Dezvoltarea ulterioară a picturii europene este asociată cu impresionismul. Acest termen s-a născut întâmplător. Motivul a fost denumirea peisajului de C. Monet „Impresiune. Răsărit ”(vezi Anexa nr. 1, Fig. 3) (din impresia franceză - impresie), apărută la expoziția impresionistă din 1874. Aceasta este prima reprezentație publică a unui grup de artiști, care a inclus C. Monet, E. Degas, O. Renoir, A. Sisley, K. Pissarro și alții, a fost întâmpinată cu ridicol grosolan și hărțuire de criticile burgheze oficiale. Adevărat, deja de la sfârșitul anilor 1880, metodele formale ale picturii lor au fost preluate de reprezentanții artei academice, ceea ce i-a dat motivului lui Degas să remarcă cu amărăciune: „Am fost împușcați, dar în același timp buzunarele noastre au fost jefuite”.

Acum că dezbaterea aprinsă despre impresionism aparține trecutului, aproape nimeni nu va îndrăzni să conteste faptul că mișcarea impresionistă a fost un pas suplimentar în dezvoltarea picturii realiste europene. „Impresionismul este, în primul rând, arta de a observa realitatea, care a atins un rafinament fără precedent” (V. N. Prokofiev). Străduind pentru maximă imediație și acuratețe în transferul lumii vizibile, au început să picteze mai ales în aer liber și au ridicat importanța unui studiu din natură, care aproape a înlocuit tipul tradițional de pictură, creat cu grijă și încet în atelier.

Clarificându-și în mod constant paleta, impresioniștii au eliberat pictura de lacuri și vopsele de pământ și maro. Întunericitatea condiționată, „muzeu” din pânzele lor lasă loc unui joc infinit divers de reflexe și umbre colorate. Au extins nemăsurat posibilitățile artei plastice, descoperind nu numai lumea soarelui, a luminii și a aerului, ci și frumusețea ceților, atmosfera agitată a vieții marilor orașe, împrăștierea luminilor nocturne și ritmul mișcării continue.

În virtutea însăși metodei de lucru în aer liber, peisajul, inclusiv peisajul urban pe care l-au descoperit, a ocupat un loc foarte important în arta impresioniștilor. Cât de organic s-au îmbinat tradiția și inovația în arta impresioniștilor este dovedit, în primul rând, de opera remarcabilului pictor al secolului al XIX-lea Edouard Manet (1832-1883). Adevărat, el însuși nu s-a considerat un reprezentant al impresionismului și a expus întotdeauna separat, dar în termeni ideologici și de viziune asupra lumii, a fost, fără îndoială, atât precursorul, cât și liderul ideologic al acestei mișcări.

La începutul carierei, E. Manet este ostracizat (o batjocură la adresa societății). În ochii publicului și criticii burghez, arta sa devine sinonimă cu urâtul, iar artistul însuși este numit „un nebun care pictează, tremurând în delirium tremens” (M. de Montifo) (vezi Anexa nr. 1, Fig. 4). Doar cele mai perspicace minți ale acelei vremuri au putut să aprecieze talentul lui Manet. Printre aceștia s-a numărat și C. Baudelaire și tânărul E. Zola, care au declarat că „Domnul Manet este destinat unui loc în Luvru”.

Impresionismul și-a primit expresia cea mai consistentă, dar și de anvergură în opera lui Claude Monet (1840-1926). Numele său este adesea asociat cu realizările acestei metode picturale precum transferul stărilor de tranziție evazive ale luminii, vibrația luminii și a aerului, relația lor în procesul de schimbări și transformări necontenite. „Aceasta, fără îndoială, a fost o mare victorie pentru arta New Age”, scrie V.N. Prokofiev și adaugă: „Dar și victoria sa finală”. Nu este o coincidență că Cezanne, deși și-a ascutit oarecum polemic poziția, a susținut mai târziu că arta lui Monet este „doar un ochi”.

Lucrările timpurii ale lui Monet sunt destul de tradiționale. Ele conțin încă figuri umane, care în viitor se transformă din ce în ce mai mult în personal și dispar treptat din picturile sale. În anii 1870, stilul impresionist al artistului a prins în sfârșit contur, de acum înainte devotandu-se în întregime peisajului. De atunci, a lucrat aproape exclusiv în aer liber. În opera sa tipul de imagine de ansamblu- studiu.

Unul dintre primii Monet începe să creeze o serie de picturi în care același motiv se repetă în diferite momente ale anului și ale zilei, cu condiții de iluminare și vreme diferite (vezi Anexa nr. 1, fig. 5, 6). Nu toate sunt egale, dar cele mai bune pânze ale acestor serii uimesc prin prospețimea culorilor, intensitatea culorii și măiestria redării efectelor de iluminare.

