Termenul introdus de N. Berdyaev, conform criticii predominante din Rusia a secolului al XX-lea. tradiții, denotă artă, în primul rând, literatura Rusiei la începutul secolelor XIX - XX. În contextul original, s-a opus epocii de aur, care includea opera lui A.S. Pușkin, M.Yu. Lermontova, N.V. Gogol, ca o caracteristică mai degrabă negativă, întrucât epoca de argint, venind după cea de aur, presupune un declin, degradare, decadență. În uz modern, nu are un caracter evaluativ sau poartă o notă de poetizare (argint lunar, spiritualitate deosebită).

Acest concept se distinge prin neclaritatea semnificației, atât în ​​ceea ce privește intervalele de timp, cât și în ceea ce privește cercul de autori specifici. Modernismul ca teorie și practică a simbolismului și a stilului Art Nouveau în pictură și grafică - aceștia sunt artiști de la Vasnetsov și Semiradsky la Borisov-Musatov și Trandafirul Albastru, sculptori - de la Antokolsky la Matveev, o arhitectură modernistă specială, precum și teatru și Arte și Meserii.

La începutul secolelor XIX - XX. - epoca de tranziție a școlii de artă rusă. A existat o căutare intensă de noi mijloace vizuale, s-au făcut descoperiri importante în pictura în aer liber (realizări în domeniul culorii; sarcini speciale legate de transmiterea mediului lumină-aer și a relațiilor de culoare în aer liber; schimbarea naturii subiecte). În același timp, s-a păstrat limbajul grafic tradițional, s-a subliniat fidelitatea față de cercul obișnuit de imagini din desen. Artiștii căutau o mai mare decorativitate a culorii, o mai mare expresie și expresivitate. imagine artistică. A fost o perioadă de pasiune pentru strălucirea elegantă a teatrului. Genurile care nu fuseseră populare înainte se dezvoltau rapid - interior, natură moartă.

S-au format noi asociații artistice, diferite din punct de vedere estetic. În 1898 la Sankt Petersburg A.N. Benois și S.P. Diaghilev a creat o asociație de artă « Lumea artei”. Sub redacția lui Diaghilev, din 1899 până în 1904 a apărut o revistă cu același nume. Articolele editoriale ale primelor numere ale revistei au articulat clar principalele prevederi ale „Lumea artei” despre autonomia artei, despre sarcina principală a artei - educarea gusturilor estetice ale societății ruse prin cunoașterea artei mondiale. Datorită excelentelor eseuri ale lui A.N. Benois a apreciat arta engleză și germană într-un mod nou, iar pictura internă a secolului al XVIII-lea a devenit o descoperire pentru societatea rusă. și arhitectura clasicismului din Petersburg.

Artiștii din „Lumea artei” s-au caracterizat prin estetism, înțelegerea frumuseții ca grațioasă, rafinată, predominanța graficii deosebit de decorative, stilizare și ornamentalitate. Cea mai originală moștenire a „Lumii Artei” este reprezentată de grafica de carte și peisajele teatrale extrem de artistice. Principiile „estetizării” realității au determinat retrospectivismul neoromantic al lucrărilor membrilor „Lumii Artei” (peisaje istorice de A.N. Benois, K.A. Somov, E.E. Lansere, gravuri de A.P. Ostroumova-Lebedeva, grafică de șevalet de M. Dobuzhinsky, grafică de carte de I.Ya. Bilibin, pictură teatrală de A.Ya. Golovin, LS Bakst).

În 1901 s-a înființat „Uniunea Artiștilor Ruși” - din „Lumea Artei” și tinerii care au părăsit Asociația Rătăcitorilor. Majoritatea membrilor săi au lucrat în genul vieții de zi cu zi poetice și în tehnica impresioniștilor. Membru al „Unirii” Vasili Nikolaevici Bakşeev(1862-1958) - autorul unor tablouri care povestesc despre relația dintre generații de tați și copii la începutul secolului: „Proza de zi cu zi” (1892), „La masă. Losers” (1901); ele sunt executate în maniera unor replici ușor vagi păstrând în același timp tema „rătăcire” semnificativă din punct de vedere social. Un alt membru al Uniunii Igor Emmanuilovici Grabar(1871-1960) deja în perioada post-revoluționară, a acționat ca principalul artist sovietic, care a lucrat în tehnica pensulei destul de aspre și intermitente. Grabar a pictat peisaje de iarnă („February Blue”, „March Snow”, ambele 1904, „Explică”, 1928) în aer liber, ținând cont de realizările impresioniștilor francezi, dar, nedorind să le imite orbește, scrie în rusă, în culori pure, strat dens de linii mari.

Heinrich Ippolitovici Semiradsky(1843-1902) și Yuli Yulievici Klever(1850-1924) nu au fost membri ai vreunei asociații și uniuni, au fost susținători consecvenți ai artei pure și au evitat genul picturii socio-critice. Ambele au dezvoltat un stil de semnătură care a conferit lucrării lor o individualitate strălucitoare, originalitate și recunoaștere. Semiradsky pe pânzele sale istorice grandioase a dezvăluit o poveste clasică distractivă din istoria sau mitologia antică. Realismul în detaliu și atmosfera de acțiune pentru o lungă perioadă de timp au întârziat privitorul la picturile sale, necesitând o atenție atentă. Au fost publicate adesea pe paginile ziarelor și revistelor, pe cărți poștale de artă. Clover a fost pictorul original de peisaj. El nu s-a străduit pentru acuratețea imaginii și a sacrificat-o liber pentru expresivitatea imaginii în ansamblu. A pictat de bunăvoie toamna și iarna, cu efectele lor decorative severe și dure; a apreciat expresivitatea spotului subliniat, a siluetei, a conturului: acestea au jucat adesea un rol important în picturile sale. Îi plăceau mai ales apusurile în pădurea de iarnă. În vremea sovietică, numele său a fost aproape uitat, iar pânzele au fost expuse exclusiv în muzeele provinciale, datorită faptului că ultimul împărat rus era un fan al operei sale.

86. „Epoca de argint” rusă: literatură. Simbolism

Pe tot parcursul secolului al XIX-lea Literatura rusă era stăpânitorul gândurilor și sufletelor întregului public cititor rus. Literatura era mai mult decât literatură, era opinia publică într-o țară în care nu ar fi trebuit să fie. Tradiția de a urma dictatele literaturii a dus la sfârșitul secolului al XIX-lea. cititorul rus se află într-o fundătură din cauza faptului că au apărut numeroase „tendințe”, grupuri, asociații apărute în cadrul fiecărei arte, și-au declarat atitudinile artistice în manifeste teoretice. Acmeismul și futurismul, moștenind simbolismul, i s-au opus pe diverse temeiuri, criticându-se simultan reciproc și toate celelalte direcții. Urmărirea propriului program creativ a devenit principala valoare pentru poeți și scriitori.

Simbolismul, acmeismul și futurismul devin principalele direcții în conformitate cu „Epoca de Argint”.

