნიან სპექტაკლს, არა იმდენად გადმოსცემენ სპექტაკლის იდეოლოგიურ შინაარსს, მის ხასიათს, სპეციფიკურ ისტორიულ თავისებურებებს, არამედ ცდილობენ მის ტილოზე შექმნან დეკორატიული ხელოვნების დამოუკიდებელი ნამუშევარი, რომელიც არის " თავისუფალი ფანტაზიის ნაყოფი“ მხატვრის. აქედან გამომდინარეობს თვითნებობა, აბსტრაქტული დიზაინი, რეალობის დარღვევა ბევრ სპექტაკლში. ამას ეწინააღმდეგება პროგრესული რეჟისორების პრაქტიკა და მხატვრების მუშაობა, რომლებიც ცდილობენ შეინარჩუნონ და განავითარონ რეალისტური დეკორატიული ხელოვნება, ეყრდნობიან კლასიკას, პროგრესულ თანამედროვე დრამას და ხალხურ ტრადიციებს.

10-იანი წლებიდან. მე -20 საუკუნე დაზგური ხელოვნების ოსტატები სულ უფრო მეტად ერთვებიან თეატრში მუშაობაში და ძლიერდება ინტერესი დეკორატიული ხელოვნების, როგორც შემოქმედებითი მხატვრული საქმიანობის სახეობის მიმართ. 30-იანი წლებიდან. იზრდება კვალიფიციური პროფესიონალი თეატრის არტისტების რიცხვი, რომლებმაც კარგად იციან დადგმის ტექნიკა. სცენის ტექნოლოგია გამდიდრებულია სხვადასხვა საშუალებებით, გამოიყენება ახალი სინთეტიკური მასალები, ლუმინესცენტური საღებავები, ფოტო და კინოპროექციები და ა.შ.50-იანი წლების სხვადასხვა ტექნიკური გაუმჯობესებიდან. მე -20 საუკუნე უდიდესი მნიშვნელობა აქვს ციკლორამების გამოყენებას თეატრში (გამოსახულებების სინქრონული პროექცია რამდენიმე კინოპროექტორიდან ფართო ნახევარწრიულ ეკრანზე), რთული განათების ეფექტების შემუშავება და ა.შ.

30-იან წლებში. საბჭოთა თეატრების შემოქმედებით პრაქტიკაში მტკიცდება და ვითარდება სოციალისტური რეალიზმის პრინციპები. დეკორატიული ხელოვნების ყველაზე მნიშვნელოვანი და განმსაზღვრელი პრინციპებია ცხოვრებისეული ჭეშმარიტების მოთხოვნები, ისტორიული კონკრეტულობა, რეალობის ტიპიური თავისებურებების ასახვის უნარი. დეკორაციის მოცულობით-სივრცითი პრინციპი, რომელიც დომინირებდა 1920-იანი წლების ბევრ სპექტაკლში, გამდიდრებულია ფერწერის ფართო გამოყენებით.

2. თეატრალური ხელოვნების გამომსახველობის ძირითადი საშუალებები:

დეკორაცია (ლათ. decoro-დან - ვაფორმებ) - სცენის დიზაინი, ხელახალი მატერიალური გარემოს შექმნა, რომელშიც მსახიობი მოქმედებს. დეკორაცია „ასახავს სცენის მხატვრულ გამოსახულებას და იმავდროულად პლატფორმას, რომელიც წარმოადგენს მასზე სასცენო მოქმედებების შესრულების მდიდარ შესაძლებლობებს“. დეკორაცია შექმნილია სხვადასხვა ექსპრესიული საშუალებების გამოყენებით თანამედროვე თეატრი- ფერწერა, გრაფიკა, არქიტექტურა, სცენის დაგეგმვის ხელოვნება, დეკორაციის განსაკუთრებული ტექსტურა, განათება, სცენის ტექნოლოგია, პროექცია, კინო და ა.შ. ძირითადი დეკორაციის სისტემები:

1) როკერ მობილური,

2) თაღის აწევა,

3) პავილიონი,

4) მოცულობითი

5) პროექცია.

დეკორაციის თითოეული სისტემის გაჩენა, განვითარება და მისი მეორით ჩანაცვლება განპირობებული იყო დრამატურგიის სპეციფიკური მოთხოვნებით, თეატრალური ესთეტიკით, ეპოქის ისტორიის შესაბამისი, აგრეთვე მეცნიერებისა და ტექნოლოგიების ზრდით.

მოცურების მობილური გაფორმება. კულუარული - პეიზაჟის ნაწილები, რომლებიც განლაგებულია სცენის გვერდებზე ერთმანეთის მიყოლებით გარკვეულ მანძილზე (პორტალიდან სცენის სიღრმეში) და შექმნილია კულუარული სივრცის დახურვისთვის მაყურებლისაგან. ფრთები იყო რბილი, ჩამოკიდებული ან ხისტი ჩარჩოებზე; ზოგჯერ მათ ჰქონდათ ფიგურული მონახაზი, რომელიც ასახავდა არქიტექტურულ პროფილს, ხის ტოტის კონტურებს, ფოთლებს. ხისტი ფრთების შეცვლა ხდებოდა სპეციალური ფრთების - ბორბლებზე ჩარჩოების დახმარებით, რომლებიც (მე-18 და მე-19 სს.) თითოეულ საფეხურზე გეგმის მიხედვით პანდუსის პარალელურად იყო. ეს ჩარჩოები მოძრაობდა სცენის დაფაზე სპეციალურად მოჩუქურთმებული გადასასვლელებით პირველი საყრდენის იატაკის გასწვრივ დადგმული რელსების გასწვრივ. პირველ სასახლის თეატრებში დეკორაცია შედგებოდა ფონისგან, ფრთებისა და ჭერის რგოლებისგან, რომლებიც სცენების შეცვლასთან ერთად ერთდროულად მაღლა დგებოდნენ. პადუგებზე ეწერა ღრუბლები, ხის ტოტები ფოთლებით, პლაფონების ნაწილები და ა.შ.. დეკორაციის სასცენო სისტემები დროტნინგჰოლმის სასამართლო თეატრში და მოსკოვის პრინცის მახლობლად ყოფილი მამულის თეატრში. ნ.ბ. იუსუპოვი "არხანგელსკში"

თაღოვანი ამწევი დეკორაცია წარმოიშვა იტალიაში მე-17 საუკუნეში. და ფართოდ გამოიყენებოდა საჯარო თეატრებში მაღალი ბადეებით. ამ ტიპის დეკორაცია არის თაღის სახით შეკერილი ტილო მოხატული (კიდეებზე და ზევით) ხის ტოტებით, ფოთლებით ტოტებით, არქიტექტურული დეტალებით (ხაზოვანი და საჰაერო პერსპექტივის კანონების დაცვით). ამ სასცენო თაღებიდან 75-მდე შეიძლება სცენაზე ჩამოკიდება, რომლის ფონი არის მოხატული ფონი ან ჰორიზონტი. სასცენო-თაღოვანი დეკორაციის მრავალფეროვნება არის აჟურული დეკორაცია (მოხატული „ტყის“ ან „არქიტექტურული“ სასცენო თაღები, რომლებიც დაწებებულია სპეციალურ ბადეებზე ან დატანილია ტიულზე). ამჟამად სცენურ-თაღოვანი დეკორაციები ძირითადად გამოიყენება საოპერო და ბალეტის დადგმებში.

პავილიონის დეკორაცია პირველად 1794 წელს გამოიყენეს. მსახიობი და რეჟისორი F.L. შრედერი. პავილიონის დეკორაცია ასახავს დახურულ სივრცეს და შედგება ჩარჩო კედლებისგან, რომელიც დაფარულია ტილოთი და მოხატულია შპალერის, დაფებისა და ფილების ნიმუშის შესაბამისად. კედლები შეიძლება იყოს „ყრუ“ ან ჰქონდეს ფანჯრებისა და კარების ღიობები. ერთმანეთს შორის კედლები ერთმანეთთან არის დაკავშირებული სასროლი თოკებით - გადახურვებით და მიმაგრებულია სცენის იატაკზე ფერდობებით. თანამედროვე თეატრში პავილიონის კედლების სიგანე არაუმეტეს 2,2 მ-ია (წინააღმდეგ შემთხვევაში, დეკორაციის ტრანსპორტირებისას, კედელი არ გაივლის სატვირთო ვაგონის კარს). პავილიონის დეკორაციის ფანჯრებისა და კარების მიღმა ჩვეულებრივ ათავსებენ ფონებს (ჩარჩოებზე ჩამოკიდებული დეკორაციის ნაწილები), რომლებზეც გამოსახულია შესაბამისი ლანდშაფტი ან არქიტექტურული მოტივი. პავილიონის გაფორმება დაფარულია ჭერით, რომელიც უმეტეს შემთხვევაში შეკიდულია ბადეზე.

თანამედროვეობის თეატრში სამგანზომილებიანი პეიზაჟები პირველად გამოჩნდა მაინინგენის თეატრის სპექტაკლებში 1870 წელს. ამ თეატრში ბრტყელ კედლებთან ერთად დაიწყო სამგანზომილებიანი დეტალების გამოყენება: სწორი და დახრილი მანქანები - პანდუსები, კიბეები და სხვა სტრუქტურები ტერასების, ბორცვების, ციხის კედლების გამოსახატავად. ჩარხების დიზაინები, როგორც წესი, ნიღბავს თვალწარმტაცი ტილოებით ან ყალბი რელიეფებით (ქვები, ხის ფესვები, ბალახი). სამგანზომილებიანი დეკორაციის ნაწილების შესაცვლელად გამოიყენება გორგოლაჭებიანი პლატფორმები ლილვაკებზე (ფურკებზე), გრუნტი და სხვა სახის სასცენო აღჭურვილობა. მოცულობითი დეკორაციები რეჟისორებს საშუალებას აძლევდა აეგოთ მიზანსცენები „გატეხილ“ სცენაზე, ეპოვათ მრავალფეროვანი კონსტრუქციული გადაწყვეტილებები, რის წყალობითაც არაჩვეულებრივად გაფართოვდა თეატრალური ხელოვნების ექსპრესიული შესაძლებლობები.