În perioada târzie a creativității în pictura lui Monet, tendințele de decorativism și planeitate se intensifică. Strălucirea și puritatea culorilor se transformă în opusul lor, apare un fel de albiciune. Vorbind despre abuzul impresioniștilor regretați de „un ton ușor care transformă unele lucrări într-o pânză decolorată”, E. Zola scria: „Și astăzi nu mai este decât un aer liber... rămân doar pete: un portret este doar un spot, cifrele sunt doar pete, doar pete” .

Alți pictori impresioniști au fost, de asemenea, în mare parte pictori de peisaj. Munca lor a rămas adesea nemeritat în umbră alături de figura cu adevărat colorată și impresionantă a lui Monet, deși nu i-au fost inferiori în viziunea vigilentă asupra naturii și în priceperea picturală. Printre aceștia ar trebui denumite în primul rând numele lui Alfred Sisley (1839-1899) și Camille Pissarro (1831-1903). Lucrările lui Sisley, un englez de origine, se caracterizează printr-o eleganță picturală deosebită. Un maestru strălucit al plein air-ului, a fost capabil să transmită aerul limpede al unei dimineți senine de iarnă, o ceață ușoară de ceață încălzită de soare, nori care curg pe cer într-o zi cu vânt. Gama sa se remarcă prin bogăția nuanțelor și fidelitatea tonurilor. Peisajele artistului sunt mereu impregnate de o dispoziție profundă, reflectând percepția sa fundamental lirică asupra naturii (vezi Anexa nr. 1, fig. 7, 8, 9).

a fost mai complicat mod creativ Pissarro, singurul artist care a participat la toate cele opt expoziții ale impresioniștilor, J. Rewald l-a numit „patriarhul” acestei mișcări. Începând cu peisaje apropiate în pictură de Barbizon, el, sub influența lui Manet și a tinerilor săi prieteni, a început să lucreze en plein air, luminând constant paleta. Treptat, își dezvoltă propria metodă impresionistă. Unul dintre primii a refuzat să folosească vopsea neagră. Pissarro a fost întotdeauna înclinat către o abordare analitică a picturii, de unde și experimentele sale în descompunerea culorii - „divisionism” și „pointelism”. Cu toate acestea, el revine curând la maniera impresionistă în care a lui cele mai bune lucrări- minunată serie de peisaje urbane Paris (vezi Anexa nr. 1, fig. 10,11,12,13). Compoziția lor este mereu gândită și echilibrată, pictura este rafinată în culoare și virtuoz în tehnică.

În Rusia, peisajul urban în impresionism a fost luminat de Konstantin Korovin. „Parisul a fost un șoc pentru mine... impresioniștii... în ei am văzut pentru ce am fost certat la Moscova.” Korovin (1861-1939), alături de prietenul său Valentin Serov, au fost figurile centrale ale impresionismului rus. Sub marea influență a mișcării franceze, și-a creat propriul stil, care a amestecat principalele elemente ale impresionismului francez cu culorile bogate ale artei ruse din acea perioadă (vezi Anexa nr. 1, fig. 15).

„O lume nouă s-a născut când impresioniștii au pictat-o”

Henri Kahnweiler

al XIX-lea. Franţa. În pictură s-a întâmplat de neconceput. Un grup de tineri artiști a decis să scuture tradiția veche de 500 de ani. În loc de un desen clar, au folosit o perietură largă „neîngăduită”.

Și au abandonat complet imaginile obișnuite, înfățișând pe toți la rând. Și doamne de virtute ușoară și domni cu reputație îndoielnică.

Publicul nu era pregătit pentru pictura impresionistă. Au fost ridiculizati si certati. Și cel mai important, nu au cumpărat nimic de la ei.

Dar rezistența a fost ruptă. Și unii impresioniști au trăit pentru a-și vedea triumful. Adevărat, aveau deja peste 40. Ca Claude Monet sau Auguste Renoir. Alții au așteptat recunoașterea abia la sfârșitul vieții, precum Camille Pissarro. Cineva nu a fost la înălțimea asta, ca Alfred Sisley.

Ce revoluționar a făcut fiecare dintre ei? De ce publicul nu le-a acceptat atât de mult timp? Iată 7 dintre cei mai faimoși impresioniști francezi din lume.

1. Edouard Manet (1832-1883)

Edward Mane. Autoportret cu paletă. 1878 Colecție privată

Manet era mai în vârstă decât majoritatea impresioniștilor. El a fost principala lor inspirație.

