„La repetiții 1906-1907. LA. Sulerzhitsky Celebrele paradoxuri ale lui Stanislavski despre actorie au fost înregistrate pentru prima dată.

Cu cât sunt mai neașteptate și mai puțin banale adaptările fizice ale actorului pentru întruchiparea acțiunii fizice de rol, cu atât sarcina scenică este mai expresivă și mai strălucitoare.

„Când vrei să-ți exprimi temperamentul, vorbește încet. De îndată ce simțiți că temperamentul a dispărut, apucați-vă, agitați-vă și când doriți să vorbiți cu temperament, rețineți cuvintele. Din acest obstacol, temperamentul se va ridica și mai puternic. „Ritmul adevărat nu este un răsucitor de limbi, ci dimpotrivă, cu cât ritmul este mai mare, cu atât vorbești mai încet.” „Adaptările superioare sunt întotdeauna de natură contrastantă”, spune Stanislavsky. Putem aminti primele instrucțiuni de natură paradoxală, învățate cu sârguință de noi de la profesorii din școala de teatru:

Jucând răul, caută unde este bun;

Joacă-te cu spatele la fapte;

Mai puțină „îndemânare” - mai multă artă;

Lucrează „pentru tine” atunci toată lumea va fi interesată;

Frica, durerea, intoxicația nu experimentează și nu se joacă, ci se luptă cu aceste stări imaginate.

Exemple de comportament paradoxal al actorului în sarcinile scenice, utilizarea unor dispozitive neașteptate și ciudate la prima vedere, vor sta mai târziu la baza metodei acțiunilor fizice. Paradoxuri ale creativității actoricești, interacțiune „neliniară” între sarcina scenică realizată de actor și forma implementării acesteia născută de subconștient. Îndemânarea jocului este arătată acolo unde dispozitivele sunt interesante, nu forme banale sau sentimentale. După cum spune Stanislavsky în acest moment: „Pentru a juca un răufăcător, trebuie să arăți momente în care este amabil. Când vor să arate unul puternic, trebuie să găsești momente în care el este slab.” „Înainte de o scenă dramatică, faceți o față indiferentă”, i-a sfătuit Stanislavsky pe actori.

Arta actorului este țesută din paradoxuri, iar actorul însuși creează paradoxuri la fiecare pas în munca sa. „Imaginația corporală” și „gândirea cu corpul” este unul dintre cele mai profunde paradoxuri ale practicii actoricești, care nu a fost încă studiat de psihofiziologie în măsura în care acest fenomen poate fi clasificat pe baze științifice și teoretice. Stanislavsky a fost primul care a implementat acest lucru în teoria și practica sa. La paradoxurile actoriei, ca și în viața de zi cu zi, toate noile generații de actori ai întregului teatru mondial se obișnuiesc. Arta actorului este un exemplu perfect al modului în care cea mai haotică, neliniară combinație de interacțiuni profunde ale mentalului și fizic, conștiinței și subconștientului creează o ordine magnifică ca rezultat. Natura paradoxală a „formulei” reîncarnării devine baza și o parte integrantă a aptitudinii profesionale. Actorul se obișnuiește cu faptul că trebuie să fie capabil să:

Deveniți diferit în timp ce sunteți voi înșivă;

Lucrați conștient pentru a ajunge „în pragul” subconștientului creativ;

A fi „instrument și interpret”, „material și artist”, „Hamlet și spectator” în același timp;

Trăiește și joacă în același timp;

Fii sincer și detașat în același timp;

Fii senzual și rațional în același timp;

Transformă „acum” în durată și simultaneitate;

Transformă-ți întreaga ființă corporală într-un „psihic concentrat”;

Creează ficțiune folosind realitatea fizică a scenei și propriul tău corp;

Transformă imaginatul în simțit;

Faceți din imaginar centrul adevăratei percepții fizice, baza bunăstării fizice a rolului;

Căutați plauzibilitatea acolo unde nu poate exista în principiu; a vedea invizibilul cu „viziune interioară” împreună cu privitorul; observați „singuratatea publică”;

Respectați principiul: cu atât mai subiectiv lumea interioara actor, cu atât obiectivizarea lui este mai strălucitoare;

Înțelegeți că comunicarea „frontală” este mai puțin eficientă decât „rebound”;

Stai „cu spatele” la eveniment;

Deține „logica emoției” și „logica emoțională”;

Transformă timpul experienței într-un spațiu al sentimentului (în pauze și combinații variate de tempo-uri și ritmuri scenice);

A repeta, nerepetând nici măcar la a două sute de spectacol;

Conectați trecutul, prezentul și viitorul într-un singur „acum”;

Gândește cu trupul, imaginează cu trupul, vezi cu trupul, ascultă cu trupul;

Creați „alogisme logice” de comportament și adaptări;

Aceleași cauze ale vieții mentale a unui rol dau naștere la consecințe fizice exterioare complet diferite;

- „a renunța la sine” înseamnă - „a ucide imaginea”;

Imaginarul de pe scenă este la fel de real ca tot ceea ce este real (legea realității sentimentelor scenice și necondiționalitatea timpului scenic);

Să creadă în „dublul” iluzoriu al teatrului, deoarece imaginea creată este mai durabilă decât actorul însuși;

Imaginile teatrului sunt „mai vizibile” în gol;

- „totul” se naște din „nimic” (tăcere, tăcere);

Există mai mult sens într-o pauză decât în ​​discursuri lungi;

Tăcerea este mai expresivă decât zgomotul;

Liniștea este mai expresivă decât dinamica;

Cu cât tehnica regizorului este mai condiționată, cu atât mai „necondiționată” este existența actorului în ea;

Neterminat - „spune totul”. […]

Se poate susține că paradoxurile scenice sunt un mecanism de întruchipare artistică, depanat de natura însăși. Paradoxurile artei actoricești sunt imaginare, întrucât este interacțiunea categoriilor naturale (artistice) ale scenei, nedescoperite în mod rațional (științific): timpul și spațiul în dimensiunile lor umane, psihicul și fizica actorului. Se mai poate spune că toate paradoxurile de etapă sunt generate de incorecte (mai precis: neobișnuit - Notă de I.L. Vikentiev) conexiune (prin tehnica artistica, imagine de scenă) de natură diferită a obiectelor dimensionale, relațiile lor de neechilibru, relațiile mobile neliniare.

Atunci când alegeau dispozitive fizice pentru a efectua o „linie de acțiune fizică intenționată”, Stanislavsky a sfătuit întotdeauna să se concentreze pe viață, bogată în tot felul de combinații, uneori chiar ciudate, paradoxale în comportamentul uman de text și subtext, forma și esența acțiunilor sale, comportament extern și intenții adevărate.

Yarkova E.N., Formarea metodei și a sistemului în opera lui K.S. Stanislavsky, Barnaul, Agaki, 2011, p. 106-108.

Actorii sau chiar managerii de vânzări și uneori cerșetorii, escrocii și artiștii trebuie să fie transferați la unul sau altul. Pentru a vă integra pe deplin în imagine, pentru a transmite cu exactitate caracterul personajului, trebuie să lucrați mult. Influența caracterului asupra rezultatului este grandioasă, prin urmare, înțelegerii rolului ar trebui să i se acorde o importanță deosebită.
Dacă vorbim de teatru sau cinema, atunci caracterul actorului nu ar trebui să se reflecte în caracterul personajului. Cu toate acestea, realitatea este oarecum diferită. Când un cunoscut operă literară, dar de cele mai multe ori o operă biografică, atunci eu-ul actorului ar trebui să se retragă în plan secund. Dacă este necesar să se obișnuiască cu rolul unui erou încă necunoscut publicului, atunci fiecare actor sau actriță încearcă să ofere imaginii propriul farmec, să aducă câteva trăsături individuale. Fiecare interpret aduce propria sa înțelegere și reprezentare imaginii. Deci, uneori, ucigașii în serie devin înduioșători și tandri, iar gospodinele - lacome și crude.

Erou literar și coperta. Natura lucrării

Pentru a trimite o imagine erou literar Nu este suficient doar să citești lucrarea. Poți citi romanul până la găuri, dar imaginea, natura personajului tău vor rămâne de neînțeles. Merită să încercați să studiați recenzii ale lucrării, poate să vă referiți la adaptări de film. Dacă astfel de metode nu ajută, atunci este indicat să te obișnuiești cât mai mult cu rolul său. Când ne uităm la Robinson pierdut, vrem ca un actor de teatru sau film să încerce să trăiască măcar o zi sau o oră în astfel de condiții. Atunci înțelegerea lui asupra rolului va fi complet diferită. Dar nu toate rolurile permit astfel de experimente, altfel, numărul ucigașilor, hoților și escrocilor, precum și al iubitorilor și al eroilor, a crescut constant pe măsură ce au fost lansate noi filme sau producții de teatru.

Dacă imaginea personajului nu numai că nu se regăsește în literatură, ci este o inovație absolută a scenaristului și necesită un talent actoricesc deosebit pentru a fi realizat? Apoi, merită să vă uitați la natura lucrării, deoarece intriga și complotul conțin o mulțime de informații despre personaj, percepția ei, acțiuni. Imaginea poate fi destul de stereotipă, dar detaliile, nesemnificative pentru multe acțiuni, vor deveni decisive pentru personajul final. Nu este surprinzător că mulți actori geniali și toate personajele au fost rezultatul unor improvizații amuzante și al forței majore, care au dus la apariția diferitelor detalii sau replici. Totuși, este important să citești cât mai mult scenariul, să încerci să redai toate evenimentele din gândurile tale și, în același timp, să te uiți la personajul tău, ca din exterior. Numai în acest fel, prin metoda analizei atente, este posibil să se realizeze un transfer subtil și de înaltă calitate al caracterului personajului.

a) Profesia – actor

Arta actorului este arta de a crea imagini de scenă. Interpretând un anumit rol într-unul dintre tipurile de artă scenă (dramă, operă, balet, varietate etc.), actorul, parcă, se aseamănă cu persoana în numele căreia acționează într-un spectacol, număr de varietate etc. .