Simbolismul este prima și cea mai mare dintre mișcările moderniste care au apărut în Rusia. Ideologul lui a fost Dmitri Sergheevici Merezhkovsky(1866 - 1941). În 1892, a ținut o prelegere „Despre cauzele declinului și noile tendințe în literatura rusă modernă”, unde a dat o justificare teoretică a simbolismului: a susținut că „conținutul mistic”, limbajul simbolului și impresionismului este cel care ar extinde „impresionabilitatea artistică” a literaturii ruse moderne. Și cu puțin timp înainte de spectacol a fost publicată colecția sa de poezii „Simboluri”, care a dat numele noii direcții poetice. Conceptul cheie era un simbol - o alegorie polisemantică. Simbolul conține perspectiva unei extinderi nelimitate a semnificațiilor. Doi ani mai târziu, a fost publicată o colecție de poezii „Simboliști ruși”, de fapt, autorul a tot ceea ce a fost publicat în ea a fost Valeri Iakovlevici Bryusov(1873 - 1924). Motto-ul său era teza: arta este „înțelegerea lumii în alte moduri, neraționale”. El poate fi considerat și un teoretician și un practicant al poeziei noi. Simbolul este o imagine cu drepturi depline și, pe lângă potențiala inepuizabilitate a sensului său, există și muzica „dionisiacă” a versului. Bryusov a rămas pentru totdeauna „căutătorul unui paradis vag”, un maestru care a dovedit că un poet poate transmite toată diversitatea pasiunilor umane inerente cuvântului-simbol-sentiment.

Descoperirile poeticii simbolismului rus constau în inovații „formale”, în mobilitatea și ambiguitatea cuvântului poetic; în noi nuanțe suplimentare și fațete de sens. În fonetica poetică au apărut noi asonante (rime) și aliterații spectaculoase (repetarea consoanelor identice sau omogene).

Călărim de-a lungul mării, de-a lungul mării, de-a lungul mării...

De-a lungul țărmului - zăpadă, nisip și tufișuri;

Între mare și cer, întinderi modelate,

Există un semicerc al unei linii albăstrui.

(V.Ya. Bryusov).

Zinaida Nikolaevna Gippius(1869 - 1945) - autoare de poezie puternică nefeminină; purtător de porecle de la excelent la ofensator, dar mereu cu un strop de admirație; un simbol al „epocii de argint”, poezia simbolismului. Simbolismul nu era nici bine comportat, nici uniform. Smerenia și răzvrătirea coexistau în el. În poeziile tinerei poete, acest lucru se exprimă în sentimentul de alunecare spre abis, care, însă, se va dovedi a fi înșelător pentru ea personal.

Parfum de crin semi-ofălit

Visele îmi întunecă plămânii.

Crinii îmi vorbesc despre moarte

Cam pe vremea când sunt plecat.

(Urmează-mă, 1895).

Arta timpurilor moderne, cu toată varietatea de idei, stiluri și forme, este unită în dorința de a pune totul la îndoială. Repere, s-ar părea, concepute de secole, și-au pierdut certitudinea: viciul a devenit slăbiciune, slăbiciunea - virtute, virtutea - ipocrizie, ipocrizia - o crimă. Nu se poate trăi serios într-o astfel de lume, pentru că nu se poate avea încredere în nimic - nici sentimentele, nici „percepția empirică a conceptelor de timp și distanță, bine și rău, drept și dreptate, natura comportamentului uman în societate”, fenomenul de apare anarhia morală – „emotionant și amenințător în același timp. Prin urmare, o astfel de trăsătură apare ca artificialitate, care este inerentă nu numai versetele simboliștilor.

Machiajul excesiv al lui Gippius este ca o mască, iar masca este un simbol al teatralității; ținutele ciudate (o rochie de seară cu aripi albe, o panglică cu o broșă pe frunte) sunt un simbol al Libertății și protest împotriva celor general acceptate, la fel ca fracul negru al lui A. Blok este un simbol al Sorrow universal, iar puloverul său este un simbol al Libertății creative deja deținute. Gippius mergea în rochii care făceau zgomot și confuzie la Sankt Petersburg și Paris, folosea produse cosmetice indecent de strălucitoare, purta, ca Sarah Bernhardt, bijuterii uriașe, își țesea flori uriașe în păr și așa mai departe până la bătrânețe. Și nu este vorba să încerce să-și ascundă „fața ei adevărată sub diferite înfățișări, astfel încât nimeni să nu ghicească, să afle cine este, ce vrea...”, ci că ea s-a considerat un creator, creându-și propria imagine. , stil , lume proprie. Ea a participat la crearea unei „noui conștiințe religioase”, a unei noi morale etc.

Ea se considera creștină, dar ortodoxia tradițională nu i se potrivea. În asta nu a fost singură; ideea Adunărilor Religio-Filosofice, care i-a aparținut, a găsit un răspuns în rândul gânditorilor serioși ai vremii. Scopul Întâlnirilor a fost proclamat a fi stabilirea înțelegerii reciproce între intelectualitate și biserică. De fapt, ambele părți au căutat să-l convertească pe interlocutor la „credința” lor. Propovăduirea „Al Treilea Testament”, unirea trupului și a duhului, chemările de a asculta chemarea vremurilor nu au putut găsi înțelegere în cercurile bisericești.

Konstantin Dmitrievici Balmont(1867 - 1942) tânjea după „rafinamentul vorbirii lente rusești”. Dintre toți poeții simboliști, el s-a remarcat printr-o melodiozitate deosebită și o sonoritate deosebită a versurilor. Definind poezia simbolistă, Balmont scria: „Aceasta este o poezie în care două conținuturi se îmbină organic: abstracția ascunsă și frumusețea evidentă...”.

Andrei Bely(1880 - 1934) a creat un tip aparte de prezentare literară, ceva între poezie și proză. Diferența față de poezie este în absența rimei și a metrului; din proză – de asemenea o diferență semnificativă în melodiozitatea deosebită a replicilor.

Azure este palid: se uită în umbră

Fețe de piatră a lui Hulks:

De la noapte întunecată la zi albă

Vârfurile rapide clipesc.

Oră după oră, zile după zile

Conectează-ne pentru totdeauna

Luminile ochilor tăi strălucesc

În pleoape pe jumătate închise.

Merezhkovsky, Gippius, Bryusov, Balmont și alții - acesta este un grup de simboliști „seniori” care au fost inițiatorii direcției. La începutul anilor 1900, a apărut un grup de simboliști „juniori” - Bely, S. Solovyov, Vyach. Ivanov, A. Blok și alții.

87. „Epoca de argint” rusă: literatură. Acmeism și futurism

A înlocuit simbolismul în anii 1910. a venit acmeism(din grecescul „acme” - cel mai înalt grad al ceva, timpul de înflorire). Acmeismul a declarat o percepție concret-senzorială a realității, revenirea la cuvânt a sensului său original și, spre deosebire de simboliști, folosirea sensului non-simbolic. Sunt considerați fondatorii acmeismului Nikolai Stepanovici Gumiliov(1886 - 1921) şi Serghei Mitrofanovich Gorodetsky. Gumiliov - cântăreț personalitate puternica, individualist și aristocrat. A scris poezii despre țări exotice, despre războaie și războinici, despre pasiuni violente și sentimente profunde. A fost împușcat sub acuzația de participare la o organizație contrarevoluționară.

De mai multe ori îți amintești de mine

Și întreaga mea lume, incitantă și ciudată,

Lumea ridicolă a cântecelor și a focului

Dar, printre altele, unul este neînselător.

Creare Anna Andreevna Akhmatova(1889 - 1966) ocupă un loc aparte în poezia acmeismului. Prima sa culegere de poezie „Seara” a fost publicată în 1912. Chiar și atunci, trăsăturile speciale ale poeziei ei erau evidente: reținerea intonațiilor, accentuarea intimității temelor, psihologismul. Partea principală a lucrării lui A. A. Akhmatova cade pe perioada sovietică. Tristețea și tristețea, caracteristice poemelor timpurii, au fost păstrate pentru totdeauna în poezia ei în legătură cu circumstanțele vieții ei personale.