Manet însuși nu a pretins că este liderul revoluționarilor. Era un om de lume. Visat la premii oficiale.

Dar a așteptat foarte mult timp pentru recunoaștere. Publicul dorea să vadă zeițe grecești sau naturi moarte în cel mai rău caz, astfel încât să arate frumos în sala de mese. Manet a vrut să scrie viața modernă. De exemplu, curtezane.

Rezultatul a fost „Mic dejun pe iarbă”. Doi dandi se relaxează în compania doamnelor de virtute ușoară. Unul dintre ei, de parcă nimic nu s-ar fi întâmplat, stă lângă bărbați îmbrăcați.

Edward Mane. Micul dejun pe iarbă. 1863, Paris

Comparați „Micul dejun pe iarbă” cu „Romanii în declin” de Thomas Couture. Tabloul lui Couture a făcut zgomot. Artistul a devenit instantaneu celebru.

„Mic dejun pe iarbă” a fost acuzat de vulgaritate. Femeilor însărcinate nu li se recomandă absolut să se uite la ea.

Thomas Couture. Romani în declin. 1847 Muzeul d'Orsay, Paris. artchive.ru

În pictura lui Couture, vedem toate atributele academicismului (pictura tradițională a secolelor XVI-XIX). Coloane și statui. oameni apolinici. Culori tradiționale atenuate. Manierismul posturilor și gesturilor. Un complot dintr-o viață îndepărtată a unui popor complet diferit.

„Breakfast on the Grass” de Manet este un format diferit. Înaintea lui, nimeni nu a înfățișat așa ușor curtezane. Aproape de cetățeni respectabili. Deși mulți bărbați din acea vreme își petreceau timpul liber în acest fel. Era viața reală oameni adevărați.

Odată a portretizat o doamnă respectabilă. Urât. Nu o putea flata cu o perie. Doamna a fost dezamăgită. L-a lăsat în lacrimi.

Edward Mane. Angelina. 1860 Muzeul d'Orsay, Paris. wikimedia.commons.org

Așa că a continuat să experimenteze. De exemplu, cu culoarea. El nu a încercat să înfățișeze așa-numita culoare naturală. Dacă a văzut apa cenușiu-maro ca fiind un albastru strălucitor, atunci a descris-o ca un albastru strălucitor.

Acest lucru, desigur, a enervat publicul. „La urma urmei, chiar și Marea Mediterană nu se poate lăuda cu un albastru precum apa de la Manet”, au glumit ei.

Edward Mane. Argenteuil. 1874 Muzeul de Arte Frumoase, Tournai, Belgia. wikipedia.org

Dar adevărul rămâne. Manet a schimbat fundamental scopul picturii. Tabloul a devenit întruchiparea individualității artistului, care scrie după bunul plac. Uită de modele și tradiții.

Inovațiile nu l-au iertat multă vreme. Recunoașterea aștepta doar la sfârșitul vieții. Dar nu mai avea nevoie. Murea chinuitor de o boală incurabilă.

2. Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet. Autoportret într-o beretă. 1886 Colecție privată

Claude Monet poate fi numit impresionist de manual. Din moment ce a fost credincios acestei direcții toată viața lui.

El a pictat nu obiecte și oameni, ci o singură construcție colorată de lumini și pete. Cursuri separate. Aerul tremurând.

Claude Monet. Piscina pentru copii. 1869 Muzeul Metropolitan de Artă, New York. Metmuseum.org

Monet a pictat nu numai natura. Se pricepea și la peisajele urbane. Una dintre cele mai faimoase - .

Există multă fotografie în acest tablou. De exemplu, mișcarea este transmisă folosind o imagine neclară.

Atenție: copacii și figurile îndepărtate par să fie în ceață.

Claude Monet. Bulevardul Capucines din Paris. 1873 (Galeria de artă europeană și americană a secolelor XIX-XX), Moscova

În fața noastră este un moment oprit din viața plină de viață a Parisului. Fără montare. Nimeni nu pozează. Oamenii sunt reprezentați ca o colecție de accidente vasculare cerebrale. O astfel de lipsă de complot și efectul de „înghețare a cadrului” este principala caracteristică a impresionismului.

La mijlocul anilor 1980, artiștii au devenit dezamăgiți de impresionism. Estetica este, desigur, bună. Dar lipsa de complot a multor asupriți.

Numai Monet a continuat să persiste, exagerând impresionismul. Aceasta s-a dezvoltat într-o serie de picturi.

El a descris același peisaj de zeci de ori. La diferite momente ale zilei. În diferite perioade ale anului. Pentru a arăta cât de multă temperatură și lumină pot schimba aceeași vedere dincolo de recunoaștere.