Materialul pentru crearea acestei „fațe” (personaj) este datele naturale ale actorului: împreună cu vorbirea, corpul, mișcările, plasticitatea, ritmul etc. precum emoționalitatea, imaginația, memoria etc.

Una dintre principalele trăsături ale artei actorului este că „procesul de creativitate actoricească în stadiul final se încheie întotdeauna în fața publicului în momentul spectacolului, concertului, spectacolului”.

Arta unui actor presupune crearea unei imagini a unui personaj ( actor). Imaginea scenica, in esenta ei, este o fuziune a calitatilor interne ale acestui personaj (actor), i.e. ceea ce numim „caracter”, cu calități exterioare – „caracteristic”.

Creând imaginea de scenă a eroului său, actorul, pe de o parte, o dezvăluie lumea spirituală, exprimând acest lucru prin fapte, acțiuni, cuvinte, gânduri și experiențe și, pe de altă parte, transmite cu diferite grade de certitudine (sau convenții teatrale) modul de comportament și apariție.

O persoană care s-a dedicat profesiei de actorie trebuie să aibă anumite date naturale: contagiozitate, temperament, fantezie, imaginație, observație, memorie, credință; expresiv: voce și dicție, aspect; farmec scenic și, bineînțeles, tehnică performantă.

LA anul trecut conceptul de artă include nu numai și nu atât de multe date externe, capacitatea de a schimba „aspectul” (adică ceea ce se numește și se înțelege literalmente - „acționare”), ci și capacitatea de a gândi pe scenă, de a se exprima în rolul unei atitudini personale faţă de viaţă.

Când vorbim de actorie, ne referim la faptul că ea este alimentată de două surse care sunt unitatea inseparabilă: viața - cu bogăția și diversitatea ei, și - lumea interioară a artistului, personalitatea sa.

Experiența de viață, memoria emoțională perfecționată (dacă actorul știe să le folosească), sunt principala lui bogăție atunci când creează opere de artă. Experiența este cea care influențează acțiunile unei persoane, percepția sa asupra vieții din jurul său și îi formează viziunea asupra lumii. În același timp, experiența ne învață să vedem și pătrunde în esența fenomenelor. Cât de adâncă va fi această pătrundere și cum va fi ea (fenomenul) dezvăluită în mod viu, depinde dacă spectatorul va primi plăcere estetică din interpretarea actorului. La urma urmei, dorința de a aduce oamenilor bucurie cu creativitatea lor este chiar miezul profesiei de actor. Desigur, în mare măsură depinde dacă actorul are darul de a observa viața, comportamentul oamenilor. (Amintiți-vă, de exemplu, felul altcuiva de a vorbi, gesturile, mersul și multe altele). Observarea ajută la surprinderea esenței caracterului unei persoane, la fixarea în memorie și la colectarea în conștiință a intonațiilor vii, a turei de vorbire, a unei înfățișări strălucitoare etc., pentru ca apoi, în momentul muncii, căutarea și crearea unui imagine de scenă, trage subconștient din această cămară trăsăturile de caracter și caracteristica de care el (actorul) are nevoie.

Dar, bineînțeles, „imersiune în viață”, dezvăluirea ei necesită de la artist nu numai talent și o personalitate strălucitoare, ci și abilități filigranate, rafinate.

Talentul real și adevărata măiestrie implică atât expresivitate a vorbirii, cât și bogăție de intonație, expresii faciale și un gest laconic, justificat logic, și un corp antrenat, precum și stăpânirea artei unui cuvânt care sună, a cântului, a mișcării, a ritmului.

Cel mai important (principal) mijloace de exprimare actor - o acțiune în imagine, o acțiune care în esență este (ar trebui să fie) un aliaj organic al acțiunilor sale psihofizice și verbale.

Actorul este chemat să întrupeze pe scenă sinteza ideilor autorului și regizorului; să dezvăluie sensul artistic al unei opere dramatice, îmbogățindu-l cu propria interpretare, bazată pe propria experiență de viață, observațiile, reflecțiile și, în final, propria individualitate creatoare.

Individualitatea unui actor este un concept foarte complex. Aici este lumea intereselor conștiente și subconștiente care se acumulează în memoria lui emoțională; aceasta este natura temperamentului său (deschis, exploziv sau ascuns, rezervat); asta și datele lui și multe altele. Păstrând bogăția individualității creative, diversitatea în alegerea mijloacelor vizuale, actorul își subordonează creativitatea sarcinii principale - prin imaginea scenică pe care a creat-o, să dezvăluie esența ideologică și artistică a operei dramatice.

b) Natura actoriei

De cel puțin două secole, două vederi opuse asupra naturii actoriei s-au luptat între ele. Într-o perioadă, unul câștigă, în alta - alt punct de vedere. Dar partea învinsă nu renunță niciodată complet și, uneori, ceea ce ieri a fost respins de majoritatea figurilor de scenă, astăzi devine din nou viziunea dominantă.

Lupta dintre aceste două curente se concentrează invariabil pe întrebarea dacă natura cere arta teatrala astfel încât actorul să trăiască pe scenă cu sentimentele reale ale personajului, sau jocul de scenă se bazează pe capacitatea actorului de a reproduce forma exterioară a experiențelor umane, latura externă a comportamentului cu o singură tehnică. „Arta de a experimenta” și „arta reprezentării” – așa-numita K.S. Stanislavsky aceste curente luptă între ei.

Actorul „artei de a experimenta”, potrivit lui Stanislavsky, se străduiește să experimenteze rolul, adică. trăiește sentimentele celui interpretat, de fiecare dată, cu fiecare act de creativitate; actorul „artei spectacolului” caută să experimenteze rolul o singură dată, acasă sau în repetiție, pentru a cunoaște mai întâi forma exterioară a manifestării naturale a sentimentelor, apoi învață să o reproducă mecanic.

Nu este greu de observat că diferențele de opinii din direcții opuse se reduc la o rezoluție diferită a problemei materialului artei actoriei.

Dar care sunt motivele acestor inevitabile contradicții teoretice în gura practicienilor de scenă?

Faptul este că însăși natura artei actoricești este contradictorie. Prin urmare, nu poate să se întindă pe patul procustean al teoriei unilaterale. Natura complexă a acestei arte, cu toate contradicțiile ei, fiecare actor învață de la sine. Se întâmplă adesea ca un actor, odată ajuns pe scenă, să renunțe la toate punctele de vedere teoretice și să creeze nu numai fără niciun acord cu acestea, ci chiar contrar acestora, ci în deplină conformitate cu legile obiectiv inerente artei actoricești.

De aceea, susținătorii atât ai uneia, cât și ai celeilalte direcții sunt incapabili să se țină la o afirmare fără compromisuri, până la urmă consecventă a punctelor de vedere ale școlii lor. Practica vie inevitabil îi împinge de la vârful aderării impecabile, dar unilaterale la principii, și încep să introducă diverse rezerve și amendamente în teoriile lor.

c) Unitatea fizicului și mentalului, obiectivului și subiectivului în acțiune

Actorul, după cum știți, exprimă imaginea pe care și-o creează cu ajutorul comportamentului său, a acțiunilor sale pe scenă. Reproducerea de către actor a comportamentului uman (acțiunilor umane) în scopul creării unei imagini holistice este esența piesei de teatru.

Comportamentul uman are două laturi: fizică și psihică. Mai mult, unul nu poate fi niciodată separat de celălalt, iar unul nu poate fi redus la celălalt. Fiecare act al comportamentului uman este un singur act psihofizic integral. Prin urmare, este imposibil să înțelegeți comportamentul unei persoane, acțiunile sale, fără a înțelege gândurile și sentimentele sale. Dar, de asemenea, este imposibil să-i înțelegeți sentimentele și gândurile fără a înțelege conexiunile și relațiile sale obiective cu mediul.

„Școala experienței” are, desigur, perfectă dreptate când îi cere actorului să reproducă pe scenă nu numai forma exterioară a sentimentelor umane, ci și experiențele interioare corespunzătoare. Când reproduce mecanic doar forma exterioară a comportamentului uman, actorul rupe o verigă foarte importantă din actul integral al acestui comportament - experiența personajului, gândurile și sentimentele sale. Actoria în acest caz este inevitabil mecanizată. Drept urmare, actorul nu poate reproduce forma exterioară a comportamentului cu exhaustivitate și persuasivitate.

Într-adevăr, cum poate o persoană, fără a experimenta, de exemplu, o umbră de furie, să reproducă cu acuratețe și convingător forma exterioară de manifestare a acestui sentiment? Să presupunem că a văzut și știe din propria experiență că o persoană aflată în stare de furie își strânge pumnii și își trage sprâncenele. Și ce fac ochii, gura, umerii, picioarele, trunchiul lui în acest moment? La urma urmei, fiecare mușchi este implicat în fiecare emoție. Un actor poate în mod veridic și corect (în conformitate cu cerințele naturii) să lovească cu pumnul pe masă și prin această acțiune să exprime un sentiment de furie doar dacă în acel moment chiar și tălpile picioarelor îi trăiesc corect. Dacă picioarele actorului au „mințit”, privitorul nu-i mai crede nici mâna.

Dar este posibil să memorăm și să reproducem mecanic pe scenă întregul sistem infinit infinit de mișcări mari și mici ale tuturor organelor, care exprimă cutare sau cutare emoție? Desigur că nu. Pentru a reproduce fidel acest sistem de mișcări, este necesar să se înțeleagă reacția dată în toată integritatea ei psihofizică, adică. în unitatea și completitudinea interiorului și externului, mentalului și fizicului, subiectivului și obiectivului, ea trebuie reprodusă nu mecanic, ci organic.