Futurism(din lat. viitor) - o tendință de avangardă în arta europeană (italiană) și rusă de la începutul secolului al XX-lea, care reflectă moștenirea artistică și morală, propovăduind distrugerea formelor și convențiilor. Futurismul, a apărut în 1912-1913. Futurismul este eterogen, are multe grupuri, este asociat cu avangardismul artistic: futuriștii sunt aproape întotdeauna poeți și artiști reuniți într-unul singur (V. Mayakovsky, V. Khlebnikov, frații Burliuk). Se caracterizează prin experimente în poetică și pictură bazate pe cele mai recente realizări științifice și tehnologice; dorința de a fundamenta rațional creativitatea; precum şi stângismul politic. După februarie 1917 creează „Guvernul Globului”.

Șocul este un dispozitiv stilistic important al futuriștilor. Culegerea de poezie „O palmă în fața gustului public” a fost însoțită de un manifest al cubo-futuriştilor, care proclama tezele: 1. arunca cultura clasică; 2. un scriitor care este respectat de laic, mireanul însuși; 3. Scriitorul are dreptul să-și mărească vocabularul cu cuvinte arbitrare. În ceea ce privește stilul formal, futuriștii au actualizat semnificațiile multor cuvinte, au schimbat dramatic însăși relația dintre stâlpii semantici ai textului. Ei au creat canonul „construcției deplasate”, binecunoscut nouă din poezie. Vladimir Vladimirovici Maiakovski(1893 - 1930). Proclamând depoetizarea limbii, folosind introducerea unor cuvinte „nepotrivite” stilistic, vulgarisme, termeni tehnici, futuriștii au folosit „deplasarea” pentru a atrage atenția. Un sentiment de deplasare conștientă a apărut deoarece imaginile reduse sau vulgarismul erau folosite în „poziții puternice” unde tradiția dicta, de exemplu, un stil romantic sublim.

Printre direcțiile futurismului se numără: cubo-futuriști(artişti de avangardă („Jack of Diamonds”) şi scriitori din „Gilea”), Velimir Khlebnikov, Burlyukov, Mayakovsky; egofuturism Igor Severyanin; imagism – direcție literarăîn poezia rusă a secolului XX, care a apărut sub influența futurismului, ai cărui reprezentanți au declarat că scopul creativității era acela de a crea o imagine folosind metafora (Serghey Yesenin, Nikolai Erdman, Vadim Shershenevich).

Cel mai mare radicalism creativ s-a remarcat prin Velimir Hlebnikov(1885 - 1922). Poeziile sale sunt caracterizate de un vocabular neobișnuit (inventarea unui număr mare de neologisme), o încălcare deliberată a normelor sintactice, utilizarea activă a unor tehnici metaforice precum personificarea (transferarea proprietăților obiectelor animate la cele neînsuflețite) și pleonasmul (din greacă. după valoare). Un exemplu ar fi celebra poezie „Lăcusta” (1912):

Înaripat cu scris de aur

venele cele mai subțiri,

Lăcustă pusă în corpul burtei

Există multe ierburi de coastă și vera.

„Lovi, lovi, lovi!” - bubui Zinziver.

O lebădă!

O strălucire!

Literatura modernismului. Metoda fluxului de conștiință

Potrivit autorului englez modern Paul Johnson, teoria relativității a lui A. Einstein, care proclama relativismul moral, era indirect legată de apariția literaturii moderniste, pe ai cărei fondatori i-a numit pe Marcel Proust și James Joyce. Lumea nu este așa cum arată, a susținut fizica. Societatea a răspuns: nu se poate avea încredere în sentimente, percepția empirică a conceptelor de timp și distanță, bine și rău, drept și dreptate, natura comportamentului uman în societate. Simțul responsabilității personale și al datoriei a fost subminat. Este timpul pentru anarhie morală.

Teoria lui Sigmund Freud (Interpretarea viselor, 1900) este implicată și în nașterea unor noi forme stilistice în literatură – o teorie gnostică care nu are bază biologică, dar a influențat starea de spirit a publicului. Toată lumea era convinsă de existența unui sistem ascuns de cunoaștere; că în conținutul vizibil se află un sens latent (ascuns) care nu este identic cu cel exterior. Sloganul a devenit popular: tot ceea ce nu este evident poate fi descifrat!

Cu toată influenţa asupra literaturii secolului al XX-lea. romane ale lui Proust și Joyce, ei nu pot fi recunoscuți drept pionieri. Semnificația viselor pentru dezvoltarea intrigii operei a fost un dispozitiv literar de lungă durată și general recunoscut. Dar interpretarea viselor a fost tradițională în conformitate cu cultura populara ca nişte vise profetice. De exemplu, visul lui Grinev din A.S. Pușkin" fiica căpitanului". Nicăieri nu există o asemenea abundență de vise ca în lucrări Fiodor Mihailovici Dostoievski(1821 - 1881) - „Visul unui om ridicol”, „Visul unchiului”, un vis despre un „copil” de Dmitri Karamazov etc. Scriitorul a reușit să transmită foarte exact sentimentele, gândurile, fanteziile, visele oamenilor care își pierduseră sprijinul în lumea reală. Visele lor devin o a doua realitate, mai importantă decât prima.

Intriga povestirii „Visul unui om ridicol” este următoarea. După ce a adormit, un tânăr singuratic, pe care toată lumea îl consideră „cu mari ciudățeni”, este transferat într-o lume care în exterior arată exact ca pământul, dar pe care nu există furie, invidie, gelozie. Eroul începe să le spună locuitorilor de acolo despre viciile lumii sale și, ca urmare, furia, invidia, gelozia și furtul sunt insuflate în lumea lor. Încep să-l disprețuiască și acolo.

Atenția literaturii ruse la subconștientul uman, la urmărirea impulsurilor inconștiente ale acțiunilor și emoțiilor a continuat în timpul „Epocii de Argint”. Tehnica „fluxului conștiinței”, narațiunea neliniară, folosirea laitmotivelor și a montajului ca principii de organizare a textului, expresivitatea și ilogicitatea imaginilor se regăsesc în „Micul demon” (1905) de F. Sologub, „Petersburg” ( 1913-1914) de A. Bely.

Marcel Proust(1871 - 1922) a publicat Under the Shadow of Girls in Bloom în 1919. Acesta a fost începutul unor experimente extinse în timp deconectat și emoții sexuale ascunse. Șase luni mai târziu, a primit Premiul Goncourt pentru asta, dar tirajul nu s-a vândut bine: publicul nu a înțeles romanul, deși a încercat.

scriitor irlandez James Joyce(1882 - 1941) și-a publicat faimosul roman „Ulysses” în 1922. Romanul povestește despre o zi (16 iunie 1904) din viața unui evreu din Dublin în vârstă de 38 de ani, Leopold Bloom, și a unui tânăr de 22 de ani. Ştefan Daedalus.

Bloom și-a bănuit toată ziua soția Molly, cântăreață, că a înșelat cu impresarul ei, dar el însuși este preocupat de organizarea aventurilor sale amoroase. Se plimbă de-a lungul plajelor, unde observă fete tinere, de-a lungul cârciumilor, unde întâlnește shinfeins; merge de-a lungul librării de unde cumpără cărți cu conținut masochist. Stephen Dedalus, care și-a îngropat recent mama, vrea să fie recunoscut ca cercetător al lui Shakespeare, dar nimeni nu acceptă. Alții au succes. Frustrat, Stephen merge la un bordel, moment în care Leopold îi acordă atenție și, simțind o simpatie neașteptată, merge după el. În bordel, ambii eroi, fiecare pe cont propriu, beau, fumează opiu, se retrag cu femei. Stephen o vede pe mama sa deliranta reproșându-i, iar el fuge din bordel. Leopold îl urmează, apoi stau la început jumătate de noapte în ceainăria de noapte și vorbesc despre tot felul de prostii, apoi continuă o conversație ciudată în bucătăria lui Bloom, bând cacao. Ei ies în grădină, urinează împreună și se culcă. Bloom stă în pat cu soția lui, gândindu-se la infidelitățile ei; ea gândește același lucru - despre soțul ei, iubiți și multe altele timp de patruzeci de pagini și fără semne de punctuație. Acesta este ceea ce se numește un flux de conștiință - un șir de gânduri conectate prin asociații și ligamente ciudate și departe de a fi evidente.