პროექციის დეკორაცია პირველად გამოიყენეს 1908 წელს ნიუ-იორკში. იგი ეფუძნება გამჭვირვალობებზე დახატული ფერადი და შავ-თეთრი სურათების პროექციას (ეკრანიზე). პროექცია ხორციელდება თეატრის პროექტორების დახმარებით. ფონი, ჰორიზონტი, კედლები, იატაკი შეიძლება იყოს ეკრანის ფუნქცია. არის წინა პროექცია (პროექტორი ეკრანის წინ) და გადაცემის პროექცია (პროექტორი ეკრანის უკანაა). პროექცია შეიძლება იყოს სტატიკური (არქიტექტურული, ლანდშაფტური და სხვა მოტივები) და დინამიური (ღრუბლების მოძრაობა, წვიმა, თოვლი). თანამედროვე თეატრში, რომელსაც აქვს ახალი ეკრანის მასალები და საპროექციო აღჭურვილობა, ფართოდ გამოიყენება საპროექციო დეკორაციები. დამზადებისა და ექსპლუატაციის სიმარტივე, სცენების შეცვლის სიმარტივე და სიჩქარე, გამძლეობა და მაღალი მხატვრული თვისებების მიღწევის შესაძლებლობა საპროექციო დეკორაციებს აქცევს დეკორაციის ერთ-ერთ პერსპექტიულ ტიპს თანამედროვე თეატრისთვის.

2.2 თეატრალური კოსტუმი

თეატრალური კოსტუმი (იტალიური კოსტუმიდან, ფაქტობრივად საბაჟო) - ტანსაცმელი, ფეხსაცმელი, ქუდები, სამკაულები და სხვა ნივთები, რომელსაც მსახიობი იყენებს მის მიერ შექმნილი სასცენო გამოსახულების დასახასიათებლად. კოსტუმის აუცილებელი დამატებაა მაკიაჟი და თმა. კოსტუმი ეხმარება მსახიობს პერსონაჟის გარეგნობის პოვნაში, სასცენო გმირის შინაგანი სამყაროს გამოვლენაში, იმ გარემოს ისტორიულ, სოციალურ-ეკონომიკურ და ეროვნულ მახასიათებლებს განსაზღვრავს, რომელშიც მოქმედება მიმდინარეობს, ქმნის (სხვა დიზაინის კომპონენტებთან ერთად) წარმოდგენის ვიზუალური სურათი. კოსტუმის ფერი მჭიდროდ უნდა იყოს დაკავშირებული სპექტაკლის საერთო ფერთა სქემასთან. კოსტუმი წარმოადგენს თეატრის მხატვრის შემოქმედების მთელ არეალს, რომელიც განასახიერებს კოსტიუმებში გამოსახულების უზარმაზარ სამყაროს - მკვეთრად სოციალური, სატირული, გროტესკული, ტრაგიკული.

კოსტუმის შექმნის პროცესი ესკიზიდან სცენამდე განხორციელებამდე რამდენიმე ეტაპისგან შედგება:

1) მასალების არჩევანი, საიდანაც დამზადდება სარჩელი;

2) შეღებვის მასალების ნიმუშების შერჩევა;

3) ხაზის ძებნა: ვაზნების დამზადება სხვა მასალისგან და მასალის ტატუირება მანეკენზე (ან მსახიობზე);

4) კოსტუმის შემოწმება სცენაზე სხვადასხვა განათებით;

5) მსახიობის მიერ კოსტუმის „მოწყობა“.

კოსტუმის წარმოშობის ისტორია პრიმიტიულ საზოგადოებაში იწყება. თამაშებსა და რიტუალებში რომ უძველესი ადამიანიგამოეხმაურა მისი ცხოვრების სხვადასხვა მოვლენებს, დიდი მნიშვნელობა ჰქონდა ვარცხნილობას, მაკიაჟის შეღებვას, რიტუალურ კოსტიუმებს; პრიმიტიულმა ადამიანებმა ჩადო მათში ბევრი მხატვრული ლიტერატურა და თავისებური გემოვნება. ზოგჯერ ეს კოსტიუმები ფანტასტიკური იყო, ზოგჯერ ისინი ცხოველებს, ფრინველებს ან მხეცებს ჰგავდნენ. უძველესი დროიდან აღმოსავლეთის კლასიკურ თეატრში იყო კოსტიუმები. ჩინეთში, ინდოეთში, იაპონიასა და სხვა ქვეყნებში კოსტიუმები პირობითი, სიმბოლურია. ასე, მაგალითად, in ჩინური თეატრი კოსტუმის ყვითელი ფერი ნიშნავს იმპერიულ ოჯახს, ჩინოვნიკებისა და ფეოდალების როლების შემსრულებლები შავ და მწვანე კოსტიუმებში არიან გამოწყობილნი; ჩინურ კლასიკურ ოპერაში მეომრის ზურგს უკან დროშები მიუთითებს მისი პოლკების რაოდენობაზე, სახეზე შავი შარფი სიმბოლოა სასცენო პერსონაჟის სიკვდილზე. სიკაშკაშე, ფერების სიმდიდრე, მასალების ბრწყინვალება აღმოსავლური თეატრის კოსტიუმს სპექტაკლის ერთ-ერთ მთავარ დეკორაციად აქცევს. როგორც წესი, კოსტიუმები იქმნება გარკვეული სპექტაკლის, ამა თუ იმ მსახიობისთვის; ასევე არის ტრადიციით დაფიქსირებული კოსტიუმების კომპლექტები, რომლებსაც რეპერტუარის მიუხედავად ყველა დასი იყენებს. ევროპულ თეატრში კოსტუმი პირველად ძველ საბერძნეთში გამოჩნდა; მან ძირითადად გაიმეორა ძველი ბერძნების ყოველდღიური კოსტუმი, მაგრამ მასში შეიტანეს სხვადასხვა პირობითი დეტალები, რაც მაყურებელს ეხმარებოდა არა მხოლოდ გაეგო, არამედ უკეთ დაენახა რა ხდებოდა სცენაზე (თეატრალური შენობები უზარმაზარი იყო). თითოეულ კოსტიუმს განსაკუთრებული ფერი ჰქონდა (მაგალითად, მეფის სამოსი იისფერი ან ზაფრანა-ყვითელი იყო), მსახიობებს შორიდან კარგად მოჩანს ნიღბები, მაღალ ტრიბუნებზე კი ფეხსაცმელი – კოთურნი. ფეოდალიზმის ეპოქაში თეატრის ხელოვნება განაგრძობდა ხალისიან, აქტუალურ, მახვილგონიერ სპექტაკლებში მოხეტიალე ისტორიული მსახიობების მიერ. ჰისტრიონების კოსტუმი (ისევე, როგორც რუსი ბუფონები) ახლოს იყო ურბანული ღარიბების თანამედროვე კოსტუმთან, მაგრამ მორთული იყო ნათელი ლაქებითა და კომიკური დეტალებით. ამ პერიოდში წარმოშობილი რელიგიური თეატრის სპექტაკლებიდან უდიდესი წარმატება ხვდა წილად იდუმალ სპექტაკლებს, რომელთა სპექტაკლები განსაკუთრებით ბრწყინვალე იყო. მკვეთრი ფერებით გამოირჩეოდა სხვადასხვა კოსტიუმებითა და მაკიაჟით გამოწყობილი მუმიების მსვლელობა (ზღაპრებისა და მითების ფანტასტიკური გმირები, ყველა სახის ცხოველი), რომელიც წინ უძღოდა საიდუმლოების ჩვენებას. საიდუმლო სპექტაკლში კოსტუმის მთავარი მოთხოვნა სიმდიდრე და ელეგანტურობაა (მიუხედავად შესრულებული როლისა). კოსტუმი ჩვეულებრივი იყო: წმინდანები თეთრებში იყვნენ, ქრისტე მოოქროვილი თმებით, ეშმაკები თვალწარმტაცი ფანტასტიკური კოსტიუმებით. გაცილებით მოკრძალებული იყო სასწავლო-ალეგორიული დრამა-ზნეობის შემსრულებელთა კოსტიუმები. შუა საუკუნეების თეატრის ყველაზე ცოცხალ და პროგრესულ ჟანრში - ფარსი, რომელიც ფეოდალური საზოგადოების მკვეთრ კრიტიკას მოიცავდა, გამოჩნდა თანამედროვე კარიკატურული დამახასიათებელი კოსტუმი და მაკიაჟი. რენესანსში კომედია დელარტის მსახიობები კოსტიუმების საშუალებით აძლევდნენ მახვილგონივრულ, ზოგჯერ კარგად მიზანმიმართულ, ბოროტ დახასიათებას თავიანთ გმირებს: კოსტუმში განზოგადებული იყო სქოლასტი მეცნიერების, ბოროტი მსახურების ტიპიური თვისებები. მე-2 სართულზე. მე-16 საუკუნე ესპანურ და ინგლისურ თეატრებში მსახიობები თამაშობდნენ მოდურ არისტოკრატულ კოსტიუმებთან ახლოს ან (თუ როლი ამას მოითხოვს) კლოუნის ხალხურ კოსტიუმებში. ფრანგულ თეატრში კოსტუმი მიჰყვებოდა შუა საუკუნეების ფარსის ტრადიციებს.