Este greșit dacă procesul de experiență devine scopul în sine al teatrului și actorul vede întregul sens și scopul artei în experimentarea sentimentelor eroului său. Iar un asemenea pericol amenință actorul teatrului psihologic dacă subestimează importanța laturii obiective a comportamentului uman și sarcinile ideologice și sociale ale artei. Până acum, în mediul actoricesc mai sunt destul de mulți amatori (mai ales amatori) care să „sufăr” pe scenă: să moară de dragoste și gelozie, să roșească de furie, să palidească de disperare, să tremure de pasiune, să plângă cu lacrimi adevărate de durere - câți actori și actrițe vede în aceasta nu este doar un mijloc puternic, ci și scopul însuși al artei sale! Să trăiești în fața ochilor unei mii de mulțimi cu sentimentele persoanei înfățișate - pentru asta merg pe scenă, văd aceasta ca cea mai înaltă plăcere creativă. Rolul pentru ei este o ocazie de a-și arăta emoționalitatea și de a infecta privitorul cu sentimentele lor (ei vorbesc mereu despre sentimente și aproape niciodată despre gânduri). Aceasta este sarcina lor creativă, mândria lor profesională, succesul lor actoricesc. Dintre toate tipurile de acțiuni umane, astfel de actori prețuiesc cel mai mult acțiunile impulsive și dintre toate varietățile de manifestări ale sentimentelor umane - afectele.

Este ușor de observat că, printr-o astfel de abordare a sarcinii creatoare, subiectivul din rol devine subiectul principal al imaginii. Legăturile și relațiile obiective ale eroului cu mediul său (și odată cu aceasta forma exterioară a experiențelor) trec în fundal.

Între timp, fiecare teatru avansat, cu adevărat realist, conștient de sarcinile sale ideologice și sociale, s-a străduit mereu să evalueze acele fenomene ale vieții pe care le-a arătat de pe scenă, asupra cărora și-a pronunțat verdictul socio-moral și politic. Actorii unui astfel de teatru trebuiau inevitabil să nu gândească numai cu gândurile imaginii și să simtă cu sentimentele ei, ci și să gândească și să simtă despre gândurile și sentimentele imaginii, să se gândească la imagine; au văzut sensul artei lor nu numai în a trăi în fața ochilor publicului sentimentele rolului lor, ci mai ales în a crea imagine artistică, purtând o anumită idee care ar dezvălui un adevăr obiectiv care este important pentru oameni.

Corpul unui actor nu aparține doar imaginii-actor, ci și actorului-creator, deoarece fiecare mișcare a corpului nu numai că exprimă unul sau altul moment al vieții imaginii, ci se supune și unei serii de cerințe în în ceea ce privește abilitățile scenice: fiecare mișcare a corpului trebuie să fie plastică, clară, ritmică, scenică, extrem de expresivă - toate aceste cerințe sunt îndeplinite nu de corpul imaginii, ci de corpul maestrului actor.

Psihicul unui actor, după cum am aflat, nu aparține doar actorului-creator, ci și imaginii-actor: el, ca și trupul, servește ca material din care actorul își creează rolul.

În consecință, psihicul actorului și corpul său în unitatea lor constituie simultan atât purtătorul creativității, cât și materialul acesteia.

d) Principii de bază ale educației unui actor

Educația profesională (de scenă) a unui actor se bazează, după cum știți, pe sistemul lui K.S. Stanislavsky, dar acest sistem trebuie să poată fi utilizat. Aplicarea sa dogmatică, dogmatică, poate aduce un rău ireparabil în loc de bine.

Primul și principalul principiu al sistemului Stanislavsky este principiul de bază al oricărei arte realiste - adevărul vieții. Absolut totul este impregnat de cererea pentru adevărul vieții în sistemul lui Stanislavsky.

Pentru a vă asigura de greșeli, trebuie să vă dezvoltați obiceiul de a compara în mod constant îndeplinirea oricărei sarcini creative (chiar și cel mai elementar exercițiu) cu însuși adevărul vieții.

Totuși, dacă pe scenă nu ar trebui să fie permis nimic care să contrazică adevărul vieții, asta nu înseamnă deloc că tot ceea ce îți atrage atenția din viață poate fi târât pe scenă. Este necesară selecția. Dar care este criteriul de selecție?

Aici vine în ajutor al doilea principiu important al școlii K.S. Stanislavsky - doctrina sa despre cea mai importantă sarcină. Super-sarcina este aceea pentru care artistul vrea să-și introducă ideea în mintea oamenilor, ceea ce artistul tinde până la urmă. Super-sarcina este dorința cea mai prețuită, cea mai dragă, cea mai esențială a artistului; este o expresie a activității sale spirituale, a intenției sale, a pasiunii sale în lupta pentru afirmarea idealurilor și adevărurilor care îi sunt infinit de dragi.

Astfel, învățătura lui Stanislavski despre cea mai importantă sarcină nu este doar o cerință a actorului de o înaltă creativitate ideologică, ci și o cerință a activității ideologice.

Amintindu-și cea mai importantă sarcină, folosind-o pe post de busolă, artistul nu va greși nici în alegerea materialului, nici în alegerea tehnicilor și a mijloacelor de exprimare.

Dar ce a considerat Stanislavsky material expresiv în actorie? La această întrebare răspunde al treilea principiu al sistemului Stanislavsky - principiul activității și acțiunii, care spune că nu poți juca imagini și pasiuni, dar trebuie să acționezi în imaginile și pasiunile rolului.

Acest principiu, această metodă de lucru pe un rol, este șurubul pe care se învârte toată partea practică a sistemului. Cine nu înțelege principiul, nu înțelege întregul sistem.

Nu este greu de stabilit că toate instrucțiunile metodologice și tehnologice ale lui Stanislavsky au un singur scop - de a trezi natura umană naturală a actorului pentru creativitatea organică în conformitate cu cea mai importantă sarcină. Valoarea oricărei tehnici este considerată de Stanislavsky din acest punct de vedere. Nu ar trebui să existe nimic artificial, nimic mecanic în munca unui actor, totul în el trebuie să se supună cerinței organicității - acesta este al patrulea principiu al sistemului lui Stanislavsky.

Etapa finală a procesului de creație în actorie, din punctul de vedere al lui Stanislavski, este crearea unei imagini scenice prin transformarea creativă organică a actorului în această imagine. Principiul reîncarnării este al cincilea și decisiv principiu al sistemului.

Deci, am numărat cinci principii de bază ale sistemului Stanislavsky, pe care se bazează educația profesională (de scenă) a unui actor. Stanislavsky nu a inventat legile actoriei - le-a descoperit. Acesta este marele lui merit istoric.

Sistemul este singura fundație de încredere pe care singur este posibil să se construiască o clădire solidă pentru spectacolul modern, scopul său este de a aduce la viață un proces organic, natural de creativitate independentă și liberă.

e) Tehnica internă şi externă. Unitatea simțului adevărului și simțul formei

Apropo de educația profesională a unui actor, trebuie subliniat că nu scoala de teatru nu poate și nu trebuie să-și pună sarcina de a oferi rețete pentru creativitate, rețete pentru teatru. Să învețe actorul să creeze condițiile necesare creativității sale, să îndepărteze obstacolele interne și externe care stau în calea creativității organice, să elibereze calea unei astfel de creativități - acestea sunt cele mai importante sarcini ale pregătirii profesionale. Elevul însuși trebuie să se deplaseze pe calea eliberată.

Creativitatea artistică este un proces organic. Este imposibil să înveți să creezi prin stăpânirea tehnicilor. Dar dacă creăm condiții favorabile pentru dezvoltarea creativă a personalității constant îmbogățite a elevului, putem obține în sfârșit o înflorire magnifică a talentului inerent lui.

Care sunt condițiile favorabile pentru creativitate?

Știm că actorul în unitatea sa psihofizică este un instrument pentru el însuși. Materialul artei sale sunt acțiunile sale. Prin urmare, pentru a crea condiții favorabile creativității sale, trebuie în primul rând să aducem în stare corespunzătoare instrumentul artei sale actoricești - propriul său organism. Este necesar ca acest instrument să fie maleabil la impulsul creativ, adică. gata să ia măsuri în orice moment. Pentru a face acest lucru, este necesar să se îmbunătățească atât partea internă (mentală) cât și cea externă (fizică). Prima sarcină este realizată cu ajutorul tehnologiei interne, a doua - cu ajutorul dezvoltării tehnologiei externe.

Tehnica internă a unui actor constă în capacitatea de a crea condițiile interne (mentale) necesare pentru generarea naturală și organică a acțiunilor. Înarmarea unui actor cu tehnică internă este legată de cultivarea în el a capacității de a evoca în sine starea corectă de sănătate - acea stare interioară, în absența căreia creativitatea este imposibilă.

Starea creativă constă dintr-un număr de elemente interconectate sau legături. Astfel de elemente sunt: ​​concentrarea activă (atenția scenică), un corp lipsit de tensiune excesivă (libertatea scenică), o evaluare corectă a circumstanțelor propuse (credința scenică) și disponibilitatea și dorința de a acționa apărute pe această bază. Aceste momente trebuie aduse în discuție la un actor pentru a dezvolta în el capacitatea de a se aduce în starea scenica potrivită de sănătate.

Este necesar ca actorul să-și controleze atenția, corpul (mușchii) și să poată lua în serios ficțiunea de scenă, ca adevărat adevăr al vieții.

Educația unui actor în domeniul tehnicii externe are ca scop să facă aparatul fizic al actorului (corpul său) flexibil la un impuls intern.

„Este imposibil, cu un corp nepregătit, – spune Stanislavski, – să transmită creativitatea inconștientă a naturii, la fel cum este imposibil să cânți Simfonia a IX-a a lui Beethoven cu instrumente detonate”.