Un flux de conștiință este o tehnică folosită într-un context literar pentru a descrie gândurile și sentimentele nerostite ale personajelor, fără a utiliza descrierea obiectivă sau dialogul convențional. Acesta își propune să ofere un echivalent textual al fluxului de gândire al unui personaj fictiv. Acest lucru creează impresia că cititorul ascultă cu urechea fluxul de gândire care are loc în mintea eroului și obține acces la gândurile sale private. Aceasta se traduce într-o formă literară a textului scris, care nu este nici oral, nici scris fără echivoc.

Trăsături comune ale literaturii moderniste. 1. Personajul preferat al prozatorilor moderni - „ om scund”, cel mai adesea imaginea angajatului mediu. 2. Ideea absurdității și lipsei de scop a vieții. Calea de viață a personajelor este o serie de situații, comportamentul personal este o serie de acte de alegere, iar alegerea reală se realizează în situații „limită”, adesea nerealiste. 3. Singurătate totală: o persoană are dreptul să-și creeze norme morale personale prin exercitarea unui act de liberă alegere. 4. O persoană trăiește într-un mediu agresiv; ostilitatea societății față de o persoană de natură irațională, dacă nu chiar mistică. În imaginea prozatorilor moderniști, răul, ca de obicei, îi înconjoară pe eroi din toate părțile. 5. Universalismul mediului artistic: tot ce se întâmplă cu eroii operelor moderniștilor se întâmplă mereu și odată, peste tot și nicăieri. 5. Descoperirea unei astfel de metode noi de prezentare a unui monolog intern ca un „flux de conștiință”, în care atât sentimentul eroului, cât și ceea ce vede el, și gândurile cu asocieri cauzate de imaginile care apar, alături de însăși procesul apariției lor, sunt amestecate, parcă în „forma needitată. Acesta este un nou mijloc de pătrundere în lumea interioară a unei persoane, o perspectivă specială asupra individualității unei persoane și a lumii din jurul său în general, atracția metaforicului sau fantasticului în imaginea vieții de zi cu zi permite realizarea de generalizări calitativ diferite. .

Suprematismul (din latină supremus - cel mai înalt) este una dintre domeniile picturii abstracte, creată la mijlocul anilor 1910. K. Malevici. Scopul Suprematismului este expresia realității în forme simple(linie dreaptă, pătrat, triunghi, cerc), care stau la baza tuturor celorlalte forme ale lumii fizice. În picturile suprematiste, nu există nicio idee despre „sus” și „jos”, „stânga” și „dreapta” - toate direcțiile sunt egale, ca în spațiul cosmic. Spațiul tabloului nu mai este supus gravitației pământului (orientare „sus – jos”), a încetat să mai fie geocentric, adică un „caz special” al universului. Apare o lume independentă, închisă în sine, și în același timp corelată ca egală cu armonia universală a lumii. Celebrul tablou al lui Malevici „Pătratul negru” (1915) a devenit manifestul pictural al suprematismului. Justificarea teoretică a metodei pe care Malevici a conturat-o în lucrarea „De la cubism și futurism la suprematism... Noul realism pictural...” (1916). Adepții și studenții lui Malevich în 1916 s-au unit în grupul Supremus. Metoda suprematistă...

Simbolismul (din franceza simbolism, din greaca simbolon - semn, simbol) este o miscare artistica care a aparut in Franta la sfarsitul anilor '60 si inceputul anilor '70. secolul al 19-lea (inițial în literatură, iar apoi în alte forme de artă - vizuală, muzicală, teatrală) și a inclus în curând și alte fenomene culturale - filozofie, religie, mitologie. Subiectele preferate abordate de simboliști au fost moartea, dragostea, suferința, așteptarea oricăror evenimente. Scene ale istoriei Evangheliei, evenimente jumătate mitice-jumătate istorice din Evul Mediu, mitologia antică au prevalat printre comploturi. Bazele esteticii simbolismului au fost puse de A. Rimbaud, S. Mallarmé, P. Verlaine, K. Hamsun, M. Maeterlinck, E. Verharn, O. Wilde, G. Ibsen, R. Rilke și alții.Simbolismul a devenit răspândită în multe țări din Europa de Vest (Belgia, Germania, Norvegia). Estetica simbolismului se referă la sfera spiritului, „viziunea interioară”. Conceptul simbolist se bazează pe postulatul că în spatele lumii lucrurilor vizibile există o lume adevărată, reală, pe care lumea noastră...

Modern (franceză moderne - mai recent, modern) - stil artisticîn arta europeană la începutul secolelor XIX-XX. ÎN tari diferite a primit diverse denumiri: în Rusia - "modern", în Franța, Belgia, Anglia - "art nouveau", în Germania - "art nouveau", în Austro-Ungaria - "secesiune", în Italia - "libertate". Simbolismul a devenit baza estetică și filozofică a modernității. În ciuda rafinamentului și rafinamentului său, Art Nouveau s-a concentrat asupra consumatorului de masă, menținând în același timp principiul „artei de dragul artei”. Art Nouveau a regândit și stilizat trăsăturile artei diferitelor epoci și și-a dezvoltat propriile tehnici artistice bazate pe principiile asimetriei, ornamentalității și decorativității. Motivele predominante ale Art Nouveau sunt macii, irisii, crinii și alte plante, șerpii, șopârlele, lebedele, valurile, dansul și imaginea unei femei cu părul curgător. Culorile sunt dominate de tonuri reci. Structura compozițională este caracterizată printr-o abundență de contururi curbilinii și contururi neuniforme curgătoare. Art Nouveau a îmbrățișat toate tipurile de arte plastice - pictură, grafică, arte și meșteșuguri...

Raionismul este o tendință în pictura de avangardă rusă, al cărei fondator a fost M. Larionov. Fundamentarea teoretică a metodei sale, a conturat-o în lucrările „Luchism” (1913) și „Pictură luhistă” (1913). Larionov credea că artistul ar trebui să dezvăluie forma rezultată din intersecția razelor reprezentate de linii colorate care emană de la diferite obiecte. N. Goncharova a lucrat și în stilul luchist. În ciuda faptului că raionismul nu a primit o dezvoltare largă, alături de suprematismul lui K. Malevich și cubismul paneuropean, este una dintre primele forme de artă abstractă (neobiectivă) și una dintre primele manifestări ale avangardei. în pictură. Vezi și: Manifestul „Radiante și viitor” (1913). ...

Asociația cubo-futuriștilor „Gilea” a fost cea mai importantă dintre toate grupurile futuriste care au existat în Rusia și cea mai apropiată de futurism propriu-zis. Cubo-futuriști „Gilea” (frații D., V. și N. Burliuk, A. Kruchenykh, V. Mayakovsky, V. Khlebnikov, V. Kamensky, E. Guro etc.), care se autointitulează „futuriști” sau „ budetlyans”, și-au opus aspirațiile futurismului italian și au afirmat cu insistență originalitatea originii futurismului rus. „Budetlyane” s-a străduit pentru autonomie și eliberarea cuvântului (în același timp, sunetul și forma cuvântului au însemnat pentru ei mai mult decât conținutul), au încercat să schimbe sistemul tradițional al unui text literar, de la amestecarea diferitelor genuri. la sintetizarea mai multor tipuri de artă (opera „Victory over the Sun” (1913), muzică de M. Matyushin, text de A. Krucenykh, decor de K. Malevich). Artistul I. Zdanevici l-a numit pe acesta unul dintre cele mai importante principii ale cubo-futurismului „tot-ness”. Cubofuturiștii au identificat cuvântul poetic cu lucrul, l-au transformat într-un material capabil de orice transformare, cuvântul poetic a fost conceput de ei ca un mijloc „material” universal de înțelegere a fundamentelor ființei și reorganizare...