რეალისტური ტენდენციები კოსტიუმების სფეროში გაჩნდა მოლიერში, რომელიც თანამედროვე ცხოვრებისადმი მიძღვნილი პიესების დადგმისას იყენებდა სხვადასხვა კლასის ადამიანების თანამედროვე კოსტიუმებს. ინგლისში განმანათლებლობის ხანაში მსახიობი დ.გარიკი ცდილობდა კოსტუმი გაეთავისუფლებინა პრეტენზიულობისა და უაზრო სტილიზაციისგან. მან წარმოადგინა კოსტუმი, რომელიც ემთხვევა შესრულებულ როლს, რაც დაეხმარა გმირის პერსონაჟის გამოვლენას. იტალიაში მე-18 საუკუნეში. კომიკოსი ს. გოლდონი, თანდათან ცვლიდა კომედია დელარტის ტიპურ ნიღბებს თავის პიესებში რეალური ადამიანების გამოსახულებებით, ამავდროულად ინარჩუნებდა შესაბამის კოსტიუმებს და მაკიაჟს. საფრანგეთში ვოლტერი სცენაზე კოსტუმის ისტორიულ და ეთნოგრაფიულ სიზუსტეს ცდილობდა, მსახიობი კლეირონის მხარდაჭერით. იგი ხელმძღვანელობდა ბრძოლას ტრაგიკული ჰეროინების კოსტუმის კონვენციების წინააღმდეგ, ფიჟმას, ფხვნილის პარიკების, ძვირფასი სამკაულების წინააღმდეგ. ტრაგედიაში კოსტუმების რეფორმის მიზეზი კიდევ უფრო წინ წაიწია ფრანგმა მსახიობმა ა. ლეკინმა, რომელმაც შეცვალა სტილიზებული "რომაული" კოსტუმი, მიატოვა ტრადიციული გვირაბი და მიიღო აღმოსავლური კოსტუმი სცენაზე. ლეკენის კოსტიუმი გამოსახულების ფსიქოლოგიური დახასიათების საშუალება იყო. მნიშვნელოვანი გავლენა მე-2 სართულზე კოსტუმის განვითარებაზე. მე-19 საუკუნე აქტივობა გაუწია მას. მაინინგენის თეატრი, რომლის სპექტაკლები გამოირჩეოდა მაღალი სასცენო კულტურით, კოსტიუმების ისტორიული სიზუსტით. თუმცა, კოსტუმის ავთენტურობამ შეიძინა თვითმყოფადი მნიშვნელობა მაინინგენელ ხალხში. ე.ზოლა სცენაზე სოციალური გარემოს ზუსტ რეპროდუცირებას ითხოვდა. ამისკენ მიისწრაფოდნენ დასაწყისის უდიდესი თეატრალური მოღვაწეები. მე-20 საუკუნე - ა.ანტუანმა (საფრანგეთი), ო.ბრამმა (გერმანია), რომლებიც აქტიურ მონაწილეობას იღებდნენ სპექტაკლების დიზაინში, იზიდავდნენ მთავარ მხატვრებს თავიანთ თეატრებში სამუშაოდ. სიმბოლისტური თეატრი, რომელიც წარმოიშვა 90-იან წლებში. საფრანგეთში, თეატრალური რუტინისა და ნატურალიზმის წინააღმდეგ პროტესტის ლოზუნგებით, აწარმოებდა ბრძოლას რეალისტური ხელოვნების წინააღმდეგ. მოდერნისტმა მხატვრებმა შექმნეს გამარტივებული, სტილიზებული პეიზაჟები და კოსტიუმები, რაც თეატრს აშორებდა ცხოვრების რეალისტურ ასახვას. პირველი რუსული კოსტუმი ბუფონებმა შექმნეს. მათი კოსტუმი იმეორებდა ურბანული ქვედა კლასებისა და გლეხების სამოსს (კაფტანები, მაისურები, ჩვეულებრივი შარვლები, ბასტის ფეხსაცმელი) და ამშვენებდა მრავალფეროვან სარტყელებს, ლაქებით, ნათელი ნაქარგი ქუდები. დასაწყისში მე-16 საუკუნე საეკლესიო თეატრში ახალგაზრდების როლების შემსრულებლები გამოწყობილნი იყვნენ თეთრ ტანსაცმელში (თავებზე ჯვრებით გვირგვინები), ქალდეველების გამოსახული მსახიობები - მოკლე ქაფტანებითა და კეპებით. სასკოლო თეატრის წარმოდგენებშიც გამოიყენებოდა ჩვეულებრივი კოსტიუმები; ალეგორიულ პერსონაჟებს ჰქონდათ საკუთარი ემბლემები: რწმენა გამოჩნდა ჯვრით, იმედი წამყვანით, მარსი მახვილით. მეფეთა კოსტიუმებს სამეფო ღირსების აუცილებელი ატრიბუტები ავსებდა. იგივე პრინციპით გამოირჩეოდა მე-17 საუკუნეში რუსეთში პირველი პროფესიული თეატრის სპექტაკლები, რომელიც დაარსდა ცარ ალექსეი მიხაილოვიჩის კარზე, პრინცესა ნატალია ალექსეევნასა და იმპერატრიცა პრასკოვია ფეოდოროვნას სასამართლო თეატრების სპექტაკლები. კლასიციზმის განვითარება რუსეთში მე -18 საუკუნეში. თან ახლდა კოსტიუმში ამ მიმართულების ყველა კონვენციის შენარჩუნება. მსახიობები ასრულებდნენ კოსტიუმებს, რომლებიც იყო მოდური თანამედროვე კოსტუმის ნაზავი ანტიკვარული კოსტუმის ელემენტებით (დასავლეთში "რომაული" კოსტუმის მსგავსი), დიდგვაროვან დიდებულთა ან მეფეთა როლების შემსრულებლები ეცვათ მდიდრული პირობითი კოსტიუმები. Დასაწყისში. მე-19 საუკუნე თანამედროვე ცხოვრებიდან წარმოდგენებში გამოყენებული იყო მოდური თანამედროვე კოსტიუმები;

ისტორიულ პიესებში კოსტიუმები ჯერ კიდევ შორს იყო ისტორიული სიზუსტისგან.

ყველა რ. მე-19 საუკუნე ალექსანდრინსკის თეატრისა და მალის თეატრის სპექტაკლებში ჩნდება კოსტუმებში ისტორიული სიზუსტის სურვილი. მოსკოვის სამხატვრო თეატრი საუკუნის ბოლოს ამ სფეროში დიდ წარმატებას აღწევს. დიდმა თეატრის რეფორმატორებმა სტანისლავსკიმ და ნემიროვიჩ-დანჩენკომ მოსკოვის სამხატვრო თეატრში მოღვაწე მხატვრებთან ერთად მიაღწიეს კოსტუმის ზუსტ შესაბამისობას სპექტაკლში ასახულ ეპოქასა და გარემოსთან, სცენის გმირის პერსონაჟთან; სამხატვრო თეატრში კოსტუმს დიდი მნიშვნელობა ჰქონდა სასცენო გამოსახულების შესაქმნელად. რიგ რუსულ თეატრებში ადრე. მე -20 საუკუნე კოსტუმი გადაიქცა ჭეშმარიტად მხატვრულ ნაწარმოებად, რომელიც გამოხატავს ავტორის, რეჟისორის, მსახიობის ზრახვებს.

2.3 ხმაურის დიზაინი

ხმაურის დიზაინი - გარემომცველი ცხოვრების ხმების სცენაზე რეპროდუქცია. დეკორაციასთან, რეკვიზიტებთან და განათებასთან ერთად, ხმაურის დიზაინი ქმნის ფონს, რომელიც ეხმარება მსახიობებსა და მაყურებლებს იგრძნონ სპექტაკლის მოქმედების შესაბამისი გარემო, ქმნის სწორ განწყობას, გავლენას ახდენს შესრულების რიტმს და ტემპზე. მე-16-მე-18 საუკუნეებში სპექტაკლებს თან ახლდა ცეცხლსასროლი იარაღი, სროლები, რკინის ფურცლის ჭექა-ქუხილი, სცენის უკან იარაღის ზარის ხმა. რუსული თეატრის შენობების აღჭურვილობაში ხმის აღჭურვილობის არსებობა იმაზე მეტყველებს, რომ რუსეთში ხმაურის დიზაინი უკვე გამოყენებული იყო შუაში. მე -18 საუკუნე

თანამედროვე ხმაურის დიზაინი განსხვავდება ბგერების ბუნებით: ბუნების ხმები (ქარი, წვიმა, ჭექა-ქუხილი, ჩიტები); წარმოების ხმაური (ქარხანა, სამშენებლო მოედანი); მოძრაობის ხმაური (ურიკა, მატარებელი, თვითმფრინავი); საბრძოლო ხმები (კავალერია, სროლები, ჯარების მოძრაობა); საყოფაცხოვრებო ხმები (საათები, შუშის ჩხაკუნი, ჩხვლეტა). ხმაურის დიზაინი შეიძლება იყოს ნატურალისტური, რეალისტური, რომანტიული, ფანტასტიკური, აბსტრაქტულ-პირობითი, გროტესკული - ეს დამოკიდებულია შესრულების სტილსა და გადაწყვეტილებაზე. ხმაურის დიზაინს ამუშავებს ხმის ინჟინერი ან თეატრის დამდგმელი ნაწილი. შემსრულებლები, როგორც წესი, სპეციალური ხმაურის ბრიგადის წევრები არიან, რომელშიც ასევე შედიან მსახიობები. მარტივი ხმოვანი ეფექტების შესრულება შესაძლებელია სცენის ხელებით, რეკვიზიტებით და ა.შ. თანამედროვე თეატრში ხმაურის დიზაინისთვის გამოყენებული მოწყობილობა შედგება სხვადასხვა ზომის, სირთულის და დანიშნულების 100-ზე მეტი მოწყობილობისგან. ეს მოწყობილობები საშუალებას გაძლევთ მიაღწიოთ დიდი სივრცის განცდას; ხმის პერსპექტივის დახმარებით იქმნება მოახლოებული და გამავალი მატარებლის ან თვითმფრინავის ხმაურის ილუზია. თანამედროვე რადიო ტექნოლოგია, განსაკუთრებით სტერეოფონიური აღჭურვილობა, იძლევა დიდ შესაძლებლობებს ხმაურის დიზაინის მხატვრული დიაპაზონისა და ხარისხის გაფართოებისთვის, ამავდროულად შესრულების ამ ნაწილს ორგანიზაციულად და ტექნიკურად ამარტივებს.

2.4 სცენის განათება

სცენაზე სინათლე ერთ-ერთი მნიშვნელოვანი მხატვრული და საწარმოო საშუალებაა. სინათლე ხელს უწყობს მოქმედების ადგილისა და ატმოსფეროს, პერსპექტივის რეპროდუცირებას, საჭირო განწყობის შექმნას; ზოგჯერ თანამედროვე წარმოდგენებში სინათლე თითქმის ერთადერთი დეკორაციის საშუალებაა.

სხვადასხვა სახის დეკორაცია მოითხოვს განათების შესაბამის ტექნიკას. პლანშეტური ფერწერული დეკორაცია მოითხოვს ზოგად ერთგვაროვან განათებას, რომელიც იქმნება ზოგადი განათების განათების მოწყობილობებით (სოფიტები, პანდუსები, პორტატული მოწყობილობები). მოცულობითი დეკორაციებით გაფორმებული სპექტაკლები მოითხოვს ლოკალურ (პროექტორულ) განათებას, რომელიც ქმნის მსუბუქ კონტრასტებს, ხაზს უსვამს მოცულობით დიზაინს.

შერეული ტიპის დეკორაციის გამოყენებისას შესაბამისად გამოიყენება შერეული განათების სისტემა.

თეატრალური განათების მოწყობილობები მზადდება ფართო, საშუალო და ვიწრო სინათლის გაფანტვის კუთხით, ამ უკანასკნელს ეწოდება პროჟექტორი და ემსახურება სცენის გარკვეული ნაწილების განათებას და მსახიობები. მდებარეობიდან გამომდინარე, თეატრის სცენის განათების აღჭურვილობა იყოფა შემდეგ ძირითად ტიპებად:

1) ოვერჰედის განათების მოწყობილობა, რომელიც მოიცავს სცენის სათამაშო ნაწილის ზემოთ დაკიდებულ განათების მოწყობილობებს (სოფიტები, პროჟექტორები) მისი გეგმის მიხედვით რამდენიმე რიგად.