Se întâmplă așa: condițiile interne ale creativității par să fie prezente, iar dorința de a acționa apare în mod firesc în actor; i se pare că a înțeles și a simțit locul dat rolului și este deja pregătit să exprime acest lucru în comportamentul său fizic. Dar apoi începe să acționeze și... nu se întâmplă nimic. Vocea și corpul lui nu-i ascultă și nu fac deloc ceea ce a prevăzut ca o soluție deja găsită la problema creației: urechile actorului tocmai răsunau intonația, magnifică în bogăția conținutului său, care era pe cale să se nască, ci în schimb din laringele lui izbucneau de la sine niște sunete aspre, neplăcute și inexpresive, neavând absolut nimic de-a face cu ceea ce cerea să iasă din adâncurile sufletului său agitat.

Sau alt exemplu. Un gest excelent este pe cale să se nască în actor, exprimând exact ceea ce trăiește în interior în acest moment, dar în locul acestui gest plin de semnificație și frumos, apare involuntar un fel de mișcare absurdă.

În sine, impulsul intern în ambele cazuri era corect, era bogat în conținut și îndrepta corect mușchii, cerea o anumită intonație și un anumit gest și, parcă, chema mușchii corespunzători să le îndeplinească, dar mușchii. nu i-au ascultat, nu i-au ascultat vocea interioară, pentru că nu erau suficient de antrenați pentru asta.

Acest lucru se întâmplă întotdeauna atunci când materialul exterior al unui actor se dovedește a fi prea grosier, negru, pentru a se supune celor mai subtile cerințe ale designului artistic. De aceea este atât de important ca în procesul de educație internă a actorului, tehnica internă să fie completată cu cea externă. Creșterea tehnicii interne și externe nu poate fi realizată separat, deoarece acestea sunt două părți ale aceluiași proces (mai mult, principiul conducător în această unitate este tehnica internă).

Este imposibil să recunoaștem drept corectă o astfel de practică pedagogică, în care profesorul de abilități actoricești se scutește de orice responsabilitate pentru dotarea elevilor cu echipamente externe, considerând că este în întregime de competența profesorilor de discipline auxiliare de pregătire (cum ar fi tehnica vorbirii). , gimnastică, acrobație, scrimă, ritm, dans etc.). Sarcina disciplinelor speciale de pregătire auxiliară este de a educa o serie de abilități și abilități la elevi. Cu toate acestea, aceste abilități și abilități în sine nu sunt încă tehnici externe. Ele devin tehnici exterioare atunci când sunt conectate la interior. Și această legătură poate fi făcută doar de un profesor actoric.

Cultivând tehnica internă, dezvoltăm în elev o abilitate specială, pe care Stanislavsky a numit-o „simțul adevărului”. Sentimentul adevărului este fundamentul tehnicii actoricești, fundația sa solidă și de încredere. Fără acest sentiment, actorul nu poate crea pe deplin, pentru că în propria sa creativitate nu este capabil să distingă falsul de adevăr, falsitatea grosolană a prefăcătoriei și clișeului de adevărul acțiunii autentice și al experienței reale. Simțul adevărului este o busolă, ghidată de care actorul nu se va rătăci niciodată.

Dar natura artei cere actorului o altă facultate, care poate fi numită „simțul formei”. Acest simț profesional deosebit al actorului îi oferă acestuia posibilitatea de a dispune liber de toate mijloacele expresive pentru a influența privitorul într-un anumit fel. La dezvoltarea acestei abilități se reduce, în final, educația tehnicii externe.

În interacțiune și întrepătrundere constantă, actorul trebuie să aibă două dintre cele mai importante abilități profesionale ale sale - un simț al adevărului și un simț al formei.

Interacționând și întrepătrunzând, ele dau naștere la ceva al treilea - expresivitatea scenică a actoriei. Pentru aceasta se străduiește profesorul de actorie combinând tehnica internă și cea externă. Aceasta este una dintre cele mai importante sarcini ale educației profesionale a unui actor.

Se crede uneori că orice culoare scenică, dacă se naște din sentimentul plin de viață și sincer al actorului, se va dovedi a fi expresivă numai prin aceasta. Nu este adevarat. Se întâmplă adesea ca un actor să trăiască sincer și să se dezvăluie sincer, în timp ce spectatorul rămâne rece, pentru că sentimentele actorului nu ajung la el.

Tehnica externă trebuie să confere expresivitate, strălucire și claritate actorului.

Ce calități fac actoria expresivă? Puritatea și claritatea modelului exterior în mișcări și vorbire, simplitatea și claritatea formei de exprimare, acuratețea fiecărei picturi scenice, fiecare gest și intonație, precum și completitatea lor artistică.

Dar toate acestea sunt calități care determină expresivitatea actoriei în fiecare rol și fiecare performanță. Și există și mijloace speciale de exprimare, care de fiecare dată sunt dictate de originalitatea formei scenice a unui spectacol dat. Această originalitate este asociată în primul rând cu trăsăturile ideologice și artistice ale materialului dramatic. O piesă necesită o formă monumentală și strictă de întruchipare scenică, alta necesită ușurință și mobilitate, o a treia are nevoie de un finisaj de bijuterii al unui desen de actor neobișnuit de fin, o a patra are nevoie de strălucirea culorilor groase și suculente de zi cu zi...

Capacitatea unui actor de a-și subordona interpretarea, pe lângă cerințele generale ale expresivității scenice, cerințelor speciale ale formei unei reprezentații date, menite să-și exprime cu acuratețe și viu conținutul, este unul dintre cele mai importante semne de înaltă calitate. aptitudini de actorie. Această abilitate se naște ca rezultat al combinației dintre tehnologia internă și cea externă.

f) Specificul creativității unui actor de varietate

Una dintre principalele caracteristici ale scenei este cultul actorului. El (actorul) nu este doar principalul, dar, uneori, singura figură în arta artei varietăților. Fără artist - fără număr. Pe scenă, artistul, oricare ar fi el, bun sau rău, după ce a urcat pe scenă, rămâne singur cu publicul. Niciun accesoriu nu îl ajută (recuzită, recuzită, decor etc.), adică tot ceea ce este folosit cu succes în teatru. Despre un artist de varietate, de drept, se poate spune: „un om gol pe pământ gol”. De fapt, această definiție poate deveni cheia dezvăluirii așa-ziselor specificități ale creativității unui artist de varietate.

De aceea, individualitatea interpretului este de mare importanță. Ea nu este doar sufletul viu a ceea ce se întâmplă pe scenă, ci și, de regulă, determină genul în care artistul interpretează. „Varietatea este o artă în care talentul interpretului se cristalizează, iar numele lui devine numele unui gen unic…” De foarte multe ori, un artist cu adevărat talentat devine strămoșul unuia sau altuia. Amintiți-vă de actorii despre care am vorbit.

Desigur, specificul artei varietății, arta sa spectacolului necesită ca artistul să nu fie doar o individualitate strălucitoare, ci ca această individualitate în sine să fie umană interesantă pentru public.

Fiecare număr pop poartă un portret al creatorului său. El este fie subtil din punct de vedere psihologic și precis, deștept, stropește cu răutate, duh, grațios, inventiv; fie sec, plictisitor, obișnuit, precum creatorul său. Iar numele de familie, din păcate, este legiune.

Scopul principal al unui artist de varietate este acela de a crea un număr, în procesul de interpretare, care, dezvăluind posibilitățile sale creative, el întruchipează tema în propria imagine și înfățișare.

Sinceritate, într-un fel „mărturisire”, cu care actorul își dă arta, gândurile, sentimentele sale la judecata publicului, cu „o dorință intolerantă de a-i spune ceva ce nu a văzut, nu a auzit, nu va vedea în întregul lui. viața și nu va auzi, ”este unul dintre semnele specifice ale creativității actoricești pe scenă. Doar profunzimea, sinceritatea performanței și nu auto-afișarea captează privitorul. Atunci a fost amintit multă vreme de public.

Artiștii pop de frunte au înțeles și au înțeles întotdeauna cât de grozave sunt sarcinile cu care se confruntă. De fiecare dată, intrând pe scenă, un artist de varietate are nevoie de mobilizarea maximă a tuturor forțelor spirituale și fizice pentru a crea un spectacol. Până la urmă, un artist de pe scenă acționează de obicei, dacă pot să spun așa, conform legilor teatrului pătrat, atunci când mesajul devine principalul pentru el, ca urmare a concentrării maxime, din moment ce experiențele personale, spiritual și lumea spirituală a artistului are o mare importanță pentru public.

La fel de importantă pentru un artist de varietate este capacitatea sa de a improviza, la un stil de interpretare improvizațional. Pe scenă, unde actorul comunică cu publicul „pe picior de egalitate”, unde distanța dintre el și public, ascultătorii este extrem de nesemnificativă, improvizația este stabilită inițial de condițiile jocului.

Orice număr pop ar trebui să dea publicului impresia că a fost creat și interpretat chiar în acest moment. „În caz contrar, își pierde imediat condiția de inteligibilitate și persuasivitate - încetează să mai fie pop”, a subliniat particularitatea interpretării unui pop numărul unu din cei mai buni autoriși cunoscători ai acestui tip de artă - Vladimir Zakharovich Mass.

Un artist care a intrat pe scenă trebuie să apară în fața publicului nu ca interpret al unui text prescris, ci ca o persoană care „aici și acum” inventează și pronunță propriile cuvinte. Nimic nu aduce publicul la o participare activă ca improvizația unui actor.

Desigur, libertatea improvizației vine la un actor cu profesionalism. Iar profesionalismul ridicat presupune o mare mobilitate internă, când logica comportamentului personajului devine cu ușurință logica comportamentului interpretului, iar caracterul gândirii imaginii îl captivează pe acesta (interpretul) cu propriile caracteristici. Apoi fantezia preia rapid toate acestea și le încearcă.

Desigur, chiar și actorii cei mai capabili de improvizație, predispuși în mod natural la comunicare, parcurg o cale foarte dificilă, și uneori destul de dureroasă, de a stăpâni deprinderea care le permite să pronunțe cu adevărat textul autorului ca fiind al lor.