Avangarda (din avangarda franceză - detașament avansat) - un nume generalizat pentru diverse direcții artistice(abstractionism, cubism, suprarealism, futurism, dadaism, expresionism etc.) arta secolului al XX-lea, care se caracterizeaza prin respingerea traditiilor consacrate in practica artistica si dorinta de noi forme si metode de exprimare si impact asupra privitorului. În toate tendințele de avangardă, în ciuda marii lor diversități, se pot distinge trăsături comune: respingerea normelor imaginii clasice, noutatea formală, deformarea formelor, expresia și diverse transformări de joc. Toate acestea duc la estomparea granițelor dintre artă și realitate, creând idealul unei opere de artă deschise care invadează direct mediul și este concepută pentru un dialog între artist și privitor. Formarea mișcărilor de avangardă a avut loc în anii 1900-1930. În Rusia, transformările de avangardă au afectat aproape toate domeniile artei - pictură (K. Malevich, V. Kandinsky, M. Larionov, N. Goncharova, P. Filonov, V. Tatlin, N. Kulbin etc.), muzica ( M. Matyushin, DAR....

La începutul secolelor XIX-XX, în pictura rusă au avut loc schimbări semnificative. Scenele de gen au trecut pe fundal. Peisajul și-a pierdut calitatea fotografică și perspectiva liniară, devenind mai democratic, bazat pe combinarea și jocul de pete de culoare. Portretele au combinat adesea convenționalitatea ornamentală a fundalului și claritatea sculpturală a feței.

Începutul unei noi etape a picturii rusești este asociat cu asociația creativă „Lumea artei”. La sfârșitul anilor 80 ai secolului al XIX-lea. la Sankt Petersburg a luat naștere un cerc de studenți și studenți de gimnaziu, iubitori de artă. S-au adunat la apartamentul unuia dintre participanți - Alexandre Benois. Fermecător, capabil să creeze o atmosferă creativă în jurul său, de la bun început a devenit sufletul cercului. Membrii săi permanenți au fost Constantin Somov și Lev Bakst . Lor li s-a alăturat mai târziu Eugene Lanceray, nepotul lui Benois și Serghei Diaghilev care venea din provincie.

Întâlnirile cercului au avut un caracter un pic clovnesc. Dar rapoartele transmise de membrii săi au fost pregătite cu atenție și seriozitate. Prietenii au fost fascinați de ideea de a uni toate tipurile de artă și de a reuni culturile diferitelor popoare. Au vorbit cu anxietate și amărăciune despre faptul că arta rusă este puțin cunoscută în Occident și că maeștrii ruși nu sunt suficient de familiarizați cu realizările artiștilor europeni contemporani.

Prietenii au crescut, au intrat în creativitate, și-au creat prima lucrare serioasă. Și nu au observat cum se afla Diaghilev în fruntea cercului. Fostul provincial s-a transformat într-un tânăr foarte educat, cu un gust artistic rafinat și o perspicacitate pentru afaceri. El însuși nu a fost angajat profesional în niciun fel de artă, ci a devenit principalul organizator al unei noi asociații creative. În caracterul lui Diaghilev, eficiența și calculul sobru coexistau cu o anumită aventură, iar întreprinderile sale îndrăznețe aduceau cel mai adesea noroc.

În 1898, Diaghilev a organizat la Sankt Petersburg o expoziție a artiștilor ruși și finlandezi. În esență, aceasta a fost prima expoziție a artiștilor din noua direcție. Au urmat alte expoziții și, în cele din urmă, în 1906 - o expoziție la Paris „Două secole de pictură și sculptură rusă”. „Descoperirea culturală” a Rusiei în Europa de Vest s-a datorat eforturilor și entuziasmului lui Diaghilev și a prietenilor săi.

În 1898, cercul Benois-Dyagilev a început să publice revista „Lumea artei”. Articolul programatic al lui Diaghilev afirma că scopul artei este autoexprimarea creatorului. Arta, scria Diaghilev, nu trebuie folosită pentru a ilustra vreo doctrină socială. Dacă este autentic, este în sine adevărul vieții, o generalizare artistică și uneori o revelație.

Denumirea „World of Art” din revistă a trecut la asociația creativă a artiștilor, a cărei coloană vertebrală era toți același cerc. În asociație s-au alăturat maeștri precum V. A. Serov, M. A. Vrubel, M. V. Nesterov, I. I. Levitan, N. K. Roerich. Toți semănau puțin unul cu celălalt, lucrau într-o manieră creativă diferită. Și totuși, în munca, stările de spirit și opiniile lor erau multe în comun.

Miriskusnikii erau îngrijorați de apariția erei industriale, când orașele uriașe au crescut, construite cu clădiri fără chip și locuite de oameni singuri. Erau îngrijorați că arta, menită să aducă armonie și pace la viață, era din ce în ce mai mult stors din ea și a devenit proprietatea unui mic cerc de „aleși”. Ei sperau că arta, revenind la viață, va înmuia, spiritualiza și uni oamenii treptat.

„World of Art” credea că în vremurile preindustriale oamenii intrau în contact mai strâns cu arta și natura. Secolul al XVIII-lea li s-a părut deosebit de atractiv. Dar încă au înțeles că epoca lui Voltaire și Catherine nu era atât de armonioasă pe cât li se pare și, prin urmare, unitatea de peisaje de la Versailles și Țarskoie Selo cu regi, împărătese, cavaleri și doamne este învăluită într-o ceață ușoară de tristețe și egoism. ironie. Fiecare astfel de peisaj de A. N. Benois, K. A. Somov sau E. E. Lansere s-a încheiat cu un oftat: păcat că a trecut irevocabil! Păcat că nu a fost chiar atât de frumos!

Pictura în ulei, care părea oarecum grea artiștilor din lumea artei, a trecut în fundal în munca lor. Acuarela, pastelul, guașa au fost folosite mult mai des, ceea ce a făcut posibilă realizarea de lucrări în culori deschise, aerisite. Desenul a jucat un rol deosebit în munca noii generații de artiști. Arta gravurii a fost reînviată. Un mare merit în acest sens îi aparține lui A.P.Ostroumova-Lebedeva. Stăpână a peisajului urban, ea a surprins în gravurile sale multe orașe europene (Roma, Paris, Amsterdam, Bruges). Dar în centrul muncii ei se afla Sankt Petersburg și suburbiile sale palate - Tsarskoye Selo, Pavlovsk, Gatchina. Aspectul sever restrâns al capitalei nordice pe gravurile ei s-a reflectat în ritmul intens al siluetelor și liniilor, în contrastele culorilor alb, negru și gri.

Reînvierea graficii cărții, arta cărții, este legată de opera Lumii Artei. Fără a se limita la ilustrații, artiștii au introdus în cărți coperți, viniete complicate și terminații în stil Art Nouveau. S-a înțeles că designul cărții ar trebui să fie strâns legat de conținutul acesteia. Designerul grafic a început să acorde atenție unor detalii precum dimensiunea cărții, culoarea hârtiei, fontul, marginea. Mulți maeștri remarcabili din acea vreme au fost implicați în proiectarea cărților. „Călărețul de bronz” al lui Pușkin este strâns legat de desenele lui Benois, iar „Hadji Murad” al lui Tolstoi - cu ilustrațiile lui Lansere. Începutul secolului al XX-lea depuse pe rafturile bibliotecii cu multe exemple de înaltă calitate de artă de carte.