2) ჰორიზონტალური განათების მოწყობილობა, რომელიც გამოიყენება თეატრალური ჰორიზონტების გასანათებლად.

3) გვერდითი განათების მოწყობილობა, რომელიც ჩვეულებრივ მოიცავს პროექტორის ტიპის მოწყობილობებს, რომლებიც დამონტაჟებულია პორტალის კულისებში, გვერდითი განათების გალერეებზე

4) დისტანციური განათების მოწყობილობა, რომელიც შედგება სცენის გარეთ, აუდიტორიის სხვადასხვა ნაწილში დამონტაჟებული პროჟექტორებისგან. პანდუსი ასევე ვრცელდება დისტანციურ განათებაზე.

5) პორტატული განათების მოწყობილობა, რომელიც შედგება წარმოდგენის ყოველი მოქმედებისთვის სცენაზე დაყენებული სხვადასხვა ტიპის მოწყობილობებისაგან (მოთხოვნიდან გამომდინარე).

6) სხვადასხვა სპეციალური განათების და საპროექციო მოწყობილობები. თეატრი ხშირად იყენებს აგრეთვე სხვადასხვა დანიშნულების განათების მოწყობილობებს (დეკორატიული ჭაღები, სანთლები, ნათურები, სანთლები, ფარნები, კოცონი, ჩირაღდნები), რომლებიც შესრულებულია სპექტაკლის დიზაინერ მხატვრის ესკიზების მიხედვით.

მხატვრული მიზნებისთვის (სცენაზე რეალური ბუნების რეპროდუქცია) სცენაზე გამოიყენება ფერადი განათების სისტემა, რომელიც შედგება სხვადასხვა ფერის სინათლის ფილტრებისგან. სინათლის ფილტრები შეიძლება იყოს მინა ან ფილმი. შესრულების პროცესში ფერთა ცვლილებები ხორციელდება: ა) განათების მოწყობილობებიდან, რომლებსაც აქვთ ერთი ფერის სინათლის ფილტრები, სხვა ფერების მოწყობილობებზე თანდათანობითი გადასვლით; ბ) რამდენიმე, ერთდროულად მოქმედი მოწყობილობის ფერების დამატება; გ) განათების მოწყობილობებში განათების ფილტრების შეცვლა. სინათლის პროექციას დიდი მნიშვნელობა აქვს შესრულების დიზაინში. ის ქმნის სხვადასხვა დინამიურ პროექციის ეფექტებს (ღრუბლები, ტალღები, წვიმა, ცვივა თოვლი, ცეცხლი, აფეთქებები, ციმციმები, მფრინავი ფრინველები, თვითმფრინავები, მცურავი გემები) ან სტატიკური გამოსახულებები, რომლებიც ცვლის დეკორაციის თვალწარმტაცი დეტალებს (მსუბუქი პროექციის დეკორაციები). სინათლის პროექციის გამოყენება მნიშვნელოვნად აფართოებს სინათლის როლს წარმოდგენაში და ამდიდრებს მის მხატვრულ შესაძლებლობებს. ზოგჯერ გამოიყენება ფილმის პროექციაც. სინათლე შეიძლება იყოს წარმოდგენის სრულფასოვანი მხატვრული კომპონენტი მხოლოდ იმ შემთხვევაში, თუ არსებობს მასზე ცენტრალიზებული კონტროლის მოქნილი სისტემა. ამ მიზნით, სცენის ყველა განათების აღჭურვილობის ელექტრომომარაგება იყოფა ხაზებად, რომლებიც დაკავშირებულია ცალკეულ განათების მოწყობილობებთან ან აპარატებთან და დამონტაჟებული სინათლის ფილტრების ინდივიდუალურ ფერებთან. თანამედროვე სცენაზე 200-300-მდე ხაზია. განათების გასაკონტროლებლად აუცილებელია ჩართოთ, გამორთოთ და შეცვალოთ მანათობელი ნაკადი, როგორც თითოეულ ცალკეულ ხაზზე, ასევე მათ ნებისმიერ კომბინაციაში. ამ მიზნით არის განათების მარეგულირებელი დანადგარები, რომლებიც წარმოადგენს სასცენო აღჭურვილობის აუცილებელ ელემენტს. ნათურების მანათობელი ნაკადის რეგულირება ხდება ავტოტრანსფორმატორების, თირატრონების, მაგნიტური გამაძლიერებლების ან ნახევარგამტარული მოწყობილობების დახმარებით, რომლებიც ცვლიან დენს ან ძაბვას განათების წრეში. მრავალი სცენის განათების სქემების გასაკონტროლებლად არსებობს რთული მექანიკური მოწყობილობები, რომლებსაც ჩვეულებრივ უწოდებენ თეატრის რეგულატორებს. ყველაზე გავრცელებულია ელექტრო რეგულატორები ავტოტრანსფორმატორებით ან მაგნიტური გამაძლიერებლებით. ამჟამად ფართოდ გავრცელებული ხდება ელექტრული მრავალპროგრამიანი კონტროლერები; მათი დახმარებით მიიღწევა სცენის განათების მართვის არაჩვეულებრივი მოქნილობა. ასეთი სისტემის ძირითადი პრინციპია ის, რომ საკონტროლო განყოფილება იძლევა სინათლის კომბინაციების წინასწარ კომპლექტს სპექტაკლის რამდენიმე სცენის ან მომენტისთვის, მათი შემდგომი რეპროდუქციით სცენაზე ნებისმიერი თანმიმდევრობით და ნებისმიერი ტემპით. ეს განსაკუთრებით მნიშვნელოვანია კომპლექსური თანამედროვე მრავალსურათიანი სპექტაკლების განათებისას, სინათლის დიდი დინამიკით და სწრაფად შემდგომი ცვლილებებით.

2.5 ეტაპის ეფექტები

სცენის ეფექტები (ლათ. effectus - შესრულება) - ფრენების, ცურვის, წყალდიდობის, ხანძრის, აფეთქების ილუზიები, შექმნილი სპეციალური მოწყობილობებისა და მოწყობილობების დახმარებით. სასცენო ეფექტებს იყენებდნენ უკვე ანტიკურ თეატრში. რომის იმპერიის ეპოქაში მიმების სპექტაკლებში ცალკე სასცენო ეფექტებია შემოტანილი. ეფექტებით იყო გაჯერებული XIV-XVI საუკუნეების რელიგიური წარმოდგენები. ასე, მაგალითად, მისტერიების დადგმისას, უამრავი თეატრალური ეფექტის მოწყობაში მონაწილეობდნენ სპეციალური „სასწაულების ოსტატები“. მე-16-17 საუკუნეების სასამართლო და სახალხო თეატრებში. თეატრალური მექანიზმების გამოყენებაზე დაფუძნებული ბრწყინვალე სპექტაკლის სახეობა შეიქმნა მრავალფეროვანი სცენური ეფექტებით. ამ სპექტაკლებში წინა პლანზე წამოიწია მემანქანის და დეკორატორის ოსტატობა, რომელიც ქმნიდა ყველა სახის აპოთეოზს, ფრენას და ტრანსფორმაციას. ასეთი სანახაობრივი სანახაობის ტრადიციები არაერთხელ აღდგა შემდგომი საუკუნეების თეატრის პრაქტიკაში.

თანამედროვე თეატრში სცენის ეფექტები იყოფა ხმოვან, შუქურ (შუქის პროექცია) და მექანიკურად. ხმოვანი (ხმაური) ეფექტების საშუალებით სცენაზე რეპროდუცირებულია გარემომცველი ცხოვრების ხმები - ბუნების ხმები (ქარი, წვიმა, ჭექა-ქუხილი, ჩიტების გალობა), წარმოების ხმები (ქარხანა, სამშენებლო მოედანი და ა.შ.), მოძრაობის ხმები. (მატარებელი, თვითმფრინავი), საბრძოლო ხმები (კავალერიის მოძრაობა, გასროლა), ყოველდღიური ხმები (საათები, შუშის ჩხაკუნი, ღრიალი).

სინათლის ეფექტები მოიცავს:

1) ბუნებრივი განათების ყველა სახის იმიტაცია (დღის სინათლე, დილა, ღამე, განათება, რომელიც შეინიშნება სხვადასხვა ბუნებრივი მოვლენის დროს - მზის ამოსვლა და ჩასვლა, მოწმენდილი და მოღრუბლული ცა, ჭექა-ქუხილი და ა.შ.);

2) წვიმის, მოძრავი ღრუბლების, ცეცხლის აალებული შუქის, ფოთლების ცვენის, წყლის ნაკადის ილუზიის შექმნა.

1 ჯგუფის ეფექტების მისაღებად, ისინი ჩვეულებრივ იყენებენ სამ ფერის განათების სისტემას - თეთრი, წითელი, ლურჯი, რომელიც იძლევა თითქმის ნებისმიერ ტონს ყველა საჭირო გადასვლით. კიდევ უფრო მდიდარი და მოქნილი ფერის პალიტრა (სხვადასხვა ჩრდილების ნიუანსებით) მოცემულია ოთხი ფერის (ყვითელი, წითელი, ლურჯი, მწვანე) კომბინაციით, რაც შეესაბამება თეთრი სინათლის ძირითად სპექტრულ კომპოზიციას. მე-2 ჯგუფის განათების ეფექტის მიღების მეთოდები ძირითადად მცირდება სინათლის პროექციის გამოყენებაზე. მაყურებლის მიერ მიღებული შთაბეჭდილებების ბუნებით, განათების ეფექტები იყოფა სტაციონარული (ფიქსირებული) და დინამიური.

სტაციონარული განათების ეფექტების სახეები

ზარნიცა - მიიღება ვოლტაური რკალის მყისიერი ელვარებით, წარმოებული ხელით ან ავტომატურად. IN ბოლო წლებიგავრცელდა მაღალი ინტენსივობის ელექტრონული ფანრები.

ვარსკვლავები - სიმულირებულია ფანრიდან დიდი რაოდენობით ნათურების გამოყენებით, რომლებიც შეღებილია სხვადასხვა ფერებში და აქვთ სხვადასხვა სიკაშკაშის ინტენსივობა. ნათურები და მათზე ელექტრომომარაგება დამონტაჟებულია შავად შეღებილ ბადეზე, რომელიც დაკიდულია გალავნის ღეროზე.