Desigur, în multe privințe, impresia de improvizație este creată de capacitatea interpretului, parcă, de a căuta un cuvânt și de a pune cap la cap o frază în fața publicului. Aici ajută apariția pauzelor și loviturilor, accelerațiilor ritmice sau invers încetinirilor, expresiei etc. În același timp, nu trebuie să uităm că natura și modul de improvizație depind direct de condițiile genului și de decizia regizorului.

Mai există o trăsătură a artistului de scenă - se uită la personajele sale, le evaluează, parcă, împreună cu publicul. Efectuându-și numărul, el conduce de fapt un dialog cu publicul, stăpânindu-și gândurile și sentimentele. „Dacă în această uniune a artistului și a privitorului toate legăturile sunt îmbinate, dacă se realizează armonia între artiști și ascultători, atunci vin minute și ore de încredere reciprocă și marea artă începe să trăiască.”

Dacă artistul, în dorința de a câștiga succesul publicului, își construiește calculul pe momentele de reluare comică conținute în lucrarea de varietate, acționând pe principiul: cu cât sunt mai multe, atunci, după cum i se pare, artistul este „mai amuzant” , apoi cu cât se îndepărtează mai mult de arta reală, de stadiul autentic.

Un artist de varietate ar trebui să se caracterizeze prin: relaxarea sentimentelor, gândurilor, fanteziei; temperament contagios, simțul proporției, gust; capacitatea de a rămâne pe scenă, de a stabili rapid contactul cu publicul; viteza de reacție, disponibilitatea pentru acțiune imediată, capacitatea de a răspunde cu improvizație la orice modificare a circumstanțelor propuse; reîncarnare, ușurință și ușurință de execuție.

Nu mai puțin importantă este prezența farmecului, farmecului, arta, grația formei și, desigur, răutatea, curajul, veselia molipsitoare într-un artist de varietate.

Te întrebi: „Cum poate un artist să aibă toate aceste calități?”

Poate! Dacă nu toate odată, atunci cu majoritatea! Iată ce scrie despre M.V. Mironova, celebrul critic de teatru și scriitor Y. Yuzovsky: „Conține carnea și sângele scenei, ușurința acestui gen și seriozitatea acestui gen, precum și grația și strălucirea acestui gen și versurile acestui gen. , patosul acestui gen și „la naiba pe mine” acest gen…”

Fiecare artist de scenă este un fel de teatru. Cel puțin prin faptul că el (artistul de scenă), folosind tehnicile sale specifice, trebuie să rezolve aceleași sarcini ca și artistul de teatru, dar în trei până la cinci minute de viață de scenă alocate pentru asta. Până la urmă, toate legile stăpânirii unui artist dramatic (sau operistic) sunt obligatorii pentru scenă.

Posesia artei vorbirii, a mișcării, a plasticității este o condiție prealabilă pentru abilitățile unui actor de varietate, profesia sa. „Fără o formă exterioară, atât cea mai interioară caracteristică, cât și sufletul imaginii nu vor ajunge la public. Caracteristica externă explică, ilustrează și astfel aduce privitorului fluxul spiritual interior invizibil al rolului.

Dar, desigur, în arta unui artist de varietate, precum și a oricărui actor, pe lângă stăpânirea mișcării, a ritmului, pe lângă farmecul scenic, talentul personal, meritul artistic, calitățile unei opere literare sau muzicale joacă un rol uriaș. rol. Chiar și în ciuda faptului că pe scenă autorul (precum și regizorul) „moare” în actorul-interpret, acest lucru nu le diminuează semnificația. Dimpotrivă, ele devin și mai semnificative, deoarece cu ajutorul lor se dezvăluie personalitatea unui artist de varietate.

Dar, din păcate, din anumite motive, și astăzi, fiecare actor care joacă pe scena concertului poate fi considerat un artist pop, deși repertoriul și prestația lui nu au nicio legătură cu scena. Sincer să fiu, în masa artiștilor pop putem întâlni deseori pe cineva care nu știe să dezvăluie, darămite să aprofundeze esența lucrării interpretate, pentru a crea o imagine scenă. Un astfel de interpret se află în întregime la cheremul repertoriului: el caută o lucrare care în sine să provoace râsete și aplauze. El ia orice, chiar și nepoliticos, vulgar, doar pentru a avea succes cu publicul. Un astfel de artist, ignorând uneori sensul spectacolului, se grăbește de la repriză la repet, scoate o parte din text, schimbă accentul, ceea ce duce în cele din urmă nu numai la absurdul verbal, ci și la absurdul semantic. Adevărat, trebuie menționat că chiar și o operă literară sau muzicală bună a unui astfel de interpret poate dobândi o nuanță de vulgaritate și lipsă de chip.

Imaginile artistice create de un artist de varietate, indiferent de genul căruia îi aparțin (colocvial, muzical, original), datorită recunoașterii lor, pot părea ușor accesibile interpretului. Dar tocmai în această accesibilitate și simplitate aparentă se află principalele dificultăți ale unui artist de varietate.

Crearea unei imagini scenice pe scenă are propriile sale caracteristici fundamentale, care sunt determinate de „condițiile de joc” ale scenei, ca tip de artă scenică, și de „condițiile de joc” ale unuia sau altui gen.

În scenă nu există o extindere temporală a destinului personajului, nu există o creștere treptată a conflictului și finalizarea lui fără probleme. Nu există nici o dezvoltare a intrigii. Un actor de scenă trebuie să trăiască prin viața complexă, diversă din punct de vedere psihologic a personajului său în câteva minute. „... În aproximativ douăzeci de minute, trebuie să mă stăpânesc repede, vorbind vulgar, să schimb pielea și să urc de pe o piele pe alta.” * În același timp, privitorul trebuie să înțeleagă imediat unde, când și de ce actul actul are loc.

Arta unui artist de varietate, viața unui interpret pe o scenă de varietate se bazează în mare măsură pe acele legi ale actoriei, descoperite de K.S. Stanislavski, E.B. Vakhtangov, M.A. Cehov și mulți alți regizori și actori de teatru remarcabili. Din păcate, când vorbesc despre scenă, ei preferă să tacă despre asta, iar dacă o fac, este foarte rar și, uneori, disprețuitor. Deși toate viata creativa Raikin, Mirov, Mironova, Rina Zelena și mulți alții, care au combinat strălucirea pop cu capacitatea de a trăi viața personajelor lor, confirmă angajamentul lor față de sistemul Stanislavsky și școlile de actorie Vakhtangov și Cehov.

Adevărat, și acest lucru trebuie subliniat, așa-numitele direcții de „experimentare” și „performanță” care s-au dezvoltat în teatrul dramatic își pierd trăsăturile pe scenă și nu au o importanță fundamentală. Artistul pop, parcă, „îmbrăcă” masca personajului său, rămânând în același timp el însuși. În plus, reîncarnându-se, este în contact direct cu privitorul. El (actorul) își schimbă brusc coafura în fața ochilor noștri, (și-a ciufulit cumva părul) sau face ceva cu jacheta (a nasturi pe nasturi greșit), începe să vorbească cu vocea eroului său și... „portretul este gata”. Adică din două sau trei lovituri a creat imaginea personajului său.

O formă particulară de reîncarnare pe scenă este transformarea. Nu șmecheria unui spectacol de circ, ci un mijloc expresiv autentic, un dispozitiv care poate suporta o încărcătură semantică semnificativă. „Când am început prima dată să mă angajez în transformare”, a spus A.I. Raikin, - mulți au spus că asta a fost o șmecherie, un gen de circ. Și am mers pentru asta în mod conștient, realizând că transformarea este una dintre componentele teatrului de miniaturi.

Necesitatea de a dezvălui un personaj viu și complex într-un scurt fragment temporar îl obligă pe artist să acorde o atenție deosebită imaginii exterioare a rolului, realizând o anumită exagerare chiar și a grotescului personajului, nu numai în aparență, ci și în comportament.

Creând o imagine artistică pe scenă, actorul selectează cele mai tipice trăsături de caracter și caracteristici ale personajului său. Exact așa ia naștere hiperbola scenica grotescă, strălucitoare, justificată de caracter, temperament, obiceiuri etc. De fapt, pe scenă, imaginea scenică constă dintr-o combinație a proprietăților interne și externe ale personajului, cu primatul modelului extern, adică caracteristica.

Minimizarea accesoriilor teatrale (decor, decor, machiaj) face ca interpretarea spectacolului să fie mai tensionată, îmbunătățește expresia jocului și schimbă însăși natura comportamentului scenic al artistului. Jocul lui devine din ce în ce mai ascuțit, gestul său este mai precis, mișcarea lui este mai energică.

Pentru un artist de varietate, nu este suficient să stăpânească abilitățile tehnice de interpretare (de exemplu, date vocale sau de vorbire, sau plasticitatea corpului etc.), acestea trebuie combinate cu capacitatea de a găsi contactul cu publicul.

Abilitatea de a construi relații cu publicul este unul dintre cele mai importante aspecte ale talentului și aptitudinii unui artist de varietate. La urma urmei, el comunică direct cu publicul, i se adresează. Și aceasta este una dintre principalele caracteristici ale artei pop. Atunci când pe scenă sunt interpretate scene, fragmente din spectacole, opere, operete, circuri, interpretarea lor este corectată ținând cont de această caracteristică. Mai mult, în primele secunde ale apariției sale pe scenă, un actor care nu a reușit să stabilească un contact puternic cu publicul poate fi prezis cu exactitate - va eșua și actul său nu va avea succes.