Așa că erau nenumărate căți de fân.

Picturi de Claude Monet la Muzeul de Arte Frumoase din Boston. Stânga: Mole de fân la apus la Giverny, 1891 Dreapta: Mole de fân (efect de zăpadă), 1891

Vă rugăm să rețineți că umbrele din aceste tablouri sunt colorate. Și nu gri sau negru, așa cum era obiceiul înainte de impresioniști. Aceasta este o altă invenție a lor.

Monet a reușit să se bucure de succes și de bunăstare materială. După 40 de ani, a uitat deja de sărăcie. Am o casă și o grădină frumoasă. Și a făcut-o pentru plăcerea lui mulți ani de acum încolo.

Citiți despre cel mai iconic tablou al maestrului în articol

3. Auguste Renoir (1841-1919)

Pierre-Auguste Renoir. Auto portret. 1875 Institutul de Artă Sterling și Francine Clark, Massachusetts, SUA. Pinterest

Impresionismul este cea mai pozitivă pictură. Iar cel mai pozitiv dintre impresioniști a fost Renoir.

Nu veți găsi dramă în picturile lui. Nici măcar nu a folosit vopsea neagră. Doar bucuria de a fi. Chiar și cel mai banal Renoir arată frumos.

Spre deosebire de Monet, Renoir a pictat oameni mai des. Peisajele pentru el erau mai puțin semnificative. În tablouri, prietenii și cunoscuții săi se relaxează și se bucură de viață.

Pierre-Auguste Renoir. Mic dejun canoși. 1880-1881 Colecția Phillips, Washington, SUA. wikimedia.commons.org

Nu veți găsi în Renoir și chibzuință. A fost foarte bucuros să se alăture impresioniștilor, care au refuzat complet subiectele.

După cum a spus el însuși, în sfârșit are ocazia să picteze flori și să le numească simplu „Flori”. Și nu inventați povești despre ei.

Pierre-Auguste Renoir. Femeie cu o umbrelă în grădină. 1875 Muzeul Thyssen-Bormenis, Madrid. arteuam.com

Renoir se simțea cel mai bine în compania femeilor. Și-a rugat servitoarele să cânte și să glumească. Cu cât melodia era mai stupidă și mai naivă, cu atât mai bine pentru el. Pălăvrăgeala unui bărbat l-a obosit. Nu e de mirare că Renoir este cunoscut pentru picturile nud.

Modelul din tabloul „Nud în lumina soarelui” pare să apară pe un fundal abstract colorat. Pentru că pentru Renoir nu există nimic secundar. Ochiul modelului sau zona fundalului sunt echivalente.

Pierre-Auguste Renoir. Nud în lumina soarelui. 1876 ​​Muzeul d'Orsay, Paris. wikimedia.commons.org

Renoir a trăit o viață lungă. Și nu lăsați niciodată peria și paleta. Chiar și atunci când mâinile îi erau complet încătușate de reumatism, și-a legat peria de braț cu o frânghie. Și a pictat.

Ca și Monet, a așteptat recunoașterea după 40 de ani. Și mi-am văzut picturile la Luvru, lângă lucrările unor maeștri celebri.

Citiți despre unul dintre cele mai fermecătoare portrete ale lui Renoir în articol

4. Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas. Auto portret. 1863 Muzeul Calouste Gulbenkian, Lisabona, Portugalia. cultured.com

Degas nu a fost un impresionist clasic. Nu-i plăcea să lucreze în aer liber (în aer liber). Nu vei găsi o paletă luminoasă în mod deliberat cu el.

Dimpotrivă, îi plăcea o linie clară. Are o mulțime de negru. Și a lucrat exclusiv în studio.

Dar totuși el este întotdeauna pus la egalitate cu alți mari impresioniști. Pentru că era un impresionist al gestului.

Unghiuri neașteptate. Asimetrie în aranjarea obiectelor. Personaje surprinse cu nerăbdare. Iată care sunt principalele atribute ale picturilor sale.

A oprit momentele vieții, nepermițând personajelor să-și vină în fire. Uită-te cel puțin la „Orchestra de la Opera”.

Edgar Degas. Orchestra Operei. 1870 Muzeul d'Orsay, Paris. commons.wikimedia.org

Pe prim plan spătarul scaunului. Muzicianul este cu spatele la noi. Și în fundal, balerinii de pe scenă nu se potriveau în „cadru”. Capetele lor sunt „tăiate” fără milă de marginea imaginii.

Așa că dansatorii săi preferați nu sunt întotdeauna reprezentați în ipostaze frumoase. Uneori doar se întind.