მთვარე - იქმნება ჰორიზონტზე შესაბამისი სინათლის გამოსახულების პროექციით, ასევე მთვარის მიბაძვით აწეული მაკეტის გამოყენებით.

მსგავსი დოკუმენტები

ბელორუსული თეატრალური ხელოვნების განვითარების მთავარი ეტაპები. საერთაშორისო პროექტები თეატრალური ხელოვნების სფეროში. თეატრალური ფესტივალები, როგორც საერთაშორისო თანამშრომლობის ფორმები. პანტომიმის საერთაშორისო ფესტივალის „MimArt“-ის პროექტის დასაბუთება.

ნაშრომი, დამატებულია 06/02/2014


თეატრალური ჟანრის სახეები. ხელოვნების ჟანრების თავისებურებები, რომლებიც დაკავშირებულია თეატრთან და მუსიკასთან. ოპერა, როგორც მუსიკალური და თეატრალური ხელოვნების ფორმა. ოპერეტას წარმოშობა, მისი ურთიერთობა ხელოვნების სხვა ფორმებთან. მონოოპერა და მონოდრამა თეატრში. ტრაგედიის ისტორია.

რეზიუმე, დამატებულია 04.11.2015წ


თეატრში რეჟისორის ფუნქციების მახასიათებლები, თეატრალური ეთიკა. საკუთარი ანალიზი კვლევაზე მუშაობისას. მოქმედება, როგორც თეატრალური ხელოვნების საფუძველი, მოქმედების, როგორც ერთიანი პროცესის გამოყენების უნარი. თეატრალური ხელოვნების სპეციფიკური თავისებურებები.

ტესტი, დამატებულია 08/18/2011


თეატრალური ხელოვნების სხვადასხვა ფორმის განვითარება იაპონიაში. სპექტაკლების თავისებურებები თეატრ ნოოში. კაბუკის თეატრის მახასიათებლები, რომელიც წარმოადგენს სიმღერის, მუსიკის, ცეკვის და დრამის სინთეზს. კათაკლის თეატრის გმირული და სასიყვარულო წარმოდგენები.

პრეზენტაცია, დამატებულია 04/10/2014


მე-20 საუკუნის დასაწყისში გერმანიასა და რუსეთში თეატრალური ხელოვნების განვითარებაში მსგავსებისა და განსხვავებების ანალიზი. დრამატული თეატრის სფეროში რუსულ-გერმანული კონტაქტების შესწავლა. ამ პერიოდის კულტურის მოღვაწეთა შემოქმედება. თეატრალური ექსპრესიონიზმი და მისი მახასიათებლები.

ნაშრომი, დამატებულია 18/10/2013


ძველი ბერძნული ხელოვნების ჰომერული და ელინისტური პერიოდის შესწავლა. ბერძნული არქიტექტურის დორიული, იონური და კორინთული ორდენების აღწერილობები. მონუმენტური ქანდაკების, ლიტერატურის, თეატრალური ხელოვნებისა და ორატორიის განვითარების შესწავლა.

საკურსო ნაშრომი, დამატებულია 16/08/2011


ბალეტის, როგორც სასცენო ხელოვნების წარმოშობის ისტორია, რომელიც მოიცავს ცეკვის ფორმალიზებულ ფორმას. ბალეტის გამოყოფა ოპერისგან, ახალი ტიპის თეატრალური წარმოდგენის გაჩენა. რუსული ბალეტი S.P. დიაგილევი. მსოფლიო ბალეტი მე-9 საუკუნის ბოლოს და მე-20 საუკუნის დასაწყისში.

რეზიუმე, დამატებულია 02/08/2011


პროგრამის მახასიათებლები, მისი ადგილი და როლი სასწავლო პროცესში. თეატრი, როგორც ხელოვნების ფორმა. პიესის შერჩევა და ანალიზი. ყურადღების, წარმოსახვისა და მეხსიერების ორგანიზება. მეტყველების ტექნიკა და კულტურა. კონტროლის ფორმები და მეთოდები. სასწავლო პროცესის მეთოდოლოგიური მხარდაჭერა.

სასწავლო სახელმძღვანელო, დამატებულია 31/03/2017


თეატრალური კოსტუმის მახასიათებლები. მოთხოვნები მისი ესკიზისთვის. ადამიანის ფიგურის გამოსახულების ანალიზი; გრაფიკულ წყაროებში გამოყენებული ტექნიკა და ინსტრუმენტები. თეატრალური კოსტუმის გრაფიკული ტექნიკის გამოყენება ტანსაცმლის კოლექციის შემუშავებაში.

საკურსო ნაშრომი, დამატებულია 28/09/2013


პლასტიკური ექსპრესიულობის მახასიათებლები. გამოჩენილი თეატრალური ფიგურები პლასტიკურ ექსპრესიულობაზე. შემოქმედებითი ექსპრესიულობის ძიება ა.ნემეროვსკის, კ.სტანისლავსკის გაკვეთილებში. პლასტიკური და რეჟისორის გადაწყვეტილებების მაგალითები ნემეროვსკის გამოცდილებაზე.

რეჟისორის ამოცანაა არა იმდენად დრამატურგის ჩანაფიქრის გაშიფვრა, რამდენადაც თანაავტორი მხატვრული შემოქმედების პროცესში. სცენის მიმართულება, ატმოსფერო და ტემპ-რიტმი მოქმედებს როგორც რეჟისურის გამომხატველი საშუალება.

მიზანსცენა (სცენაზე განთავსება) არის რეჟისურის ელემენტი, რომელიც შედგება პლასტიკურ გამოსახულებებში აზროვნებაში. მიზანსცენა არის სასცენო სივრცის კომპოზიციური ორგანიზაცია. ეს ნამდვილად რეჟისორის იდეიდან მოდის. მისი მთავარი მახასიათებელია რეალობა, დინამიზმი. მიზანსცენა აგებულია მოვლენის გარშემო; მოვლენამდე მიზანსცენა ერთია, შემდეგ მეორე. ცენტრალური, საკვანძო მიზანსცენების აგებით, რეჟისორი რეალურად ავლენს ბრძოლის ეტაპებს და ამავე დროს აღწევს იმას, რომ მიზანსცენა წარმოდგენის იდეას პლასტიკური, თვალწარმტაცი სახით გამოხატავს.

მასობრივ მიზანსცენაში თითოეული შემსრულებლის ქცევა ექვემდებარება ცენტრალურ მოვლენას და მისგან აგებულია იმ ფორმით, რომელიც შეესაბამება რეჟისორის გადაწყვეტილებას. მასობრივი მიზანსცენა ყალიბდება სხვადასხვა სცენების მონაცვლეობით, მათი ურთიერთდაკავშირებით, რიტმული კონტრასტით, ფერთა სქემით და ა.შ. „სანახაობრივი“ რეჟისურაში, სადაც მიზის სცენები შეიძლება იყოს ღრმა და პლანშეტური, აგებული ვერტიკალურად და ჰორიზონტალურად, წრეში და სპირალურ, სიმეტრიულ და ასიმეტრიულ, ეს არის პროცესი, გადასვლა ერთი პლასტიკური ფორმიდან მეორეზე. მოქანდაკის მსგავსად, რეჟისორი ერთი პლასტიკური აყალიბებს მეორეს. მოქანდაკის მსგავსად, რეჟისორი სცენაზე ძერწავს ადამიანის ფიგურების კომბინაციებს, ქმნის პლასტიკური ფორმების ნაკადს, რომლებიც მუდმივად ცვლიან ერთმანეთს, რათა გადმოსცეს სიცოცხლე მისი პლასტიკური გამოვლინებების მთელი სიმდიდრით.

თეატრალურ წარმოდგენაში აუცილებელია მაყურებლის ყურადღების გამახვილება სცენაზე, რიცხვზე, ხოლო მასობრივ დღესასწაულზე, პირიქით, საჭიროა რაც შეიძლება მეტი გაფანტული ცენტრის ძიება. განსაკუთრებით სპეციფიკურია სტადიონის სპექტაკლების მიზანსცენა, სადაც აუცილებელია აგება ოთხი მხრიდან ხედის გათვალისწინებით. მოქმედების ექსპრესიული გადაწყვეტილება შედგება სხვადასხვა თვალსაზრისის პლასტიკური კომბინაციით, სათამაშო მოედნების განთავსება, მოქმედების საცნობარო წერტილები, ჰაერის გამოყენების შესაძლებლობა და ა.შ. მნიშვნელოვანი ხდება უზარმაზარ სივრცეში. ასე რომ, თეატრალური წარმოდგენის ფიგურალური და პლასტიკური გადაწყვეტა რეჟისურის ერთ-ერთი უმნიშვნელოვანესი ამოცანაა, მიზანსცენა კი რეჟისურის ერთ-ერთი უძლიერესი გამომხატველი საშუალება. რეჟისორის მთავარი ყურადღება ელექტორალურ ნაწილზეა მიპყრობილი, რომელშიც მსახიობს, როგორც გართობის ერთ-ერთ კომპონენტს, მიესალმებიან. და თუ მსახიობი მარტოა სცენაზე, მაშინ ეს მარტო ხანდახან კონკრეტული რეჟისორული ტექნიკაა. ამრიგად, თეატრალური წარმოდგენის მსახიობს მოეთხოვება ჟესტის გაძლიერება, სიმკვეთრე და გაზრდილი პლასტიკური ექსპრესიულობა.

რეჟისურის შემდეგი გამომხატველი საშუალებაა კულტურულ-ფსიქოლოგიური ატმოსფერო, ანუ ნიშან-სიმბოლური გარემო, რომელშიც ცხოვრობს მსახიობის გამოსახულება (ხმები, ხმები, რიტმები, განათების ბუნება, ავეჯი, ნივთები და ა.შ.). ატმოსფერო დამოკიდებულია მოვლენების ბუნებაზე, მოქმედების ადგილსა და დროს, არის ამ მოვლენების მიზეზი და შედეგი.

დადგმის გადაწყვეტის განსაკუთრებული ბუნება ასევე გულისხმობს დეკორაციისა და რეკვიზიტების უჩვეულო ბუნებას. დეკორაცია, მაგალითად, შეიძლება იყოს სტაციონარული ან, პირიქით, მოძრავი, დაყენებული მანქანებზე, მოტოციკლებზე, სხვადასხვა სახის ფურქებზე და ა.შ. ატმოსფეროს შექმნაში უზარმაზარ როლს თამაშობს ხმა და სინათლე, რომლითაც შეგიძლიათ თითქმის ნებისმიერი იდეის გამოხატვა. ბუნებრივია, ისინი საჭიროებენ საინჟინრო გადაწყვეტას, განსაკუთრებით მაშინ, როდესაც აუცილებელია ეგრეთ წოდებული ყოფნის ეფექტის შექმნა.