Dacă un instrumentist sau un vocalist de la serviciu la serviciu poate în continuare să cucerească publicul, atunci un artist de varietate care interpretează un monolog, feuilleton, cuplete, parodii etc. - niciodată. Observarea politicoasă a publicului asupra a ceea ce se întâmplă pe scenă echivalează cu un eșec. Să ne amintim: comunicarea liberă cu publicul, absența unui „al patrulea perete”, adică spectatorul este partenerul interpretului (una dintre principalele caracteristici generice arta varietatii), - înseamnă, de asemenea, că publicul devine complice la opera actorului. Într-un cuvânt, a face din public un aliat, un suporter asemănător, este una dintre sarcinile principale ale interpretului. Această abilitate vorbește despre priceperea actorului.

Schiller s-a născut în familia unui medic de regiment. În copilărie, a fost trimis la o instituție de învățământ închisă - Academia Militară, fondată de Ducele de Württemberg. Scopul Academiei era acela de a educa servitorii ascultători la tron. Schiller a petrecut mulți ani în această „plantație de sclavi”. De aici a îndurat o ură arzătoare față de despotism și o dragoste de libertate. După absolvirea Academiei, unde a studiat medicina, Schiller a fost nevoit să accepte postul de medic într-o garnizoană militară, dar nu a renunțat la visul său de a se dedica literaturii.

Piesa „Tâlharii” scrisă la Academie în 1782 a fost acceptată pentru punerea în scenă la celebrul Teatr Mannheim de atunci. Schiller dorea cu adevărat să participe la premiera piesei sale, dar știa dinainte că i se va refuza concediul și, prin urmare, s-a dus în secret la Mannheim, care era dincolo de controlul ducelui de Württemberg. Pentru încălcarea statutului serviciului de garnizoană, Schiller a executat două săptămâni de închisoare. Aici a luat decizia finală cu privire la soarta lui viitoare. Într-o noapte de toamnă a anului 1782, părăsește în secret ducat, pentru a nu se mai întoarce niciodată acolo. Din acel moment încep ani de rătăcire, lipsuri, nevoi, dar în același timp ani plini de muncă literară grea. LA perioada timpurie din munca sa, Schiller creează lucrări pline de protest împotriva arbitrarului și tiraniei.

În vara anului 1799, rătăcirile scriitorului s-au încheiat: s-a mutat definitiv la Weimar, care a devenit cel mai mare centru cultural Germania. La Weimar, Schiller se angajează intens în istorie, filozofie, estetică, completând cunoștințele care, după cum simțea, îi lipseau. De-a lungul timpului, Schiller devine unul dintre cei mai educați oameni ai epocii sale și pentru o lungă perioadă de timp chiar predă istorie la una dintre cele mai mari universități germane.

Schiller a lăsat o bogată moștenire creativă. Acestea sunt atât poezii lirice, cât și filozofice, precum și balade, pe care Pușkin și Lermontov le-au apreciat în mod deosebit. Dar, desigur, cel mai important lucru din viața lui este dramaturgia. Primele drame „Thalarii” si „Smecheria si dragostea” (1784) au castigat imediat dragostea publicului. Iar dramele istorice Don Carlos (1787), Mary Stuart (1801), The Maid of Orleans (1801), William Tell (1804) i-au adus faima europeană.

Schiller a numit balada „Mănușa” o poveste, pentru că a fost scrisă nu sub forma unei balade, ci sub forma unei narațiuni. Jukovski a inclus-o printre povești, criticul V. G. Belinsky nu avea nicio îndoială că aceasta era o baladă.

Mănușa a fost tradusă de Lermontov în 1829 (publicată în 1860), Jukovski - în 1831.

Mănușă

Traducere de M. Lermontov

Nobilii stăteau într-o mulțime
Și au așteptat în tăcere spectacolul;
Stând între ei
Rege maiestuos pe tron:
În jur, pe balconul înalt
Corul de doamne a strălucit frumos.

Aici ei ascultă semnul regal.
Ușa care scârțâie se deschide,
Și leul iese în stepă
Picior greu.
Și în tăcere brusc
Se uita imprejur.
Căscând leneș

Tremurând coama galbenă
Și, văzându-i pe toți,
Leul se întinde.
Și regele a făcut din nou cu mâna
Iar tigrul este sever
Cu un salt sălbatic
Periculos a decolat
Și, întâlnindu-mă cu un leu,
urlă îngrozitor;
Își bate coada
Apoi
Ocolește în liniște proprietarul,
Ochii sângerosului nu reduc...
Dar un servitor înaintea stăpânului său
Mormăind inutil și furios

Și se culcă involuntar
El este lângă el.
De sus apoi cad
Mănușă cu o mână frumoasă
Soarta este un joc aleatoriu
Între cuplu ostil.

Și întorcându-se brusc către cavalerul său,
Cunigunde spuse, râzând viclean:
„Cavalere, îmi place să torturez inimile.
Dacă dragostea ta este atât de puternică,
Cum îmi spui în fiecare oră
Atunci ia-mi mănușa!”

Și cavalerul fuge de la balcon într-un minut
Și cu îndrăzneală intră în cerc,
Se uită la mănușa fiarelor sălbatice
Și ridică o mână îndrăzneață.

_________

Și publicul așteaptă timid în jur,
Tremurând, se uită la tânăr în tăcere.
Dar acum aduce mănușa înapoi,
Și privire blândă, în flăcări -
- jurământul fericirii pe termen scurt -
Îl întâlnește pe eroul cu mâna fetei.
Dar arzând de supărare crudă în foc,
El i-a aruncat o mănușă în față.
— Nu am nevoie de recunoştinţa ta! -
Și a părăsit imediat cei mândri.

Mănușă

Traducere de V. Jukovski

Înainte de menajeria ta
Cu baronii, cu prințul moștenitor,
Regele Francisc era așezat;
De la un balcon înalt se uita
Pe câmp, în așteptarea bătăliei;
În spatele regelui, vrăjitor
aspect de frumusețe înflorită,
Doamnele de la curte erau într-un rând magnific.
Regele a făcut un semn cu mâna -
Ușa se deschise cu o bufnitură.
Și o fiară formidabilă
Cu un cap imens
leu shaggy
Se dovedește
În jurul ochilor duce morocănos;
Și așa, uitându-mă la toate,
Și-a încrețit fruntea cu o postură mândră,
Și-a mișcat coama groasă,
Și s-a întins și a căscat,
Și întinde-te. Regele a făcut din nou mâna -
Oblonul ușii de fier zdrăngăni,
Și îndrăznețul tigru a sărit din spatele gratiilor;
Dar vede un leu, este timid și răcnește,
Se bate cu coada pe coaste,

"Mănușă". Artistul B. Dekhterev

Și se furișează, cu ochii mijiți,
Și își linge fața cu limba.
Și, ocolind leul din jur,
Mârâie și se întinde lângă el.
Și pentru a treia oară regele și-a fluturat mâna -
Doi leoparzi ca un cuplu prietenos
Într-o săritură s-au trezit peste tigru;
Dar le-a dat o lovitură cu o labă grea,
Și leul s-a ridicat cu un hohot...
S-au împăcat
Și-au descoperit dinții, s-au îndepărtat,
Și au mârâit și s-au întins.

Iar oaspeții așteaptă să înceapă bătălia.
Brusc femeia a căzut de pe balcon
Mănușa... toată lumea are grijă de ea...
Ea a căzut printre animale.
Apoi pe cavalerul Delorge cu un ipocrit
Și arată cu un zâmbet ascuțit
Frumusețea lui și spune:
„Când eu, cavalerul meu credincios,
Îți place felul în care spui
Îmi vei întoarce mănușa.”

Delorge, fără să răspundă niciun cuvânt,
Merge la animale
El ia cu îndrăzneală mănușa
Și se întoarce din nou la adunare,
Cavaleri și doamne, cu atâta obrăznicie,
Inima mea era tulburată de frică;
Un tânăr cavaler
De parcă nu i s-ar fi întâmplat nimic
Urcă calm spre balcon;
A fost întâmpinat cu aplauze;
Este întâmpinat de priviri frumoase...
Dar, acceptând cu răceală salutul din ochii ei,
În fața ei o mănușă
El a aruncat și a spus: „Nu am nevoie de recompensă”.

Ne gândim la ceea ce citim

1. Deci, înaintea ta este balada lui Schiller „The Glove”. Vă invităm să citiți și să comparați două traduceri făcute de V. Jukovski și M. Lermontov. Care traducere este mai ușor de citit? În care dintre ele sunt dezvăluite mai clar personajele personajelor?
2. Ce a vrut frumusețea? De ce este atât de jignit cavalerul de ea?
3. După cum puteți vedea, genul acestei lucrări a fost definit diferit. Cum ai numi „Mănușa” - o baladă, o poveste, o poveste? Repetați definițiile acestor genuri conform dicționarului de termeni literari.

Învață să citești expresiv

A pregati lectură expresivă traducerile lui Jukovski și Lermontov, când citesc, încearcă să transmită particularitățile ritmului fiecăreia dintre traduceri.

fonochristomatie. Ascultând actorie

I. F. Schiller. "Mănușă"
(traducere de V. A. Jukovski)

1. Pe percepția despre ce evenimente se organizează introducerea muzicală?
2. De ce reproduce actorul atât de sârguincios caracterul comportamentului unui leu plin, un tigru îndrăzneț, doi leoparzi?
3. Ce trăsături de caracter a transmis actorul citind cuvintele eroinei adresate cavalerului?
4. Pregătiți o lectură expresivă a baladei. Încercați în lectura dvs. să reproduceți imaginea splendorii și măreției palatului regal, aspectul, caracterul, comportamentul animalelor sălbatice, personajele frumuseții și cavalerul.

Ce separă un actor bun de unul rău? Există o expresie atât de cunoscută a lui T. Edison, care a devenit înaripată: „Geniul este 1% inspirație și 99% diligență”, și varianta sa nu mai puțin faimoasă: „Geniul este 1% talent și 99% muncă grea”. În conformitate cu sistemul Stanislavsky, învățarea începe și cu o muncă lungă și minuțioasă asupra propriei persoane. Constă, în primul rând, în dezvoltarea calităților actoricești profesionale și, în al doilea rând, în formarea capacității de a utiliza tehnici speciale de actorie scenă. Primul bloc va fi tratat în această lecție, al doilea - în următoarea.