Artiștii „Lumii Artei” au adus un generos omagiu artei, în special muzicii. Peisajul artiștilor din acea vreme - uneori rafinat, alteori arzător ca un foc - combinat cu muzică, dans, cânt, au creat un spectacol orbitor de lux. L. S. Bakst a avut o contribuție semnificativă la succesul baletului Șeherazada (la muzica lui Rimski-Korsakov). A. Ya. Golovin a conceput baletul The Firebird (pe muzică de I. F. Stravinsky) la fel de strălucitor și festiv. Peisajul lui N. K. Roerich pentru opera „Prințul Igor”, dimpotrivă, este foarte reținut și sever.

Baletul „Petrushka”, care a ocolit scena teatrului în multe țări, a fost o lucrare comună a compozitorului Igor Stravinsky și a artistului Alexander Benois. Povestea nepretențioasă despre modul în care Petrușka s-a îndrăgostit de Balerina, jucată cu grație, cu ușoară ironie și tristețe, a inspirat gânduri triste despre soarta artistului într-o lume nemiloasă dominată de forța fizică și pasiuni grosolane.

În domeniul picturii teatrale, „Lumea artei” s-a apropiat cel mai mult de a-și îndeplini visul prețuit - de a combina diferite tipuri de artă într-o singură lucrare.

Soarta asociației „World of Art” nu a fost ușoară. Revista a încetat să apară după 1904. Până atunci, mulți artiști s-au îndepărtat de asociație și a fost redusă la dimensiunea cercului original. Conexiunile creative și personale ale membrilor săi au continuat mulți ani. Lumea artei a devenit un simbol artistic al graniței dintre două secole. O întreagă etapă în dezvoltarea picturii ruse este asociată cu el. Un loc special în asociație l-au ocupat M. A. Vrubel, M. V. Nesterov și N. K. Roerich.

Mihail Alexandrovici Vrubel (1856 - 1910) a fost un maestru versatil. A lucrat cu succes la picturi monumentale, picturi, decorațiuni, ilustrații de carte, desene pentru vitralii. Și a rămas mereu el însuși, pasionat, dependent, vulnerabil. Trei teme principale, trei motive îi străbat opera.

Prima, sublimă spiritual, s-a manifestat, în primul rând, în chipul tinerei Maicii Domnului cu prunc, pictată pentru catapeteasma Bisericii Sf. Chiril din Kiev.

Motivele demonice ale lui Vrubel au fost inspirate din poezia lui Lermontov. Dar Demonul lui Vrubel a devenit o imagine artistică independentă. Pentru Vrubel, Demonul, un înger căzut și păcătos, s-a dovedit a fi ca un al doilea „eu” - un fel de erou liric. Cu o forță deosebită, această temă a sunat în filmul „Demonul așezat”. Puternica figura a Demonului acoperă aproape întreaga pânză. Se pare că ar trebui să se ridice și să se îndrepte. Dar mâinile sunt coborâte, degetele sunt strânse dureros și există un dor profund în ochi. Așa este Demonul lui Vrubel: spre deosebire de cel al lui Lermontov, el nu este atât un distrugător fără milă, cât o persoană care suferă.

În 1896, pentru Expoziția Rusă de la Nijni Novgorod, Vrubel a pictat panoul „Mikula Selyaninovici”, în care l-a înzestrat pe erou-plugarul popular cu o asemenea putere, ca și cum puterea primitivă a pământului însuși ar fi cuprinsă în el. Deci, în opera lui Vrubel, a apărut o a treia direcție - epic-folk. În acest spirit a fost scris și „Bogatyr”-ul său, exagerat de puternic, așezat pe un cal imens. Tabloul „Pan” se alătură acestei serii. Zeitatea pădurii este înfățișată ca un bătrân ridat, cu ochi albaștri și mâini puternice.

Ultimii ani ai vieții lui Vrubel au fost sortiți unei boli mintale severe. În momentele de iluminare, în el s-au născut idei noi - „Viziunea profetului Ezechiel”, „Serafimi cu șase aripi”. Poate că a vrut să combine, să îmbine cele trei direcții principale ale muncii sale. Dar o astfel de sinteză era peste puterea chiar și a lui Vrubel. În ziua înmormântării sale, Benois a spus că generațiile viitoare „vor privi înapoi la ultimele decenii ale secolului al XIX-lea. ca în „era Vrubel”... În el s-a exprimat timpul nostru în cel mai frumos și mai trist lucru de care era capabil.

Mihail Vasilievici Nesterov (1862-1942) și-a scris primele lucrări în spiritul Rătăcitorilor. Dar apoi motive religioase au răsunat în opera lui. Nesterov a pictat o serie de picturi dedicate lui Serghei Radonezhsky. Cea mai veche dintre acestea a fost pictura „Viziunea pentru tineretul Bartolomeu” (1889-1890). Un băiat cu cap alb căruia i s-a repartizat mult să devină ghid spiritual Rusia antică, ascultă cu evlavie cuvintele profetice, iar toată natura, simplul peisaj rusesc de la sfârșitul verii, părea să fie plin de acest sentiment de evlavie.

Natura joacă un rol deosebit în pictura lui Nesterov. În picturile sale, ea acționează ca o „protagonistă”, sporind starea de spirit generală. Artistul a avut succes mai ales în peisajele subțiri și transparente ale verii nordice. Îi plăcea să deseneze natura Rusiei Centrale în pragul toamnei, când câmpurile liniștite și pădurile se acordau așteptărilor ei. Nesterov nu are aproape niciun peisaj „pustiu”, iar picturile fără peisaje sunt rare.

Motivele religioase din opera lui Nesterov au fost exprimate pe deplin în pictura sa bisericească. Conform schițelor sale, pe fațadele Bisericii Învierea lui Hristos, ridicată la Sankt Petersburg, la locul asasinarii lui Alexandru al II-lea, au fost executate unele lucrări de mozaic.

Artistul a creat o întreagă galerie de portrete ale unor oameni importanți ai Rusiei. Cel mai adesea, el și-a înfățișat eroii în aer liber, continuând tema sa preferată a „dialogului” dintre om și natură. L. N. Tolstoi a fost surprins într-un colț îndepărtat al parcului Yasnaya Polyana, filozofii religioși S. N. Bulgakov și P. A. Florensky - în timpul unei plimbări (poza „Filozofi”).

Portretul a devenit punctul central al lucrării lui Nesterov în anii puterii sovietice. A scris în principal persoane apropiate lui în spirit, intelectuali ruși. Realizarea sa deosebită a fost portretul expresiv al academicianului I. P. Pavlov.

Nicolae Roerich (1874 - 1947) în timpul vieții a realizat peste șapte mii de tablouri. Au decorat muzeele multor orașe din țara noastră și din străinătate. Artistul a devenit o figură publică de talie mondială. Dar stadiul incipient al lucrării sale aparține Rusiei.

Roerich a ajuns la pictură prin arheologie. Chiar și în anii săi de gimnaziu, a participat la săpăturile vechilor movile funerare. Imaginația tânărului a desenat imagini vii ale epocilor îndepărtate. După gimnaziu, Roerich a intrat simultan la universitate și la Academia de Arte. Tânărul artist a început să pună în aplicare prima sa mare idee - o serie de picturi „Începutul Rusiei. slavi”.