Dar o astfel de improvizație este imaginară. Desigur, Degas a gândit cu atenție compoziția. Acesta este doar un efect de înghețare a cadru, nu un cadru de înghețare real.

Edgar Degas. Doi dansatori de balet. 1879 Muzeul Shelbourne, Wermouth, SUA

Lui Edgar Degas îi plăcea să picteze femei. Dar boala sau caracteristicile corpului nu i-au permis să aibă contact fizic cu ele. Nu s-a căsătorit niciodată. Nimeni nu l-a văzut niciodată cu o doamnă.

Absența unor intrigi reale în viața personală a adăugat un erotism subtil și intens imaginilor sale.

Edgar Degas. Vedeta de balet. 1876-1878 Muzeul d'Orsay, Paris. wikimedia.comons.org

Vă rugăm să rețineți că în imaginea „Steaua de balet” este desenată doar balerina însăși. Colegii ei din culise abia se disting. Doar câteva picioare.

Asta nu înseamnă că Degas nu a terminat poza. Așa este recepția. Păstrați în atenție doar cele mai importante lucruri. Faceți restul să dispară, ilizibil.

Citiți despre alte picturi ale maestrului în articol.

5. Berthe Morisot (1841-1895)

Edward Mane. Portretul lui Berthe Morisot. 1873 Muzeul Marmottan Monet, Paris.

Bertha Morisot este rareori pusă în fruntea marilor impresioniști. Sunt sigur că este nemeritat. Doar în ea veți găsi toate caracteristicile și tehnicile principale ale impresionismului. Și dacă îți place acest stil, vei iubi munca ei din toată inima.

Morisot a lucrat rapid și impetuos, transferându-și impresia pe pânză. Cifrele par să fie pe cale să se dizolve în spațiu.

Berthe Morisot. Vară. 1880 Muzeul Fabre, Montpellier, Franța.

La fel ca Degas, a lăsat adesea unele detalii neterminate. Și chiar părți ale corpului modelului. Nu putem distinge mâinile fetei din tabloul „Vara”.

Calea lui Morisot către autoexprimare a fost dificilă. Nu numai că era angajată în pictura „neîngăduită”. Era încă femeie. În acele zile, o doamnă trebuia să viseze la căsătorie. După aceea, orice hobby a fost uitat.

Prin urmare, Bertha a refuzat căsătoria pentru o lungă perioadă de timp. Până când a găsit un bărbat care și-a tratat cu respect ocupația. Eugene Manet a fost fratele pictorului Edouard Manet. A purtat cu respect un șevalet și vopsele pentru soția sa.

Berthe Morisot. Eugene Manet cu fiica sa la Bougival. 1881 Muzeul Marmottan Monet, Paris.

Dar era încă în secolul al XIX-lea. Nu, Morisot nu purta pantaloni. Dar ea nu-și putea permite libertate totală de mișcare.

Nu putea merge singură în parc să lucreze, fără să fie însoțită de cineva apropiat. Nu puteam să stau singură într-o cafenea. Prin urmare, picturile ei sunt oameni din cercul familiei. Soț, fiică, rude, bone.

Berthe Morisot. O femeie cu un copil într-o grădină din Bougival. 1881 Muzeul Național al Țării Galilor, Cardiff.

Morisot nu a așteptat recunoașterea. Ea a murit la vârsta de 54 de ani de pneumonie, neavând aproape nimic din munca ei în timpul vieții. Pe certificatul ei de deces, era o liniuță în coloana „ocupație”. Era de neconceput ca o femeie să fie numită artistă. Chiar dacă ea chiar era.

Citiți despre picturile maestrului în articol

6. Camille Pissarro (1830 - 1903)

Camille Pissarro. Auto portret. 1873 Muzeul d'Orsay, Paris. wikipedia.org

Camille Pissarro. Non-confruntațional, rezonabil. Mulți l-au considerat profesor. Nici cei mai temperamentali colegi nu au vorbit de rău despre Pissarro.

A fost un adept fidel al impresionismului. În mare nevoie, cu o soție și cinci copii, a muncit din greu în stilul lui preferat. Și nu a trecut niciodată la pictura de salon pentru a deveni mai popular. Nu se știe de unde a obținut puterea de a crede pe deplin în sine.

Pentru a nu muri deloc de foame, Pissarro a pictat evantai, care s-au epuizat cu nerăbdare. Și adevărata recunoaștere i-a venit după 60 de ani! Apoi, în sfârșit, a reușit să uite de nevoie.