ფიგურატიულობა იძენს ექსპრესიულ ხასიათს და ფერების გამოყენებით, რომლებიც განსაზღვრავენ ვიზუალური აღქმის ასოციაციურობას. ეს შეიძლება იყოს თეთრი, როგორც სიწმინდის, სიახლის, ბრწყინვალების სიმბოლო, წითელი - როგორც აღფრთოვანების, აქტივობის, ცეცხლის ელემენტის ნიშანი, ან მწვანე - როგორც ახალგაზრდობის, გაზაფხულის და ა.შ. განსაკუთრებით მნიშვნელოვანია, რომ მხატვრის მიერ მოგონილი ზოგადი სტილისტური ტექსტურა ასოციაციურად ჰარმონიზდება რეჟისორის ენასთან, ავტორის განზრახვის თავისებურებებთან. თავისი თვისებებიდან - უკიდურესი სიკაშკაშე, ემოციურობა, ექსპრესიულობა - მუსიკა რამდენიმე ფუნქციის მატარებელია: უპირველეს ყოვლისა, ის არის ფონი; შემდეგ ეს არის თვითშექმნილი სურათი და ბოლოს, ეს არის მოქმედების კონფლიქტში მონაწილეობის შესაძლებლობა. თუ თეატრალურ სპექტაკლში მუსიკა თამაშობს დამხმარე როლს, მაშინ თეატრალურ სპექტაკლში მუსიკა ხდება სპექტაკლის თითქმის მთავარი კომპონენტი, რომელიც აკავშირებს ყველა ეპიზოდს.

ამრიგად, სპექტაკლის ცხოვრების ატმოსფერო დამოკიდებულია რეჟისორის განზრახვის შესაბამისად შექმნილ ვიზუალურ და მუსიკალურ ფორმებზე, თავად სპექტაკლი წარმოადგენს მონაწილეთა - მაყურებელთა მოქმედების სინთეზურ კულტურულ და ესთეტიკურ მეთოდს, რომელიც შედგება ხელოვნების სხვადასხვა ტიპებისაგან. რაც წარმოდგენის სპეციფიკური მახასიათებელია.

სპექტაკლის შექმნის რეჟისორის მეთოდს აქვს სტრუქტურული ხასიათი, ყოველი სპექტაკლის დადგმა არის სპექტაკლის ყველა ნაწილის მრავალხმიანობა, პირობითი ბუნებით და უპირობო გამოხატვით. თეატრალური მასობრივი სპექტაკლის კიდევ ერთი შეუცვლელი მახასიათებელია ტემპისა და რიტმის მკვეთრი ცვლილების საჭიროება თითოეულ ეპიზოდში და მთლიანად მოქმედებაში.

რეჟისურის ისეთი გამომხატველი საშუალება, როგორიცაა ტემპი - რიტმი, აერთიანებს დროში სცენებისა თუ მოვლენების გამეორების სიჩქარეს და სიხშირეს. იმის გათვალისწინებით, რომ რიტმი შეიძლება იყოს გარეგანი (ფიზიკური) და შინაგანი (ფსიქოლოგიური), ცხადია, რომ მექანიკური რიტმი მოქმედებს ჩვენზე. შინაგანი ცხოვრებაჩვენს გრძნობებსა და გამოცდილებაზე.

„რიტმი“ არის უზარმაზარი ძალა, რომელიც განსაზღვრავს მოქმედების ორგანიზაციას, ეს არ არის რაღაც აბსტრაქტული. ეს ღრმად გამომდინარეობს გამოსახულების ბუნებიდან, რომელიც ასოცირდება მის გარემოსთან, რომელშიც ნივთი იბადება, რიტმი არის შეგნებული, ღრმა ორგანიზაციის შედეგი, რომელიც მოაქვს ნივთს მხატვრულობას. ისევე როგორც მიზანსცენა და ატმოსფერო, ტემპ-რიტმიც ხელს უწყობს ავტორის განზრახვის რეალიზებას. ამიტომ რეჟისურის ერთ-ერთი მთავარი პრობლემა სწორი რიტმის პოვნაა, მაგრამ აუცილებელია, რომ ის ლოგიკურად ერწყმის სანახაობის ზოგად რიტმს. რიტმი გულისხმობს მოქმედების განვითარებას შეფერხებებით და თანდათანობით, თან დიდი რაოდენობითდინამიური მოვლენები, თქვენ უნდა გააკეთოთ გაჩერებები, რომლებიც საშუალებას მოგცემთ დაახასიათოთ პერსონაჟები და გაიგოთ მოვლენების მნიშვნელობა.

ნებისმიერი თეატრალური წარმოდგენის ტემპო-რიტმული ნიმუშის მახასიათებელია თითოეული ეპიზოდისა და წარმოდგენის ხანგრძლივობა; დროის ინტერვალების რიტმი და არითმია ეპიზოდების ერთმანეთის მიყოლებით; ეპიზოდების კონტრასტი რეჟისორის გადაწყვეტილებით და გამომხატველი საშუალებების არჩევით; ტემპი, როგორც მოქმედებების რაოდენობა დროის ერთეულზე.

„ტემპო-რიტმის რეალობა, ანუ მაყურებელთა შორის ემოციური განწყობის შექმნა სპექტაკლის აქტიური აღქმისთვის, დიდწილად დამოკიდებულია სპექტაკლის ხანგრძლივობაზე (არაუმეტეს 1,5-2 საათისა), მრავალფეროვნებაზე და. მოვლენების ინტენსივობა“. თუ რეჟისორი იღებს სწორ ტემპს - რიტმს, მაშინ მაყურებლის გრძნობები და გამოცდილება თავად იქმნება (კ.ს. სტანისლავსკი)

ყოველივე ზემოაღნიშნულიდან გამომდინარეობს, რომ მიზანსცენა, ატმოსფერო და ტემპი, როგორც რეჟისურის გამომხატველი საშუალება, ერთმანეთს აყალიბებს და მთლიანად ერთმანეთზეა დამოკიდებული.

თეატრი (ბერძ ე ატრონი - სანახაობის ადგილი) - ხელოვნების ფორმა, რომელშიც რეალობა აისახება სასცენო მოქმედებით, რომელსაც მსახიობები ასრულებენ მაყურებლის წინაშე.

თეატრალური ხელოვნება არის ეროვნული სულიერი კულტურის ნაწილი, საზოგადოებრივი ცნობიერებისა და ხალხის ცხოვრების სარკე.

სასცენო ხელოვნება დაიბადა ანტიკური დროდა სხვადასხვა დროს ეწოდებოდა გასართობად, აღზრდას, ქადაგებას. თეატრის შესაძლებლობები დიდია, ამიტომ თეატრალური ხელოვნება ცდილობდა თავი დაემსახურა მეფეებისა და მთავრების, იმპერატორებისა და მინისტრების, რევოლუციონერებისა და კონსერვატორების სამსახურში.

ყოველი ეპოქა თეატრს საკუთარ ამოცანებს აკისრებდა. მაგალითად, შუა საუკუნეებში სცენური სივრცე სამყაროს მოდელად მოიაზრებოდა, სადაც საჭირო იყო თამაში, შემოქმედების საიდუმლოს გამეორება. რენესანსის დროს თეატრმა სულ უფრო და უფრო დაიწყო მანკიერებების გამოსწორების დავალების დაკისრება. განმანათლებლობის ხანაში სცენურ ხელოვნებას ძალიან აფასებდნენ – როგორც „ზნეობის გამწმენდს“ და სათნოების გამამხნევებელს. ტირანიისა და ცენზურის დროს თეატრი არა მხოლოდ ამბიონად, არამედ ტრიბუნადაც იქცა. მე-20 საუკუნის რევოლუციების დროს გამოჩნდა ლოზუნგი „ხელოვნება იარაღია“ (იგი პოპულარული იყო მე-20 საუკუნის 20-იან წლებში). და თეატრმა დაიწყო სხვა დავალების შესრულება - პროპაგანდა.

თეატრის საბოლოო ნამუშევარი დრამატურგიაზე დაფუძნებული სპექტაკლია.

როგორც ხელოვნების სხვა ფორმას, თეატრსაც აქვს თავისი სპეციალური ნიშნები.

1. ეს ხელოვნებაა სინთეტიკური: თეატრალური ნაწარმოები (სპექტაკლი) შედგება სპექტაკლის ტექსტისგან, რეჟისორის, მსახიობის, მხატვრისა და კომპოზიტორის შემოქმედებისგან. (ოპერასა და ბალეტში მუსიკა გადამწყვეტ როლს თამაშობს). იგი აერთიანებს ეფექტურ და სანახაობრივ საწყისს და აერთიანებს სხვა ხელოვნების გამომხატველ საშუალებებს: ლიტერატურას, მუსიკას, ფერწერას, არქიტექტურას, ცეკვას და ა.შ.

2. ხელოვნება კოლექტიური. სპექტაკლი ბევრი ადამიანის აქტიურობის შედეგია, არა მხოლოდ სცენაზე გამოსულების, არამედ ვინც კერავს კოსტიუმებს, აკეთებს რეკვიზიტებს, ანათებს, ხვდება მაყურებელს. თეატრი არის შემოქმედებაც და წარმოებაც.

აქედან გამომდინარე, შეიძლება განისაზღვროს, რომ თეატრი არის სინთეზური და კოლექტიური ხელოვნების ფორმა, რომელშიც სცენურ მოქმედებას ახორციელებენ მსახიობები.

3. თეატრის გამოყენება ხელოვნების ხელსაწყოების ნაკრები.

ა) ტექსტი.თეატრალური წარმოდგენა ეფუძნება ტექსტი. ეს არის სპექტაკლი დრამატული წარმოდგენისთვის, ბალეტში ლიბრეტოა. სპექტაკლზე მუშაობის პროცესი შედგება დრამატული ტექსტის სცენაზე გადატანაში. შედეგად, ლიტერატურული სიტყვა ხდება სასცენო სიტყვა.