Determinarea calităților pe care ar trebui să le aibă un actor

Calitati de actor- acestea sunt caracteristicile personale ale unei persoane, într-un complex oferind posibilitatea de a juca cu succes diverse roluri.

Spre deosebire de abilitățile specifice, de exemplu, capacitatea de a râde la timp sau de a arăta surpriză, calitățile profesionale combină o întreagă gamă de abilități și abilități, ceea ce face imposibilă luarea în considerare a fiecărei calități în detaliu într-o singură lecție. Prin urmare, această lecție va descrie trăsăturile generale ale calităților și aptitudinilor pe care ar trebui să le aibă un actor bun. În plus, artistul de scenă trebuie nu numai să aibă un anumit set de caracteristici personale și profesionale, ci și să lucreze în mod constant, zilnic, asupra lui însuși, îmbunătățindu-și abilitățile. Prin urmare, pentru fiecare calitate se dau recomandări și exerciții pentru antrenamentul și dezvoltarea ei. Acestea vor fi considerate în conformitate cu structura, adepții și studenții săi:

Primul grup „Calitățile oricărui actor bun”- acestea sunt abilitățile de care are nevoie orice persoană pentru a aplica abilitățile de actorie în viață, indiferent dacă intenționează să le folosească pentru a juca în teatru sau pentru a filma un film, sau doar dorește să-și explice orele de întârziere la serviciu. În ceea ce privește aceste caracteristici, puteți aplica în siguranță „minimul necesar” - acesta este ceea ce toată lumea ar trebui să știe și să poată face.

A doua grupă "Calitate profesionala" necesar în Mai mult profesioniști, cei pentru care actoria este un meșteșug. Aceste calități sunt asociate cu munca pe scenă, interacțiunea cu actorii, spectatorii și multe alte componente importante ale actoriei.

Calitățile oricărui actor bun

Atenție dezvoltată

Orice persoană își face treaba mai bine dacă nimic nu-i distrage atenția, dar numai pe subiectul lecției curente. Actorii nu fac excepție, pentru care viața pe scenă este imposibilă fără capacitatea de a observa, capacitatea de a comuta și de a concentra atenția în mediul scenic.

În acest sens, unul dintre fundamentele tehnicii interne a actorului este orientarea selectivă a percepției în timpul spectacolului. Mulți dintre cititorii noștri familiarizați pot observa că la un anumit nivel de pregătire, capacitatea de concentrare devine arbitrară. Este adevărat, dar în cazul artei actoriei, totul este mult mai complicat decât ar părea la prima vedere. Cert este că în viața de zi cu zi atenția noastră este condusă de reflexe necondiționate, cu alte cuvinte, instinctiv. În timpul unei conversații, nu ne gândim niciodată la cum să stăm în picioare sau să stăm, cum să ne controlăm vocea etc. Dar pentru un artist, acest lucru contează, deoarece într-un mediu scenic real trebuie să acorde atenție tuturor aspectelor jocului - vorbire, gesturi, expresii faciale, postură, sufler, iar atunci când evenimentele se schimbă, își schimbă direcția percepției.

Următoarele recomandări vor ajuta actorul să obțină succes în ceea ce privește dezvoltarea acestei calități:

1. Nu încerca să te concentrezi pe prea multe detalii. Acest lucru duce la așa-numitele crampe actoricești: acțiuni involuntare pe scenă care îți trădează nesiguranța. Amintiți-vă că regula „” funcționează în atenția oricărei persoane.
2. Atenția și memoria pe termen scurt sunt abilități care pot fi controlate în mod intenționat folosind, de exemplu, tehnici de joc. Cum să faceți acest lucru, citiți lecția specială „” de pe site-ul nostru.
3. Atenția depinde foarte mult de starea actuală și fizică a unei persoane, de exemplu, cât de mult a dormit, dacă este îngrijorată de problemele personale astăzi. Încercați să performați întotdeauna într-o dispoziție bună. În acest scop, puteți folosi yoga și.

K.S. Stanislavsky credea, de asemenea, că procesul de îmbunătățire a unei abilități ar trebui să fie constant: „Privind viața, un artist ar trebui să se uite în jur, nu ca un neprofesionist distrat și nu ca un statistician rece care are nevoie doar de acuratețea reală și digitală a informațiilor pe care le are. colectează. Artistul are nevoie să pătrundă în esența a ceea ce se observă, să studieze cu atenție circumstanțele și acțiunile oamenilor oferite de viață, să înțeleagă starea de spirit a sufletului, caracterul celui care realizează aceste acțiuni. În plus, a fost creat un set de exerciții speciale pentru a preda atenția scenică:

Exercitiul 1. Faceți o poză necunoscută, priviți-o cu atenție timp de 5 secunde și apoi încercați să vă amintiți toate detaliile. În viitor, luați pânze mari cu modele complexe.

Exercițiul 2. Luați un creion în fiecare mână și începeți să desenați în același timp: dreapta - un cerc, stânga - un triunghi. Este important să terminați ambele figuri în același timp. De asemenea, puteți scrie diferite numere sau litere.

Citiți mai multe despre atenția scenică, etapele de învățare a acestei abilități actoricești pe blogul nostru. Sunt posibile exerciții mai utile pentru dezvoltarea sa.

Abilități oratorice

„Urâm teatralitatea în teatru, dar ne place scenica de pe scenă... vocea ar trebui să cânte în conversație și în poezie, să sune ca o vioară și să nu bată cuvintele ca mazărea pe o tablă”, - a scris K. S. Stanislavsky. Capacitatea de a face discursuri devenite de multă vreme retori (și sunt multe dintre ele în dramaturgie) este o calitate importantă nu numai pentru lectorii sau lectorii universitari. Același discurs poate fi rostit în așa fel încât toată lumea să adoarmă, sau invers, să prindă fiecare cuvânt. Depinde mult de vorbitor, așa că este important ca fiecare actor aspirant să-și dezvolte discursul scenic.

De asemenea, ar trebui să acordați atenție dezvoltării vocii, sunetului acesteia. Pentru a face acest lucru, trebuie să efectuați un set de exerciții pentru setarea respirației, articulației, tonalității, dicției. Iată câteva dintre ele:

Exercițiul 1. Dezvoltarea respirației. Poziția de pornire: în picioare, brațele de la umăr până la cot în poziție orizontală (paralel cu podeaua). De la cot în jos (antebrațe și mâini) - atârnă vertical. Inspirați prin stomac, la expirare pronunțăm sunetul „p” și facem o mișcare circulară cu antebrațele și mâinile, umărul rămâne fix. La urmatoarea expiratie facem 2 rotatii circulare, apoi 3 si tot asa pana la 6. Apoi reducem viteza de la 6 la 1.

Exercițiul 2. Dicția.Încercați să reproduceți sunetul unui cui înfipt într-un perete, al unui cal călcând pe trotuar, al unui arc coborât. Ar trebui să obțineți nu un „tsok” banal, ci ceva de genul „svsy”, „tzzu”, „vzsi”, cu alte cuvinte - împărțiți acțiunea în sunete pe care le auziți.

Imaginația și capacitatea de a gândi creativ

Simțind adevărul- aceasta este capacitatea de a simți plauzibilitatea (realismul) acțiunii. Este legat în primul rând de înțelegerea principiilor acțiunilor umane, a logicii și a stimulentelor pentru acțiunile eroului jucat. În al doilea rând, este capacitatea actorului de a distinge între emoțiile și comportamentul natural de cele nenaturale, și nu numai ale celorlalți, ci și ale lor. „Cleme fizice” - condiții care întunecă realismul și naturalețea (dorința de a ieși în evidență, rigiditate, autocontrol) interferează cu dezvoltarea simțului adevărului. Pentru a scăpa de ele, K. S. Stanislavsky a recomandat în 2 etape:

• Dezvoltarea adevărului acțiunilor fizice simple. În viață, turnăm apă clocotită peste ceai, amestecăm zahărul, bem, fără să ne gândim la natura acestor acțiuni, realizându-le automat. Cele mai simple acțiuni fizice sunt de înțeles și aproape de toată lumea, așa că merită să începeți cu antrenamentul lor în cadrul mediului scenic, trecând treptat spre veridicitatea emoțiilor.
• Dezvoltarea logicii și a secvenței. Acțiunile fizice sunt instinctive, dar evenimentele din teatru sunt fictive și au loc, de exemplu, cu câteva secole înainte de vremea noastră și, prin urmare, instinctele cotidiene eșuează. Prin urmare, actorii trebuie să-și subordoneze acțiunile și secvențele, realizându-le ca în viață, pentru că fără aceasta nu se poate dezvolta simțul credinței.

După cum am menționat mai sus, nu ultimul rol în furnizarea unui sentiment al adevărului este jucat de imaginație și fantezie - calități care permit actorului să explice și să justifice acțiunile personajului său. Sinceritatea rolului, sentimentelor și emoțiilor se realizează nu numai printr-un răspuns emoțional, ci și prin capacitatea de a crede în acțiunile eroului, de a-i lua locul pentru a înțelege natura lor. Fără aceasta, un joc bun și sincer nu există.

memorie emoțională

libertatea scenică

Se spune că un spadasin iscusit poate fi întotdeauna identificat prin felul în care se mișcă: gesturile lui sunt lin, dar suficient de priceput, încrederea se vede la fiecare pas, ca în orice mișcare – calcul rece. O astfel de reprezentare, poate puțin romanticizată, dar reflectă esența generală - oamenii de diferite profesii se mișcă în moduri diferite. Actorii nu fac excepție: ipostaze, gesturi, chiar și a căror mers banal ar trebui să se distingă prin libertate.