Camille Pissarro. Stagecoach la Louveciennes. 1869 Muzeul d'Orsay, Paris

Aerul din picturile lui Pissarro este gros și dens. Fuziune neobișnuită de culoare și volum.

Artistului nu s-a temut să picteze cele mai schimbătoare fenomene ale naturii, care apar pentru o clipă și dispar. Prima zăpadă, soare geros, umbre lungi.

Camille Pissarro. Îngheţ. 1873 Muzeul d'Orsay, Paris

Cele mai faimoase lucrări ale sale sunt priveliști ale Parisului. Cu bulevarde largi, mulțime pestriță deșartă. Noaptea, ziua, pe vreme diferită. Într-un fel, ele fac ecou seriei de picturi ale lui Claude Monet.

Korovin Konstantin Alekseevich - un artist rus remarcabil, decorator, unul dintre cei mai mari artiști ruși ai începutului de secol (19-20). Korovin este un maestru al aerului în aer liber, autor de peisaje, picturi de gen, naturi moarte și portrete. Artistul s-a născut la Moscova. A studiat la Sankt Petersburg și Moscova, cu Savrasov și Polenov. Konstantin Korovin a fost membru al Asociației Expozițiilor de Artă Itinerante, al Uniunii Artiștilor Ruși și al Lumii Artei. Este considerat unul dintre cei mai proeminenți reprezentanți ai „impresionismului rus”.

În opera lui Korovin, se poate observa dorința de a realiza soluții picturale sintetice prin modulații de lumină și umbră, armonia relațiilor tonale. Acestea sunt „Idilia nordică” (1886), „La balcon. Spaniole Leonora și Ampara” (1888), „Hammerfest. Northern Lights (1895) și altele. Și alături sunt lucruri cu o altă orientare „Korovin” - un portret al solistului Operei private ruse T. S. Lyubatovich (a doua jumătate a anilor 1880), care atrage printr-un concept coloristic rafinat, un sistem figurativ jubilat de festivitate sau un Studiu de la începutul anilor 1890 „cafenea Paris”, unde pentru prima dată Korovin a transmis atât de pătrunzător „aroma” pitorească subtilă a aerului însuși al capitalei franceze.

Miezul metodei lui Korovin este capacitatea de a transforma motivul cel mai obișnuit și chiar neatractiv într-un spectacol estetic înalt prin intermediul conținutului de culoare văzut cu acuratețe și, parcă, imprimat instantaneu.

Paris în picturile lui Korovin

Şederea la Paris în timpul pregătirii Expoziţiei Mondiale - această şedere a fost secundară şi mult mai semnificativă - i-a deschis artistului ochii spre pictura franceză contemporană. Îi studiază pe impresioniști, deci în ton cu aspirațiile sale, dar rămâne străin de toate mișcările postimpresioniste. În anii 1900, Korovin și-a creat faimosul serial Paris. Spre deosebire de impresioniști, părerile sale despre Paris sunt scrise mult mai direct și mai emoțional. Ele sunt dominate de dorința maestrului „de a rupe farmecul care este conținut în prezent în peisaj” (după elevul lui Korovin B. Ioganson).

Artistul caută cele mai subtile stări de tranziție și neașteptate din viața orașului - Paris dimineață, Paris la amurg, oraș seara și noapte („Paris, dimineața”, 1906; „Paris seara”, 1907; „Amurg în Paris”, 1911). Ceața dimineții și lumina tremurătoare a soarelui răsărit, amurgul liliac cu verdeața copacilor încă nestinși și felinarele deja aprinse, densitatea catifelată a cerului albastru închis și împrăștierea febrilă strălucitoare a luminilor din Paris pe timp de noapte... Korovin în aceste lucrurile mici realizează un adevăr aproape documentar al impresiei vizuale și, între timp, aceasta duce la o spiritualitate uimitoare, la originalitatea imaginii orașului. Datorită metodei unei soluții color-tonale complexe, într-un mic studiu el a obținut atât expresia supremă la nivelul unei imagini mari finisate, cât și efectul unei implicări emoționale incitante a privitorului cu ceea ce a văzut.

„Vreau ca ochiul privitorului să se bucure și din punct de vedere estetic, ca urechea sufletului – muzică”, a spus odată Korovin.

Poze cu tablouri

Paris în picturile lui Korovin

Una dintre cele mai mari tendințe în artă din ultimele decenii ale secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea este impresionismul, care s-a răspândit în întreaga lume din Franța. Reprezentanții săi au fost implicați în dezvoltarea unor astfel de metode și tehnici de pictură care ar face posibilă reflectarea cât mai viu și naturală a lumii reale în dinamică, pentru a transmite impresii trecătoare despre aceasta.