ბ) სასცენო სივრცე.პირველი რასაც ხედავს მაყურებელი ფარდის გახსნის (აწევის) შემდეგ არის სასცენო სივრცე, რომელიც შეიცავს Პეიზაჟები. ისინი მიუთითებენ ადგილმდებარეობაზე ისტორიული დროასახავს ეროვნულ არომატს. სივრცითი კონსტრუქციების დახმარებით შესაძლებელია პერსონაჟების განწყობის გადმოცემაც კი (მაგალითად, გმირის ტანჯვის ეპიზოდში, ჩაეფლო სცენა სიბნელეში ან გამკაცრდეს მისი ფონი შავით).

გ) სცენა და აუდიტორია.უძველესი დროიდან ჩამოყალიბდა ორი ტიპის სცენა და აუდიტორია: ბოქსის სცენა და ამფითეატრის სცენა, ბოქსის სცენა ითვალისწინებს იარუსებს და სადგომებს, ხოლო მაყურებელი ამფითეატრის სცენას სამი მხრიდან აკრავს. ახლა მსოფლიოში ორი ტიპი გამოიყენება.

დ) თეატრის შენობა.უძველესი დროიდან ქალაქების ცენტრალურ მოედნებზე შენდებოდა თეატრები. არქიტექტორებს სურდათ, რომ შენობები ლამაზი ყოფილიყო და ყურადღების მიქცევა. თეატრში მოსვლისას მაყურებელი უარს ამბობს Ყოველდღიური ცხოვრებისთითქოს რეალობაზე მაღლა დგას. ამიტომ, შემთხვევითი არ არის, რომ სარკეებით მორთული კიბე ხშირად დარბაზში მიდის.

ე) მუსიკა.დრამატული წარმოდგენის ემოციური ზემოქმედების გაძლიერება ეხმარება მუსიკა. ხანდახან ჟღერს არა მხოლოდ მოქმედების დროს, არამედ შუალედის დროსაც, რათა შეინარჩუნოს საზოგადოების ინტერესი.

ვ) Მსახიობი.პიესის მთავარი სახე მსახიობი. ქმნის სხვადასხვა პერსონაჟის მხატვრულ გამოსახულებას. მაყურებელი ხედავს მის წინ პიროვნებას, იდუმალებით გადაქცეულს მხატვრულ გამოსახულებად – ერთგვარ მხატვრულ ნაწარმოებად. რა თქმა უნდა, ხელოვნების ნაწარმოები თავად შემსრულებელი კი არა, მისი როლია. ის არის მსახიობის ქმნილება, შექმნილი ხმით, ნერვებით და რაღაც გაუთავებელი - სულით, სულით. მსახიობების დიალოგი არა მხოლოდ სიტყვებია, არამედ ჟესტების, პოზების, გამომეტყველებისა და სახის გამომეტყველების საუბარი. მსახიობისა და ხელოვანის ცნებები განსხვავებულია. მსახიობი ხელობაა, პროფესიაა. სიტყვა ხელოვანი (ინგლ. ხელოვნება - ხელოვნება) მიუთითებს არა გარკვეული პროფესიის, არამედ ზოგადად ხელოვნებისადმი კუთვნილებაზე, ხაზს უსვამს ხელოსნობის მაღალ ხარისხს. ხელოვანი არის ხელოვანი, მიუხედავად იმისა, თამაშობს თეატრში თუ მუშაობს სხვა სფეროში (კინოში).

ზ) Პროდიუსერი.იმისათვის, რომ სცენაზე მოქმედება მთლიანობაში აღიქმებოდეს, საჭიროა მისი გააზრებულად და თანმიმდევრულად ორგანიზება. ეს მოვალეობები შესრულებულია პროდიუსერი.რეჟისორი არის თეატრალური წარმოების მთავარი ორგანიზატორი და ხელმძღვანელი. თანამშრომლობს მხატვართან (სპექტაკლის ვიზუალური გამოსახულების შემქმნელთან), კომპოზიტორთან (სპექტაკლის ემოციური ატმოსფეროს, მისი მუსიკალური და ხმოვანი გადაწყვეტის შემქმნელი), ქორეოგრაფთან (სპექტაკლის პლასტიკური ექსპრესიულობის შემქმნელი) და სხვა. რეჟისორი - მსახიობის რეჟისორი, მასწავლებელი და აღმზრდელი.

დრამატურგის, მსახიობის, მხატვრის, კომპოზიტორის მიერ შექმნილი ყველაფერი ჩასმულია რეჟისორის განზრახვის მკაცრ ჩარჩოში, რაც სისრულესა და მთლიანობას ანიჭებს ჰეტეროგენულ ელემენტებს.

ყირიმის ავტონომიური რესპუბლიკის განათლების სამინისტრო

ყირიმის სახელმწიფო საინჟინრო-პედაგოგიური უნივერსიტეტი

ფაკულტეტი ფსიქოლოგიური და პედაგოგიური

დაწყებითი განათლების მეთოდოლოგიის კათედრა

ტესტი

დისციპლინის მიხედვით

ქორეოგრაფიული, სასცენო და ეკრანული ხელოვნება სწავლების მეთოდებით

თეატრალური ხელოვნების ექსპრესიულობის საშუალებები

სტუდენტები Mikulskite S.I.

სიმფეროპოლი

2007 - 2008 სასწავლო წელი წელიწადი.

2. თეატრალური ხელოვნების გამომსახველობის ძირითადი საშუალებები

გაფორმება

თეატრალური კოსტუმი

ხმაურის დიზაინი

სინათლე სცენაზე

სცენის ეფექტები

ლიტერატურა

1. დეკორატიული ხელოვნების ცნება, როგორც თეატრალური ხელოვნების გამოხატვის საშუალება

დეკორატიულობა თეატრალური ხელოვნების გამოხატვის ერთ-ერთი ყველაზე მნიშვნელოვანი საშუალებაა, ეს არის სპექტაკლის ვიზუალური გამოსახულების შექმნის ხელოვნება დეკორაციისა და კოსტიუმების, განათებისა და დადგმის ტექნიკის საშუალებით. გავლენის ყველა ეს ვიზუალური საშუალება არის თეატრალური წარმოდგენის ორგანული კომპონენტები, ხელს უწყობს მისი შინაარსის გამჟღავნებას, აძლევს მას გარკვეულ ემოციურ ჟღერადობას. დეკორატიული ხელოვნების განვითარება მჭიდრო კავშირშია თეატრისა და დრამატურგიის განვითარებასთან.

დეკორატიული ხელოვნების ელემენტები (კოსტუმები, ნიღბები, დეკორატიული ფარდები) წარმოდგენილი იყო უძველეს ხალხურ რიტუალებსა და თამაშებში. ძველ ბერძნულ თეატრში უკვე V ს. ძვ.წ ე., სცენის შენობის გარდა, რომელიც ემსახურებოდა მსახიობთა თამაშის არქიტექტურულ ფონს, იყო სამგანზომილებიანი დეკორაციები, შემდეგ კი თვალწარმტაცი დეკორაციები შემოვიდა. ბერძნული დეკორატიული ხელოვნების პრინციპები მიიღო ძველი რომის თეატრმა, სადაც პირველად გამოიყენეს ფარდა.

შუა საუკუნეებში ეკლესიის შიგნით თავდაპირველად დეკორატიული ფონის როლს ასრულებდა, სადაც ლიტურგიკული დრამა სრულდებოდა. უკვე აქ გამოიყენება შუა საუკუნეების თეატრისთვის დამახასიათებელი ერთდროული დეკორაციის ძირითადი პრინციპი, როდესაც მოქმედების ყველა სცენა ერთდროულად არის ნაჩვენები. ეს პრინციპი კიდევ უფრო განვითარებულია შუა საუკუნეების თეატრის მთავარ ჟანრში - მისტერიულ პიესებში. ყველა სახის იდუმალ სცენებში უდიდესი ყურადღება ექცეოდა „სამოთხის“ პეიზაჟს, რომელიც გამოსახულია სიმწვანეთ, ყვავილებით და ხილით მორთული არბორის, დრაკონის გაღებული პირის სახით „ჯოჯოხეთის“ სახით. მოცულობით დეკორაციებთან ერთად გამოიყენებოდა თვალწარმტაცი პეიზაჟებიც (ვარსკვლავური ცის გამოსახულება). დიზაინში ჩართული იყვნენ დახელოვნებული ხელოსნები - მხატვრები, ჩუქურთმები, ოქროპირები; ჯერ თეატრი. მემანქანეები საათების მწარმოებლები იყვნენ. ანტიკური მინიატურები, გრავიურები და ნახატები იძლევა წარმოდგენას საიდუმლოებების დადგმის სხვადასხვა ტიპებსა და ტექნიკაზე. ინგლისში ყველაზე გავრცელებული იყო სპექტაკლები პედჟენტებზე, რომლებიც წარმოადგენდა მოძრავ ორსართულიან ჯიხურს, რომელიც ეტლზე იყო დამონტაჟებული. ზედა სართულზე გათამაშდა სპექტაკლი, ქვედა კი მსახიობების გასახდელს ემსახურებოდა. სასცენო პლატფორმის ასეთი წრიული ან რგოლისებრი ტიპის მოწყობა საშუალებას აძლევდა უძველესი ეპოქიდან შემონახული ამფითეატრების გამოყენებას საიდუმლოებების დასადგმელად. საიდუმლოების დეკორაციის მესამე ტიპი იყო ეგრეთ წოდებული პავილიონების სისტემა (მე-16 საუკუნის მისტიკური სპექტაკლები ლუცერნში, შვეიცარია და დონაუშინგენში, გერმანია) - მოედანზე მიმოფანტული ღია სახლები, რომლებშიც ვითარდებოდა საიდუმლო ეპიზოდების მოქმედება. მე-16 საუკუნის სასკოლო თეატრში. პირველად არის მოქმედების ადგილების განლაგება არა ერთი ხაზის გასწვრივ, არამედ სცენის სამი მხარის პარალელურად.

აზიის თეატრალური სპექტაკლების საკულტო საფუძვლმა განსაზღვრა სცენის პირობითი დიზაინის მრავალი საუკუნის დომინირება, როდესაც ცალკეული სიმბოლური დეტალები განსაზღვრავდა მოქმედების ადგილებს. დეკორაციის ნაკლებობას ანაზღაურებდა ზოგიერთ შემთხვევაში დეკორატიული ფონის არსებობა, კოსტიუმების სიმდიდრე და მრავალფეროვნება, მაკიაჟის ნიღბები, რომელთა ფერს სიმბოლური მნიშვნელობა ჰქონდა. ნიღბების ფეოდალურ-არისტოკრატიულ მუსიკალურ თეატრში, რომელიც ჩამოყალიბდა იაპონიაში მე-14 საუკუნეში, შეიქმნა კანონიკური ტიპის დეკორაცია: სცენის უკანა კედელზე, აბსტრაქტულ ოქროსფერ ფონზე, გამოსახული იყო ფიჭვის ხე - სიმბოლო. დღეგრძელობა; გადახურული ხიდის ბალუსტრადის წინ, რომელიც მდებარეობს ადგილის უკანა მხარეს მარცხნივ და განკუთვნილი იყო მსახიობებისა და მუსიკოსების სცენაზე გასასვლელად, განთავსებული იყო სამი პატარა ფიჭვის გამოსახულება.