Libertatea este înțeleasă ca comportamentul firesc al unui actor pe scenă, când nu joacă, ci trăiește. Se dobândește în procesul de dezvoltare a unei astfel de componente a tehnicii actoricești ca. Și în, și adepților săi, în special, mișcării a primit locul principalului mijloc al tehnicii externe a actorului. În același timp, ei au susținut că nu există metode speciale pentru a-i învăța pe începători arta de a se mișca corect: „Nu poți învăța aplicarea creativă a mișcării, ci poți educa doar aparatul neuro-fizic într-o direcție care este deosebit de benefică pentru munca scenica.”

În acest sens, actorul ar trebui să dezvolte calități precum plasticitatea și controlul asupra tensiunii musculare. Plasticitatea - frumusețea mișcării, grația, expresivitatea artistului - aspectul mișcării. Controlul tensiunii îi permite actorului să execute mișcările corect - nu mecanic, dar nu exagerat sau neglijent. Din moment ce lipsa de mişcare pt omul modern a devenit un fenomen familiar, actorul trebuie să acorde atenția cuvenită propriei sale. Iată câteva exerciții:

Exercițiul 1. Învață să dansezi.În predarea artelor teatrale, dansul este o materie clasică. Nimic nu dezvoltă mai bine plasticitatea decât un vals sau o polcă.

Exercițiul 2. Păpușă. Imaginați-vă că sunteți o păpușă, care, după spectacol, se atârnă de un cârlig din dressing. Încercați să portretizați poziția cât mai aproape de poziția păpușii. Acum imaginați-vă că ați fost „atârnat” de gât, apoi de braț, de umăr și chiar de ureche - corpul este fixat la un moment dat, totul este relaxat. Efectuarea acestui exercițiu de mai multe ori pe zi va ajuta la dezvoltarea plasticității corpului și va scăpa de clemele musculare.

Exercițiul 3. Stai pe un picior cât de mult poți. De obicei, concentrarea asupra unui obiect imaginar ajută la prelungirea acestui timp. Puteți, de exemplu, să parcurgeți mental drumul zilnic de acasă la serviciu sau la magazin. Dintr-o încărcare excesivă, mușchii se vor relaxa după un timp, iar tensiunea musculară va dispărea după revenirea la starea sa normală.

Alte exerciții sunt descrise în.

Calitățile unui actor profesionist

Farmecul și carisma

Gândește-te la câți actori cunoști în total și câți dintre ei îi poți numi carismatici. Nu atât de mult, nu? Carisma este propriul tău stil, ceva care îți permite să te evidențiezi de ceilalți, o caracteristică și chiar exclusivitate. Carisma este atunci când un rol pe care l-au „probat” sute de actori este asociat cu un singur nume. Întrebați-i pe fanii Bond care l-au jucat cel mai bine pe James Bond și vă vor răspunde cel mai mult - Sean Connery.

Acum există o părere eronată că un actor trebuie să fie frumos. De fapt, nu este așa: trebuie să fie fermecător. Amintiți-vă de Adriano Celentano, care, cu jocul, maniera, stilul său, s-a îndrăgostit de o întreagă generație, fără a deține date externe remarcabile. Frumusețea contează, dar nu atât de des ca carisma și farmecul, care transformă un actor bun într-unul mai bun.

Sociabilitate

Actoria este un proces continuu de comunicare. Acesta este un dialog intern pentru a înțelege rolul, comunicarea profesională cu colegii și o abilitate perfecționată de a vorbi și de a se adresa spectatorului. Aceasta este esența artei teatrale și a meșteșugului actorului.

Nu este greu să-ți dezvolți abilitățile de comunicare, este suficient să adopti trei legi simple ale comunicării:

• fii deschis și prietenos, formează o atitudine față de înțelegerea reciprocă;
• zâmbește, manifestă interes real față de interlocutor;
• a putea asculta.

Abilitatea de a face față fricii

Fobia de a vorbi în public este una dintre cele mai comune în rândul rezidenților din SUA. Și cei mai mulți dintre noi probabil au experimentat un sentiment de entuziasm atunci când s-au confruntat cu nevoia de a vorbi în fața unui public numeros (și uneori în fața a câtorva oameni). Este și mai dificil pentru actori, pentru că performanța lor nu poate fi diluată cu tehnici informale, în plus, ei sunt asociați nu doar cu ținerea unui discurs. Prin urmare, un artist bun trebuie să fie capabil să facă față publicului și scenei. Această calitate trebuie dezvoltată în sine, formând nu numai abilități profesionale, ci și încredere, concentrare,.

Echilibrul mental

Nervii de fier sunt necesari nu numai pentru a depăși frica de scenă. Costurile profesiei de actor sunt de așa natură încât acesta se află în permanență în câmpul de vedere al regizorului, al publicului, al criticilor și al jurnaliștilor. Prin urmare, trebuie să fie capabil să primească o lovitură, să perceapă și să răspundă adecvat criticilor, să încurajeze caracterul constructiv în ea, care contribuie la dezvoltarea talentelor și calităților, stabilește direcția de îmbunătățire.

Diligență și performanță

Filmările și repetițiile durează foarte mult timp în viața unui actor și el trebuie să fie pregătit să petreacă mult mai mult decât o zi standard de 8 ore pe platou, sacrificând uneori odihna și interesele personale. Aici nu te poti lipsi de rabdare, rezistenta si stabilitate in ceea ce priveste sarcinile grele.

Cunoașterea teoriilor, genurilor și tehnicilor artei teatrale

Este puțin probabil să încredințați reparațiile la instalații sanitare unei persoane care nu înțelege diferența dintre o cheie reglabilă și o cheie. Situația este similară cu meșteșugul actorului. Acest lucru nu afectează în mod direct capacitatea de a juca un rol, dar este imposibil să devii profesionist fără un bagaj de cunoștințe speciale. Iar primul pas pentru toți cei care doresc să stăpânească arta reîncarnării este să se familiarizeze cu specia și.

Abilități muzicale și coregrafice

Muzica dezvoltă urechea - te învață să asculți, să prindeți tempo și ritmul, ceea ce este necesar pentru dezvoltarea abilităților de vorbire pe scenă și nu numai. Un actor nu se poate lipsi de coregrafie, care ajută la dezvoltarea plasticității, la obținerea naturaleței și la depășirea rigidității în mișcări.

Gust, estetică, simț al armoniei

Dramaturgul A. N. Ostrovsky a cerut actorilor săi un gust estetic dezvoltat, fără de care este imposibil de înțeles nici esența teatrului, nici natura personajelor. Fără ea, fără un sentiment de armonie, actorul însuși nu poate înțelege frumusețea, nu poate transmite cât mai mult ceea ce necesită imaginea și caracterul producției. Abilitățile estetice sunt ghicite în fiecare aspect al tehnicii - vorbire, mișcări, conținut emoțional al jocului.

Străduind să se îmbunătățească

Actorul trebuie să progreseze de la un rol la altul, lăsând ce este mai bun și scăpând de ceea ce este inutil. Ideea aici nu este doar într-un mediu competitiv, în care există o luptă constantă pentru rolurile principale și succes, ci și în dorința de a fi realizat, care trebuie să fie. Experiența îmbogățește bagajul emoțional, iar fiecare rol este un pas înainte în ceea ce privește dezvoltarea profesională.

Ambiție, dorință de succes și glorie, intenție

Ambiția este o trăsătură socio-psihologică a unei persoane, exprimată în dorința de a efectua acțiuni care vizează atingerea scopurilor, autorealizarea. De fapt, acesta este un motiv pozitiv stabil care face ca o persoană să se îndrepte spre visul său. Fără dragoste pentru ocupație, fără conștientizarea semnificației ei pentru tine și ceilalți, fără dorința de a face ceea ce faci bine și de a progresa constant, orice muncă se transformă în chin, chiar și una atât de interesantă ca actor.

Alte calități

Aici nu vorbim în totalitate despre calități, ci mai degrabă despre direcția de dezvoltare a personalității pentru a deveni un bun actor.

. Am subliniat mai sus că discursul și retorica sunt strâns legate între ele. Cursurile de tehnica vorbirii sunt o materie obligatorie în toate universitățile teatrale, fără excepție. Prin urmare, pentru a face o imagine mai completă și a obține cunoștințele necesare, vă recomandăm să urmați un curs de formare pe site-ul nostru.

Gandire logica.- acesta este unul dintre elementele principale ale bunăstării interioare a artistului. Tot ceea ce în viață se face instinctiv pe baza logicii cotidiene, în teatru - prefăcut. Dar actorul trebuie să se străduiască să recreeze o secvență logică, nu numai în acțiuni, ci și în gândurile și aspirațiile eroului său. „Dacă toate domeniile naturii umane ale artistului funcționează logic, consecvent, cu adevăr și credință autentice, atunci experiența va fi perfectă”, a învățat K. S. Stanislavsky.

Conducere. un actor trebuie să aibă din mai multe motive. În primul rând, a fi lider înseamnă a lua și a fi responsabil pentru acțiunile tale, a fi proactiv, mereu în căutarea oportunităților de a realiza mai mult. În al doilea rând, leadershipul este de neconceput fără capacitatea de a stabili o comunicare eficientă și de a construi relații cu ceilalți, ceea ce este foarte important în ceea ce privește munca în echipă. În al treilea rând, rolurile principale sunt destul de des imagini ale unor personalități remarcabile, lideri și cineva care a dezvoltat calități de lider le poate înțelege și, în consecință, să joace mai bine.

Testează-ți cunoștințele

Dacă doriți să vă testați cunoștințele pe tema acestei lecții, puteți susține un scurt test format din mai multe întrebări. Doar 1 opțiune poate fi corectă pentru fiecare întrebare. După ce selectați una dintre opțiuni, sistemul trece automat la următoarea întrebare. Punctele pe care le primești sunt afectate de corectitudinea răspunsurilor tale și de timpul petrecut pentru trecere. Vă rugăm să rețineți că întrebările sunt diferite de fiecare dată, iar opțiunile sunt amestecate.