Mulți artiști și-au creat pânzele în stilul impresionismului, dar fondatorii mișcării au fost Claude Monet, Edouard Manet, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Edgar Degas, Frederic Bazille, Camille Pissarro. Este imposibil să numim cele mai bune lucrări ale lor, deoarece toate sunt frumoase, dar există și cele mai cunoscute, despre care vom discuta în continuare.

Claude Monet: „Impresie. Soarele răsare"

Pânza cu care să începi o conversație despre cele mai bune tablouri ale impresioniștilor. Claude Monet a pictat-o ​​în 1872 din viața din vechiul port francez Le Havre. Doi ani mai târziu, tabloul a fost prezentat publicului pentru prima dată în fostul atelier al artistului și caricaturistului francez Nadar. Această expoziție a devenit un eveniment care a schimbat viața pentru lumea artei. Impresionat (nu în cel mai bun simț) prin opera lui Monet, al cărui nume în limba originală sună ca „Impression, soleil levant”, jurnalistul Louis Leroy a introdus mai întâi termenul „impresionism”, denotând o nouă direcție în pictură.

Pictura a fost furată în 1985 împreună cu lucrările lui O. Renoir și B. Morisot. Descoperit cinci ani mai târziu. Momentan Impression. The Rising Sun” aparține Muzeului Marmottan Monet din Paris.

Edouard Monet: Olimpia

Tabloul „Olympia”, creat de impresionistul francez Edouard Manet în 1863, este una dintre capodoperele picturii moderne. A fost prezentat pentru prima dată la Salonul de la Paris în 1865. Artiștii impresioniști și picturile lor s-au găsit adesea în centrul scandalurilor de mare profil. Cu toate acestea, Olympia a provocat cel mai mare dintre ele din istoria artei.

Pe pânză vedem o femeie goală, cu fața și corpul îndreptate către public. Al doilea personaj este o servitoare cu pielea întunecată care ține un buchet luxos învelit în hârtie. La picioarele patului se afla un pisoi negru intr-o ipostaza caracteristica cu spatele arcuit. Nu se cunosc multe despre istoria picturii, la noi au ajuns doar două schițe. Modelul a fost, cel mai probabil, modelul preferat al lui Manet, Quiz Menard. Există o părere că artistul a folosit imaginea lui Marguerite Bellanger - amanta lui Napoleon.

În perioada de creativitate când a fost creată Olympia, Manet a fost fascinat de arta japoneză și, prin urmare, a refuzat în mod deliberat să elaboreze nuanțele de întuneric și lumină. Din această cauză, contemporanii săi nu au văzut volumul figurii reprezentate, l-au considerat plat și aspru. Artistul a fost acuzat de imoralitate, vulgaritate. Niciodată până acum picturile impresioniste nu au provocat o asemenea agitație și batjocură din partea mulțimii. Administrația a fost nevoită să pună paznici în jurul ei. Degas a comparat faima lui Manet prin Olympia și curajul cu care a acceptat criticile cu povestea de viață a lui Garibaldi.

Timp de aproape un sfert de secol de la expoziție, pânza a fost păstrată inaccesibilă privirilor indiscrete de către maestrul artist. Apoi a fost expus din nou la Paris în 1889. A fost aproape cumpărat, dar prietenii artistului au încasat suma necesară și au cumpărat Olympia de la văduva lui Manet, apoi au donat-o statului. Pictura este acum deținută de Muzeul d'Orsay din Paris.

Auguste Renoir: Marii Scăldatori

Tabloul a fost pictat de un artist francez în 1884-1887. Luând în considerare totul acum tablouri celebre Impresioniști între 1863 și începutul secolului XX, „Marii Scăldatori” este numită cea mai mare pânză cu figuri feminine nude. Renoir a lucrat la el mai bine de trei ani, iar în această perioadă au fost create multe schițe și schițe. Nu a existat nicio altă pictură în opera sa căreia să-i dedice atât de mult timp.

În prim plan, privitorul vede trei femei goale, dintre care două sunt pe mal, iar a treia este în apă. Cifrele sunt scrise foarte realist și clar, adică caracteristică stilul artistului. Modelele lui Renoir au fost Alina Charigot (viitoarea lui soție) și Suzanne Valadon, care în viitor a devenit ea însăși o artistă celebră.