Prima poză din această serie, „Messenger. Ridicați-vă împotriva clanului ”, a fost scris în felul Rătăcitorilor. În viitor, culoarea a început să joace un rol din ce în ce mai activ în pictura lui Roerich - pură, intensă, neobișnuit de expresivă. Deci imaginea „Oaspeți de peste mări” este scrisă. Cu o culoare albastru-verde intensă, artista a reușit să transmită puritatea și răceala apei râului. Vela galben-purie a unei bărci de peste mări stropi în vânt. Reflecția lui se sparge în valuri. Jocul acestor culori este înconjurat de o linie punctată albă de pescăruși zburători.

Cu tot interesul pentru antichitate, Roerich nu a părăsit viața modernă, i-a ascultat vocile, a știut să prindă ceea ce alții nu auzeau. A fost profund deranjat de situația din Rusia și din lume. Începând cu 1912, Roerich a creat o serie de picturi ciudate în care, se pare, nu există un loc definit de acțiune, epocile sunt amestecate. Acestea sunt un fel de „vise profetice”. Unul dintre aceste tablouri se numește „Ultimul înger”. În nori roșii învolburați, un înger urcă, lăsând pământul cuprins de foc.

În picturile pictate în anii războiului, Roerich încearcă să recreeze valorile religiei și ale muncii pașnice. Se îndreaptă spre motivele ortodoxiei populare. Pe pânzele sale, sfinții coboară pe pământ, feresc nenorocirea oamenilor, îi feresc de pericole. Roerich a finalizat ultimele picturi ale acestei serii deja într-o țară străină. Pe unul dintre ele („Zvenigorod”), sfinți în veșminte albe și cu aureole aurii ies dintr-un templu antic și binecuvântează pământul. În Rusia sovietică, la acea vreme, se desfășura persecuția asupra bisericii, bisericile erau distruse și profanate. Sfinții mergeau la oameni.

Procese similare au avut loc în pictura rusă. Poziții puternice au fost deținute de reprezentanții școlii academice ruse și de moștenitorii Wanderers - I. E. Repin, V. I. Surikov, S. A. Korovin. Dar trendsetter-ul a fost stilul, numit „modern”. Adepții acestei direcții s-au unit în societatea creativă „World of Art”.

The World of Art, The World of Art, este o asociație de artiști creată la Sankt Petersburg la sfârșitul secolului al XIX-lea, care s-a declarat cu o revistă și expoziții, de la al cărei nume și-a luat numele. În momente diferite, aproape toți artiștii ruși de top au fost incluși în lumea artei: L. Bakst, A. Benois, M. Vrubel, A. Golovin, M. Dobuzhinsky, K. Korovin, E. Lansere, I. Levitan, M. Nesterov, V. Serov, K. Somov și alții Toți, foarte diferiți, au fost uniți de protestul împotriva artei oficiale promovate de Academie, și a naturalismului Rătăcitorilor. Sloganul cercului era „arta de dragul artei” în sensul că creativitatea artistică în sine poartă cea mai mare valoare și nu are nevoie de prescripții ideologice din afară. În același timp, această asociație nu a reprezentat nicio mișcare artistică, regie sau școală. Era alcătuit din indivizi strălucitori, fiecare a mers pe drumul său.

Arta „Lumii Artei” a apărut „pe marginea penelor subțiri ale graficienilor și poeților”. Atmosfera de nou romantism, care a pătruns în Rusia din Europa, a rezultat în capriciile vignetelor revistelor la modă de atunci ale simboliștilor moscoviți Libra, Lâna de aur. Designul gardurilor cu model din Sankt Petersburg a fost legat de aspirațiile artiștilor cercului Abramtsevo I. Bilibin, M. Vrubel, V. Vasnetsov, S. Malyutin de a crea un „stil național rus”. Sufletul redacției revistei „Lumea artei” a fost A. Benois, organizator a fost S. Diaghilev. Pe paginile revistei s-a acordat multă atenție problemelor teoretice: problema sintezei artistice și a metodei sintetice, grafica de carte și specificul acesteia, popularizarea operei artiștilor occidentali contemporani. Petersburg, „fereastra spre Europa”, imaginea sa ca simbol al unității culturii ruse și vest-europene (așa-numitul stil Petersburg) a ocupat un loc special în opera Lumii Artei. Petru cel Mare, conform lui Benois, a fost „idolul principal al cercului lor”. Artiștii „Lumii artei” și „stilului modern” au adus un omagiu. În 1902-1903. La Sankt Petersburg, Lumea Artei a organizat un salon permanent „Arta Modernă”, unde au fost expuse lucrări de artă decorativă și aplicată și design interior, reflectând noile tendințe ale Art Nouveau. În 1903, Lumea Artelor din Sankt Petersburg s-a unit cu grupul din Moscova „36 Artiști”, în urma căruia s-a format „Uniunea Artiștilor Ruși”. În 1904, revista „Lumea artei” și-a încheiat existența.

„Jack of Diamonds” - o expoziție și apoi o asociație a pictorilor moscoviți din 1910-1917, care a inclus V. Bart, V. Burliuk, D. Burliuk, N. Goncharova, N. Konchalovsky, A. Kuprin, N Kulbin, M. Larionov, A. Lentulov, K. Malevich, I. Mashkov, R. Falk, A. Exter și alții.

Expozițiile asociației au fost impregnate de atmosfera unui stand, un spectacol de stradă sfidător îndrăzneț. „Knaves of Diamonds” au tachinat publicul nu numai cu pânzele lor strălucitoare și aspre, ci și cu întreaga lor înfățișare, dispute la dispute și manifeste provocatoare. Mai presus de toate acestea plutea spiritul primitivului poporului. Mai târziu, Cavalerii Diamantelor au început să se străduiască să aducă arta rusă mai aproape de realizările postimpresionismului vest-european, de cultura formei realizată de artiștii francezi și, mai ales, de P. Cezanne. În același timp, maeștrii ruși ai „Jack of Diamonds” s-au dovedit a nu fi simpli imitatori și stiliști. Picturile lor - în mare parte peisaje și naturi moarte, în care este mai ușor să se efectueze căutări formale - s-au distins printr-un temperament special, pur rusesc, amploarea tehnicii, bogăția de culoare și decorativitate. Indicative sunt afirmațiile artiștilor înșiși că nu acceptă fauvismul sau cubismul ca atare, ci se străduiesc să creeze „realism sintetic”. Cavalerii Diamantelor, respingând narațiunea Rătăcitorilor și estetismul Lumii Artei, au introdus în „cezanism” exotismul pur rusesc și „estetica semnelor”. Mashkov a susținut că „semnalele de magazine sunt ale noastre... în ceea ce privește expresivitatea energetică, lapidaritatea formelor, principiile picturale și de contur... Aceasta este ceea ce am adus în cezanneism”.

Pe lângă expoziții, artiștii au susținut dezbateri publice cu rapoarte despre artă contemporană culegeri de articole publicate. V. Kandinsky, A. Yavlensky, care locuia atunci la München, au participat și ei la expozițiile „Jack of Diamonds”, au fost expuse picturi ale artiștilor francezi: J. Braque, C. Van Dongen, F. Vallotton, M. Vlaminck , A. Gleizes, R. Delaunay . A. Derain, A. Le Fauconnier, A. Marquet, A. Matisse, P. Picasso, A. Rousseau, P. Signac și mulți alții. Cu toate acestea, asociația a fost sfâșiată de contradicții. În 1912, protestând împotriva „cezanismului”, Larionov și Goncharova l-au părăsit și au organizat o expoziție independentă numită „Coada măgarului”. În 1916, Konchalovsky și Mashkov s-au mutat în lumea artei. În 1917 au fost urmați de Kuprin, Lentulov, V. Rozhdestvensky, Falk. După aceea, asociația a încetat practic să mai existe.