15-ზე - მათხოვრობით. მე-16 საუკუნეები იტალიაში ჩნდება ახალი ტიპის თეატრის შენობა და სცენა. თეატრალური სპექტაკლების დიზაინში მონაწილეობა მიიღეს უმსხვილესმა მხატვრებმა და არქიტექტორებმა - ლეონარდო და ვინჩი, რაფაელი, ა. მანტენია, ფ. ბრუნელესკი და სხვები, რომში - ბ. პერუცი. დეკორაცია, რომელიც ასახავს სიღრმეში მიმავალი ქუჩის ხედს, დახატული იყო ჩარჩოებზე გადაჭიმულ ტილოზე და შედგებოდა ფონისგან და სამი გვერდითი გეგმისგან სცენის თითოეულ მხარეს; დეკორაციის ზოგიერთი ნაწილი ხისგან იყო დამზადებული (სახლის სახურავები, აივნები, ბალუსტრადები და სხვ.). აუცილებელი პერსპექტიული შეკუმშვა მიღწეული იქნა ტაბლეტის ციცაბო აწევის დახმარებით. რენესანსის სცენაზე ერთდროული დეკორაციის ნაცვლად, ერთი საერთო და უცვლელი სცენა იქნა რეპროდუცირებული გარკვეული ჟანრის სპექტაკლებისთვის. უდიდესმა იტალიელმა თეატრალურმა არქიტექტორმა და დეკორატორმა S. Serlio-მ შეიმუშავა 3 ტიპის დეკორაცია: ტაძრები, სასახლეები, თაღები - ტრაგედიებისთვის; ქალაქის მოედანი კერძო სახლებით, მაღაზიებით, სასტუმროებით - კომედიებისთვის; ტყის ლანდშაფტი - პასტორალებისთვის.

რენესანსის მხატვრები განიხილავდნენ სცენას და აუდიტორიას მთლიანობაში. ეს გამოიხატა 1584 წელს ა.პალადიოს დიზაინით აშენებული ოლიმპიკოს თეატრის შექმნით ვიჩენცაში; ამ t-re V. Scamozzi-მ ააშენა შესანიშნავი მუდმივი დეკორაცია, რომელიც ასახავს "იდეალურ ქალაქს" და განკუთვნილია ტრაგედიების დასადგმელად.

იტალიური რენესანსის კრიზისის დროს თეატრის არისტოკრატიზაციამ განაპირობა თეატრალურ სპექტაკლებში გარეგანი წარმოჩენის გაბატონება. ს.სერლიოს რელიეფური დეკორაცია შეიცვალა ბაროკოს სტილის თვალწარმტაცი დეკორაციით. სასამართლო ოპერისა და ბალეტის წარმოდგენის მომხიბვლელი ხასიათი XVI-XVII საუკუნეების ბოლოს. გამოიწვია თეატრალური მექანიზმების ფართო გამოყენება. მხატვარ ბუონტალენტის მხატვარ ბუონტალენტის მიკუთვნებულ ტელარის, სამკუთხა მბრუნავი პრიზმების, მოხატული ტილოებით დაფარული პრიზმების გამოგონებამ შესაძლებელი გახადა დეკორაციის შეცვლა საზოგადოების წინაშე. ასეთი მოძრავი პერსპექტიული პეიზაჟების მოწყობის აღწერა შეგიძლიათ იხილოთ გერმანელი არქიტექტორის ი. ფურტენბახის ნაშრომებში, რომელიც მუშაობდა იტალიაში და აშენდა იტალიური თეატრის ტექნიკას გერმანიაში, ასევე ტრაქტატში „ხელოვნების შესახებ“. სამშენებლო ეტაპები და მანქანები“ (1638) არქიტექტორ ნ.საბატინის მიერ. პერსპექტიული ფერწერის ტექნიკის გაუმჯობესებამ საშუალება მისცა დეკორატორებს შეექმნათ სიღრმის შთაბეჭდილება ტაბლეტის ციცაბო აწევის გარეშე. მსახიობებს შეეძლოთ სცენური სივრცის სრულად გამოყენება. Დასაწყისში. მე-17 საუკუნე გაჩნდა გ.ალეოტის მიერ გამოგონილი კულუარული დეკორაციები. დაინერგა ფრენების ტექნიკური მოწყობილობები, ლუქის სისტემა, ასევე გვერდითი პორტალური ფარები და პორტალური თაღი. ამ ყველაფერმა გამოიწვია ბოქსის სცენის შექმნა.

კულუარული დეკორაციის იტალიური სისტემა მთელ ევროპაში გავრცელდა. ყველა რ. მე-17 საუკუნე ვენის სასამართლო თეატრში ბაროკოს კულუარული დეკორაციები შემოიღო იტალიელმა თეატრის არქიტექტორმა ლ.ბურნაჩინიმ, საფრანგეთში კი ცნობილმა იტალიელმა თეატრის არქიტექტორმა, დეკორატორმა და მანქანათმცოდნე გ.ტორელიმ გენიალურად გამოიყენა პერსპექტიული კულუარული სცენის მიღწევები ოპერის სასამართლო სპექტაკლებში. და ბალეტის ტიპი. ესპანური თეატრი, რომელიც ჯერ კიდევ XVI საუკუნეში იყო შემონახული. პრიმიტიული სამართლიანი სცენა, ითვისებს იტალიურ სისტემას იტალიური თხელის მეშვეობით. კ.ლოტი, რომელიც მუშაობდა ესპანეთის სასამართლო თეატრში (1631 წ.). ლონდონის საქალაქო საზოგადოებრივმა თეატრებმა დიდი ხნის განმავლობაში შეინარჩუნეს შექსპირის ეპოქის პირობითი სცენა, დაყოფილი ზედა, ქვედა და უკანა სცენებად, აუდიტორიაში გაშლილი პროსცენიუმით და მწირი გაფორმებით. ინგლისური თეატრის სცენამ შესაძლებელი გახადა მოქმედების ადგილების სწრაფად შეცვლა მათი თანმიმდევრობით. ინგლისში იტალიური ტიპის პერსპექტიული გაფორმება პირველ კვარტალში შევიდა. მე-17 საუკუნე თეატრის არქიტექტორი ი. ჯონსი სასამართლო სპექტაკლების წარმოებაში. რუსეთში, კულუარული პერსპექტიული დეკორაციები გამოიყენეს 1672 წელს ცარ ალექსეი მიხაილოვიჩის კარზე წარმოდგენებში.

კლასიციზმის ეპოქაში დრამატულმა კანონმა, რომელიც მოითხოვდა ადგილისა და დროის ერთიანობას, დაამტკიცა მუდმივი და შეუქცევადი პეიზაჟი, მოკლებული კონკრეტული ისტორიული მახასიათებლისგან (ტახტის ოთახი ან სასახლის ვესტიბიული ტრაგედიისთვის, ქალაქის მოედანი ან ოთახი. კომედიისთვის). დეკორატიული და სასცენო ეფექტების მთელი მრავალფეროვნება კონცენტრირებული იყო მე-17 საუკუნეში. ოპერისა და ბალეტის ჟანრში და დრამატული სპექტაკლები გამოირჩეოდა დიზაინის სიმკაცრით და სიძუნწით. საფრანგეთისა და ინგლისის თეატრებში, არისტოკრატი მაყურებლების არსებობა სცენაზე, რომელიც მდებარეობს პროსცენის გვერდებზე, ზღუდავდა სპექტაკლების დეკორაციის შესაძლებლობებს. საოპერო ხელოვნების შემდგომმა განვითარებამ განაპირობა ოპერის თეატრის რეფორმა. სიმეტრიის უარყოფა, კუთხური პერსპექტივის დანერგვა დაეხმარა ფერწერის საშუალებით სცენის დიდი სიღრმის ილუზიის შექმნას. დეკორაციის დინამიზმი და ემოციური ექსპრესიულობა მიღწეული იქნა კიაროსკუროს თამაშით, რიტმული მრავალფეროვნებით არქიტექტურული მოტივების განვითარებაში (შტუკოს ორნამენტებით მორთული ბაროკოს დარბაზების გაუთავებელი ენფილადები, სვეტების განმეორებითი რიგები, კიბეები, თაღები, ქანდაკებები). რომლის დახმარებით შეიქმნა არქიტექტურული ნაგებობების გრანდიოზულობის შთაბეჭდილება.

იდეოლოგიური ბრძოლის გამწვავებამ განმანათლებლობაში გამოხატა სხვადასხვა სტილის ბრძოლაში და დეკორატიულ ხელოვნებაში. ბაროკოს სანახაობრივი ბრწყინვალების გაძლიერებასთან და ფეოდალურ-არისტოკრატული მიმართულებისთვის დამახასიათებელი როკოკოს სტილში შესრულებული დეკორაციების გამოჩენასთან ერთად, ამ პერიოდის დეკორატიულ ხელოვნებაში მიმდინარეობდა ბრძოლა თეატრის რეფორმისთვის, განთავისუფლებისთვის. სასამართლო ხელოვნების აბსტრაქტული ბრწყინვალებიდან, ადგილის უფრო ზუსტი ეროვნული და ისტორიული დახასიათებისთვის.მოქმედებები. ამ ბრძოლაში საგანმანათლებლო თეატრი მიუბრუნდა ანტიკური ხანის გმირულ სურათებს, რომლებმაც გამოხატეს კლასიკური სტილის დეკორაციის შექმნა. ეს მიმართულება განსაკუთრებით განვითარდა საფრანგეთში დეკორატორთა J. Servandoni, G. Dumont, P.A. ბრუნეტი, რომელმაც სცენაზე ძველი არქიტექტურის შენობები გაამრავლა. 1759 წელს ვოლტერმა მიაღწია მაყურებლის განდევნას სცენიდან, რითაც გაათავისუფლა დამატებითი სივრცე დეკორაციისთვის. იტალიაში ბაროკოსგან კლასიციზმზე გადასვლამ გამოხატულება ჰპოვა გ.პირანესის შემოქმედებაში.