Edgar Degas: Blue Dancers

Nu toate picturile impresioniste binecunoscute enumerate în articol sunt pictate în ulei pe pânză. Fotografia de mai sus vă permite să înțelegeți ce este tabloul „Blue Dancers”. A fost realizat în pastel pe o foaie de hârtie de 65x65 cm și aparține perioadei târzii a operei artistului (1897). A pictat-o ​​cu viziunea deja slăbită, așa că organizarea decorativă este de o importanță capitală: imaginea este percepută ca pete mari colorate, mai ales când este privită de aproape. Tema dansatorilor a fost apropiată de Degas. Ea a repetat în mod repetat în munca lui. Mulți critici cred că armonia culorii și compoziția „Dansatorilor albaștri” poate fi luată în considerare cel mai bun job artist pe subiect. Pictura este păstrată în prezent la Muzeul de Artă. A. S. Pușkin la Moscova.

Frederic Bazille: „Rochie roz”

Unul dintre fondatorii impresionismului francez, Frederic Bazille s-a născut într-o familie burgheză a unui vinificator bogat. Chiar și în anii de studii la Liceu, a început să se implice în pictură. După ce s-a mutat la Paris, a făcut cunoștință cu C. Monet și O. Renoir. Din păcate, soarta artistului a fost destinată unui scurtmetraj drumul vietii. A murit la vârsta de 28 de ani pe front în timpul războiului franco-prusac. Cu toate acestea, pânzele sale, deși puține, sunt incluse pe bună dreptate în lista „Cele mai bune tablouri impresioniste”. Una dintre ele este „Rochia roz”, scrisă în 1864. După toate indicațiile, pânza poate fi pusă pe seama impresionismului timpuriu: contraste de culoare, atenție la culoare, lumina soarelui și un moment oprit, chiar acel lucru care a fost numit „impresie”. Una dintre verișoarele artistului, Teresa de Horse, a acționat ca model. Pictura este în prezent deținută de Musée d'Orsay din Paris.

Camille Pissarro: Bulevardul Montmartre. După-amiază, însorit"

Camille Pissarro a devenit faimos pentru peisajele sale, o trăsătură caracteristică a cărora este reprezentarea luminii și a obiectelor iluminate. Opera sa a avut o influență notabilă asupra genului impresionismului. Artistul a dezvoltat în mod independent multe dintre principiile inerente lui, care au stat la baza creativității în viitor.

Lui Pissarro îi plăcea să scrie în același loc în diferite momente ale zilei. Are o serie întreagă de tablouri cu bulevarde și străzi pariziene. Cel mai faimos dintre ele este Bulevardul Montmartre (1897). Reflectă tot farmecul pe care artistul îl vede în viața clocotită și agitată din acest colț de Paris. Privind din același loc bulevardul, îl arată privitorului într-o zi însorită și înnorată, dimineața, după-amiaza și seara târziu. În fotografia de mai jos - tabloul „Bulevardul Montmartre noaptea”.

Acest stil a fost adoptat ulterior de mulți artiști. Vom aminti doar care picturi impresioniste au fost scrise sub influența lui Pissarro. Această tendință se vede clar în opera lui Monet (o serie de picturi „Hacks”).

Alfred Sisley: Peluze în primăvară

„Lawns in the Spring” este unul dintre cele mai recente picturi ale pictorului peisagist Alfred Sisley, scris în 1880-1881. Pe ea, privitorul vede o potecă forestieră de-a lungul malurilor Senei cu un sat pe malul opus. În prim plan este o fată - fiica artistului Jeanne Sisley.

Peisajele artistului transmit atmosfera adevărată a regiunii istorice Ile-de-France și păstrează moliciunea și transparența deosebită a fenomenelor naturale caracteristice anotimpurilor specifice. Artistul nu a fost niciodată un susținător al efectelor neobișnuite și a aderat la o compoziție simplă și o paletă limitată de culori. Tabloul se află acum la National Gallery din Londra.

Am enumerat cele mai cunoscute tablouri impresioniste (cu titluri și descrieri). Acestea sunt capodopere ale artei mondiale. Stilul unic de pictură care a apărut în Franța a fost la început perceput cu derizoriu și ironie, criticii au subliniat nepăsarea flagrantă a artiștilor în scrierea pânzelor. Acum aproape nimeni nu ar îndrăzni să-și provoace geniul. Picturile impresioniste sunt expuse în cele mai prestigioase muzee din lume și sunt o expoziție de dorit pentru orice colecție privată.

Stilul nu s-a scufundat în uitare și are mulți adepți. Compatriotul nostru Andrei Koch, pictorul francez Laurent Parcelier, americanii Diana Leonard și Karen Tarleton sunt impresioniști moderni cunoscuți. Picturile lor sunt realizate în cele mai bune tradiții ale genului, pline de culori strălucitoare, linii îndrăznețe și viață. În fotografia de mai sus - lucrarea lui Laurent Parcelier „În razele soarelui”.