Pe lângă cele enumerate mai sus, la începutul celor două secole, în perioada ruperii vechilor concepte și idealuri, au apărut multe alte asociații și curente. Simpla enumerare a numelor lor vorbește despre însuși spiritul de rebeliune, despre setea de schimbări radicale în ideologie și stil de viață: „Stray Dog”, „House of Interludes”, „Halt of Comedians”, „Pegasus Stall”, „Red Rooster” , etc.

O serie de artiști majori ruși - V. Kandinsky, M. Chagall, P. Filonov și alții - au intrat în istoria culturii mondiale ca reprezentanți ai stilurilor unice care combinau tendințele avangardiste cu tradițiile naționale rusești.

Kandinsky credea că sensul cel mai interior poate fi exprimat cel mai pe deplin în compoziții organizate pe baza ritmului, efectului psihofizic al culorii, contrastelor de dinamică și statică.

Pânzele abstracte au fost grupate de artist în trei cicluri: „Impresii”, „Improvizații” și „Compoziții”. Ritmul, sunetul emoționant al culorii, vigoarea liniilor și petelor compozițiilor sale picturale au fost chemate pentru a exprima senzații lirice puternice, asemănătoare sentimentelor trezite de muzică, poezie și priveliști ale unor peisaje frumoase. Purtătorul de experiențe interioare în compozițiile neobiective ale lui Kandinsky a fost orchestrația coloristică și compozițională, realizată prin mijloace picturale - culoare, punct, linie, pată, plan, ciocnire contrastantă de pete colorate.

Marc Chagall (1887-1985), pictor și grafician. Originar din Rusia, din 1922 în străinătate.

În 1912, artistul a expus pentru prima dată la Salonul de Toamnă; și-a trimis lucrările la expozițiile de la Moscova „World of Art” (1912), „Coada măgarului” (1912), „Target” (1913). Până la sfârșitul zilelor sale, Chagall s-a autointitulat „artist rus”, subliniind comunitatea familiei sale cu tradiția rusă, care includea pictura de icoane, opera lui Vrubel și lucrările de panouri fără nume și pictura de extremă stângă.

Tehnicile formale inovatoare ale cubismului și orfismului, învățate în anii vieții pariziene - deformarea geometrizată și fațetarea volumelor, organizarea ritmică, culoarea condiționată - la Chagall aveau drept scop crearea unei atmosfere emoționale tensionate a picturilor. Realitatea cotidiană de pe pânzele sale a fost iluminată și spiritualizată de mituri veșnic vii, marile teme ale ciclului vieții - naștere, nuntă, moarte. Acțiunea din pânzele neobișnuite ale lui Chagall s-a desfășurat după legi speciale, unde trecutul și viitorul, fantasmagoria și viața de zi cu zi, misticismul și realitatea s-au contopit. Esența vizionară (de visare) a lucrărilor, cuplată cu un început figurativ, cu o profundă „dimensiune umană”, a făcut din Chagall precursorul unor tendințe precum expresionismul și suprarealismul.

FILONOV Pavel Nikolaevici, pictor rus, grafician, ilustrator de carte, teoretician al artei. Creatorul unei direcții speciale - „arta analitică”.

Aderarea în 1910 la Uniunea Tineretului și apropierea de membri ai grupului Gilea (V. V. Hlebnikov, V. V. Mayakovsky, A. E. Krucenykh, frații Burliuk etc.) au influențat formarea lui Filonov, care s-a transformat în scurt timp într-unul dintre cei mai importanți pictori ai avangarda rusă.

În articolul „Canon și Drept” (1912) el și-a conturat mai întâi teoria artei analitice. Sensul său principal poate fi definit ca dorința de a exprima în pictură, artă plastică principiul creșterii organice a formei artistice, adecvate proprietăților și proceselor care apar în natură. Acesta a fost opusul metodei filoniene cu metodele raționale ale cubismului, futurismului, non-obiectivității geometrice. Prima asociație creată de artist în 1914 s-a numit „Made Pictures”; una dintre principalele prevederi ale metodei sale analitice, el a declarat „principiul fierberii”: studiul minuțios al fiecărui milimetru pătrat al suprafeței picturale era o condiție indispensabilă pentru realizarea unei imagini arbitrar de mare. „Un lucru făcut cu grijă”, imaginea trebuia să afecteze emoțiile privitorului și să-l facă să accepte nu numai ceea ce vede artistul în lume, ci și ceea ce știe despre ea. Cu o îndemânare profesională rară, artistul a combinat în lucrările sale claritatea expresionistă și arhaismul neoprimitivist al imaginilor.

Sculptura a cunoscut, de asemenea, o ascensiune creativă în această perioadă. Trezirea ei s-a datorat în mare parte tendințelor impresionismului. Progrese semnificative pe calea reînnoirii a fost realizat de P.P. Trubetskoy. Portretele sale sculpturale ale lui L.N. Tolstoi, S.Yu. Witte, F.I. Chaliapin și alții.. Ei au reflectat în mod constant principala regulă artistică a maestrului: să surprindă, chiar dacă puțin vizibilă mișcarea interioară instantanee a unei persoane.

Combinația dintre impresionism și tendințele moderne caracterizează opera lui A.S. Golubkina. În imagini simbolice generalizate, ea a încercat să transmită spiritul puternic și conștiința trezită a muncitorilor („Fier”, 1897; „Merg”, 1903; „Așezat”, 1912 - toate ipsos, Muzeul Rus; „Muncitor”, ipsos, 1909, Galeria Tretiakov). Fluiditatea impresionistă a formelor, bogăția contrastelor de umbre (caracteristice, în primul rând, pentru lucrările timpurii ale sculptorului), apel la simbolism în spiritul Art Nouveau (înalt relief „Înotător”, sau „Val”, pe fațada lui Teatrul de Artă din Moscova, ipsos, 1909; „Mesteacăn”, ipsos, 1927, Muzeul Rus) coexistă în opera Golubkinei cu căutarea constructivității și a clarității plastice, manifestată mai ales în portretele sale psihologice acute (Andrei Bely, ipsos, 1907; EP Nosova, marmură, 1912; TA Ivanova, ipsos, 1925 - toate în Muzeul Rus; A. N. Tolstoi, A. M. Remezov, ambele lemn, 1911, V. F. Ern, lemn, 1913; G. I. Savinsky, bronz - Galeria Tretiakov).

O amprentă semnificativă în arta rusă a epocii de argint a lăsat-o S.T. Konenkov.(1874-1971) Un maestru remarcabil al sculpturii rusești de simbolism și modernitate, care a continuat tradițiile „Epocii de Argint” în condiții istorice complet noi. Arta lui Michelangelo, precum și plasticitatea culturilor arhaice ale Mediteranei, au avut o influență deosebită asupra lui. Aceste impresii sunt strâns legate în opera lui Konenkov de folclorul țărănesc rus, creând o fuziune stilistică surprinzător de originală.

Imaginile maestrului au fost inițial pline de o mare dinamică internă. Figurile sale masculine sunt adesea prezentate într-o luptă cu materia inertă, cu forța gravitației, pe care se străduiesc să o depășească (cum este „Samson Breaking the Bonds”, pentru care a primit titlul academic de artist, 1902; figura are nepăstrat) și depășit intens dramatic în artă ( „Paganini”, prima versiune - 1906, Muzeul Rus). Imaginile feminine, dimpotrivă, sunt pline de armonie tinerească și strălucitoare („Nike”, 1906; „Young”, 1916; ambele în Galeria Tretiakov). Omul de aici, așa cum se întâmplă adesea în arta modernă, apare ca parte integrantă a elementului natural, care fie îl absoarbe, fie se retrage, învins de voința lui.